Alexander Gray Associates präsentiert auf der Frieze London eine kuratierte Auswahl zeitgenössischer und historischer Werke von Künstlern wie Chloë Bass, Frank Bowling, Ricardo Brey, Bethany Collins, Melvin Edwards, Harmony Hammond, Kang Seung Lee, Steve Locke, Carrie Moyer, Ronny Quevedo, Joan Semmel, Hugh Steers und Ruby Sky Stiler. Diese Künstler sind zwar in ihren Ansätzen sehr unterschiedlich, haben aber eines gemeinsam: Sie erforschen auf innovative Weise Materialität und Repräsentation und stoßen dabei immer wieder an die Grenzen der formalen und konzeptionellen Kunst.
Seit über fünfzig Jahren verwebt Frank Bowling in seinen abstrakten Werken persönliche und kollektive Erinnerungen, um die schwarze Identität zu kommentieren. Seine kontinuierliche Verfeinerung der Farbgebung zeigt sich in Gemälden wie „Sunrise“ (2020), das die Leuchtkraft der englischen Landschaftsmalerei des achtzehnten Jahrhunderts einfängt und gleichzeitig den schimmernden Dunst der Wasserwege von Guyana, dem Geburtsort des Künstlers, heraufbeschwört. Melvin Edwards, ein langjähriger Freund von Bowling, schafft abstrakte Skulpturen, die Ausdruckskraft mit modernistischen Formen verbinden. Werke wie „Combination“ (2005) – Teil seiner fortlaufenden Serie Lynch Fragments – verwenden Stahl, um sowohl körperliche Arbeit als auch rassistische Gewalt zu thematisieren und die Erzählungen über die afrikanische Diaspora neu zu gestalten.
Chloë Bass erforscht in ihrer Arbeit das Potenzial der Sprache. Ihre Arbeit „6. – 7. Januar 2020“ (2024) besteht aus zwei Lampen, auf denen sie die Ereignisse jener Tage schildert. Die subtilen Veränderungen in der Intensität der Lampen markieren den Lauf der Zeit und initiieren, wie Bass beschreibt, neue Wege des „Sehens“. Im Gegensatz dazu nutzt Bethany Collins die materiellen Eigenschaften von Papier und seine Reaktionen auf physische Ereignisse, um umfassendere Geschichten zu kodieren. In „Old Ship XII“ (2023) formt Collins Papier zu einem Denkmal, das die Geschichte der schwarzen Amerikaner widerspiegelt.
Joan Semmel und Carrie Moyer verfolgen beide einen kühnen Ansatz in Bezug auf Farbe und Form. Seit den 1970er Jahren stellt Semmel die traditionelle kunsthistorische Darstellung des Aktes in Frage. Ihre Gemälde, wie „Seated“ (2024), zelebrieren Farbe und Fleisch, indem sie ihren eigenen Körper zum Thema machen. Moyers spielerische Kompositionen, wie „Icy Hot“ (2024), betonen sensorische Erfahrungen mit eindringlichen, taktilen Oberflächen, die an die natürliche Welt erinnern. Ricardo Breys Hingabe an die Farbe zeigt sich auch in seiner fortlaufenden Serie von blauen Werken, darunter „Filtering of Lights“ (2023), das die Geschichte des Monochroms mit Landschaften verschränkt.
Harmony Hammond und Ruby Sky Stiler beleuchten die Malerei aus queeren und feministischen Perspektiven, indem sie Form und Inhalt einander gegenüberstellen. Hammonds fast monochrome Gemälde, wie „Lace II“ (2013), weisen stark bearbeitete, hautähnliche Oberflächen auf. Diese Leinwände, die das modernistische Monochrom in Frage stellen, vertreten einen Ansatz der Abstraktion, der im Körper wurzelt. In ähnlicher Weise stellen Stiler’s Reliefs wie „Seated Blue Figure (with turquoise and red outline)“ (2024) kunsthistorische Archetypen in Frage, indem sie collagierte weibliche Figuren vor fraktalartigen Hintergründen zeigen und die Dichotomie zwischen „der Frau als Subjekt der Malerei und der Schöpferin des Bildes“ ansprechen, wie Stiler es beschreibt. Ronny Quevedos vielschichtige Zeichnungen wie „el centro folklórico“ (2024) fragmentieren abstrakte Motive aus präkolumbianischen Textilien und fügen sie neu zusammen. Dabei werden die Unterschiede zwischen Vergangenheit und Gegenwart aufgehoben, um eine „Ahnenreihe von Abstraktionen und transformatorischen Figuren“ zum Leben zu erwecken.
Die Serie „cruisers“ von Steve Locke, zu der auch „cruisers (lunch counter)“ (2024) gehört, nutzt die Figuration, um intime Momente zwischen Männern einzufangen, die sich als Meditationen über den Blick entpuppen und die Politik und die Gefahren des Begehrens aufzeigen. Hugh Steers‘ „Shadow Box“ (1991) thematisiert auf ähnliche Weise die Gefahren des Begehrens und veranschaulicht die beunruhigende psychische Realität queerer Männer in einer durch die AIDS-Epidemie veränderten Welt. Kang Seung Lee rekontextualisiert visuelles Material, das mit der queeren Geschichte und dem kollektiven Gedächtnis verbunden ist. In „Untitled (Elysian 2)“ (2024) reproduziert Lee Samenkapseln und getrocknete Blumen aus dem Elysian Park, einem bemerkenswerten queeren Cruising-Ort in LA. Indem er dieser Flora ein Denkmal setzt, erklärt Lee, dass er „einen Raum für körperliche Erfahrungen … durch künstlerische Arbeit schafft, die nicht leicht in Worte gefasst werden kann.
Die Präsentation von Alexander Gray Associates auf der Frieze London zeigt die unterschiedlichen Ansätze dieser dreizehn Künstler in Bezug auf Abstraktion und Darstellung. Ihre Werke verdeutlichen das Potenzial, neues Wissen zu schaffen, indem sie verschiedene Geografien und Erfahrungen miteinander verbinden. Sie verkörpern Lees Glauben an die transformative Kraft der Kunst, unterschiedliche Perspektiven und Geschichten zu vereinen.
