Im Herzen New Yorks, in der 22. Straße, präsentiert Hauser & Wirth bis zum 26. Juli 2024 die Ausstellung „Daydream Nation“, die Mary Heilmanns fortwährendes Interesse an der Zeichnung als Mittel zur Transkription von Erinnerungen erforscht. Kuratiert von Gary Simmons, einem Freund Heilmanns, ihrem ehemaligen Studenten und Kollegen an der School of Visual Arts in New York, feiert die Ausstellung ihr Talent, komplexe Bilder und Ideen in täuschend einfache geometrische Formen und abstrakte gestische Markierungen zu destillieren. Durch selten und noch nie gesehene Werke auf Papier aus den 1970er bis frühen 2000er Jahren offenbart diese Präsentation, wie das Zeichnen für Heilmann eine Form des Tagträumens ist – ein Herbeirufen der Sehenswürdigkeiten, Klänge und Ereignisse ihrer vergangenen Reisen oder ihrer vorgestellten Zukunft.
„Marys Kapitel im Leben haben mich durch viele Phasen begleitet,“ sagt Simmons. „Durch die Auswahl dieser Werke und die Zusammenarbeit mit ihr habe ich mehr über ihre Praxis gelernt, als ich für möglich gehalten hätte. In ihren Zeichnungen und Gemälden gibt es dieses Gefühl einer Traumlandschaft, einem Mosaik ihrer Reisen durch die Wüste und von Küste zu Küste.“
Heilmann ist bekannt für ihre Arbeit in verschiedenen Medien und für Installationen, die spielerisch unterschiedliche Werke kombinieren. „Daydream Nation“ reflektiert den Ansatz der Künstlerin zur Ausstellungsgestaltung und bringt Arbeiten auf Papier zusammen – von Aquarellstudien für größere Gemälde bis zu Werken, die eigenständige Gemälde auf Papier darstellen – neben einer Auswahl ihrer Keramikskulpturen und skulpturalen Stühle, um eine atmosphärisch verspielte und dennoch konzeptionell strenge Umgebung zu schaffen. Heilmann arbeitet oft in Serien, wobei sie bestimmte Anordnungen von Form und Farbe im Laufe der Zeit wiederholt und neu interpretiert, wie hier in wiederkehrenden Motiven wie dem Stuhl, Rosenknospe, Spirale, Welle und Netz zu sehen ist. Aber in Heilmanns Werk führt Wiederholung zu Unterscheidung und aus dieser Vielfalt tauchen wichtige Wahrheiten über die Funktionen des Gedächtnisses und unseren Prozess der Übersetzung desselben auf.
Zeichnen hat immer eine bedeutende Rolle in Heilmanns Praxis gespielt, was sich in „Daydream Nation“ in einer Vielzahl von Formen manifestiert. Die Ausstellung zeigt eine neue wandgroße Installation, die ein bestehendes Werk neu interpretiert und in eine neue Ausdrucksform überführt. Heilmanns siebtes Wandbild bis dato wurde in Gesprächen mit Simmons entwickelt, der häufig die monumentale Skala dieses Mediums in seiner eigenen Arbeit erkundet.
Der Titel der Ausstellung ist dem bahnbrechenden Album „Daydream Nation“ (1988) von Sonic Youth entlehnt, das sowohl Heilmann als auch Simmons lieben. Es evoziert Heilmanns langjähriges Interesse am Tagträumen als kreative Übung und die Bedeutung des Reisens für sie in diesem Prozess. Zudem verortet es ihr Werk im Kontext der Kultur jugendlicher Rebellion in New York City, der kalifornischen Künstlerin seit 1968 ihre adoptierte Heimat und eine konstante Quelle der Energie und Inspiration, sowohl persönlich als auch beruflich.
Über die Künstlerin
Beeinflusst von der Gegenkultur der 1960er Jahre, der Freien-Sprache-Bewegung und dem Surf-Ethos ihrer Heimat Kalifornien, zählt Mary Heilmann zu den einflussreichsten abstrakten Malerinnen ihrer Generation. Als eine der herausragenden zeitgenössischen abstrakten Malerinnen überlagert Heilmanns Praxis die analytischen Geometrien des Minimalismus mit dem spontanen Ethos der Beat-Generation und zeichnet sich immer durch ihren oft unorthodoxen – immer freudigen – Umgang mit Farbe und Form aus.
Aufgewachsen in San Francisco und Los Angeles, absolvierte Heilmann einen Abschluss in Literatur, bevor sie Keramik in Berkeley studierte. Erst nach ihrem Umzug nach New York im Jahr 1968 begann sie zu malen. Während die meisten Künstler zu dieser Zeit mit dem Konzept der Entmaterialisierung experimentierten und forderten, dass die Malerei jegliche Referenzen auf Erfahrungen außerhalb der materiellen Präsenz des Werks selbst vermeiden sollte, entschied sich Heilmann für die Malerei und rebelliert gegen die akzeptierten Regeln. „Anstatt den Dekreten des modernen, nicht-repräsentationalen Formalismus zu folgen, begann ich zu verstehen, dass die wesentlichen Entscheidungen, die während des kreativen Prozesses getroffen wurden, immer mehr mit dem Inhalt zusammenhingen. Die Moderne war vorüber…“
Seitdem hat Heilmann Kompositionen geschaffen, die eine Vielzahl von Assoziationen hervorrufen. Ihre Arbeit mag nicht-repräsentativ sein und auf einem elementaren, geometrischen Vokabular basieren – Kreise, Quadrate, Gitter und Streifen –, aber es gibt immer etwas leicht Exzentrisches an ihnen. Die Einfachheit der Formen wird durch eine trügerische Form der Nonchalance abgeschwächt: Die Konturen sind nicht klar definiert. In einigen Gemälden scheinen amorphe Formen wie flüssiges Wachs ineinander zu schmelzen. Farbspritzer können erkannt werden, scharfe Kanten bluten ohne ersichtlichen Grund aus, und der Duktus der Pinselstriche ist immer wahrnehmbar. Heilmanns lässige Maltechnik verbirgt eine häufig komplexe Struktur, die sich dem Betrachter nur allmählich offenbart.
Die himmlischen Werke der Künstlerin aus den Jahren 1967-1971 sind ebenfalls derzeit in der Präsentation „Mary Heilmann. Starry Night“ im Dia Beacon langfristig zu sehen.
