Die Academy Awards, umgangssprachlich Oscars genannt, gelten weithin als der „Gipfel der Karriere eines Schauspielers“ und die „prestigeträchtigsten Auszeichnungen der Filmindustrie weltweit“. Die begehrte goldene Statuette zu erhalten, wird oft als das „ultimative Gütesiegel der Filmindustrie“ angesehen, eine tiefgreifende Anerkennung von Kollegen, dass Hingabe und Kunstfertigkeit eines Schauspielers in einer Leistung gipfelten, die „so wirkungsvoll war, dass sie sich motiviert fühlten, dich zum Besten deiner Kategorie zu krönen“. Diese einzigartige Ehre kennzeichnet ein Leistungsniveau, das nur wenige erreichen.
Trotz dieses immensen Prestiges wurden überraschend viele der am meisten verehrten Talente Hollywoods, Schauspieler, die konstant „Jahr für Jahr herausragende Arbeit“ geleistet haben, wiederholt bei der Vergabe eines Schauspiel-Oscars „übergangen“. Dieses wiederkehrende Phänomen wird von Filmbegeisterten und Kritikern gleichermaßen oft als ein „Verbrechen an Kunst und gutem Geschmack“ betrachtet.
Diese Betrachtung würdigt die Karrieren von zehn solcher Koryphäen und anerkennt ihre immensen Beiträge zur Filmkunst. Es ist wichtig anzuerkennen, wie Entertainment Weekly treffend bemerkte, dass „ein fehlender Gewinn das Talent eines Schauspielers keineswegs plötzlich mittelmäßig macht. Tatsächlich würden wir wetten, dass einige Stars ohne Oscar den Test der Zeit weitaus besser bestehen werden als manche, die tatsächlich Gold gewonnen haben“. Ihre Geschichten beleuchten nicht nur ihre individuelle Brillanz, sondern werfen auch ein Licht auf den komplizierten, manchmal rätselhaften Tanz der Academy-Abstimmungen und die vielschichtige Natur filmischer Errungenschaften.
Die beständige Anerkennung, die diese Schauspieler von der Academy erhalten haben, oft durch mehrfache Nominierungen über Jahrzehnte hinweg, unterstreicht ihr außergewöhnliches Talent. Diese wiederholte Anerkennung, gepaart mit dem Ausbleiben eines Gewinns, macht ihre Oscar-Reisen besonders fesselnd und untersuchenswert.
Die ungekrönten Talente
1. Glenn Close: Die amtierende Königin der Oscar-Beinahe-Gewinne
Glenn Close gilt als eine wahre Titanin sowohl der Bühne als auch der Leinwand. Ihre glanzvolle Karriere, die sich über fünf Jahrzehnte erstreckt, ist mit einer Fülle von Auszeichnungen geschmückt, darunter drei Primetime Emmy Awards, drei Tony Awards und drei Golden Globe Awards. Im Jahr 2019 ernannte das Time-Magazin sie zu Recht zu einer der 100 einflussreichsten Persönlichkeiten der Welt, ein Beweis für ihre weitreichende Wirkung. Close wird für ihre außergewöhnliche Vielseitigkeit und ihre tiefgreifende Fähigkeit gefeiert, „komplexe und fesselnde Charaktere mit Tiefe, Intensität und Verletzlichkeit“ darzustellen. Sie ist eine Schauspielerin, die konsequent „jeder Figur Leben einhaucht“ und meisterhaft sowohl „Verletzlichkeit als auch Stärke gleichermaßen“ vermittelt. Über ihre monumentalen Beiträge zu den darstellenden Künsten hinaus ist Close auch eine leidenschaftliche Verfechterin für das Bewusstsein für psychische Gesundheit und Frauenrechte.
Ihre Oscar-Reise ist legendär: Close hält den wenig beneidenswerten Rekord, die am häufigsten nominierte lebende Schauspielerin ohne einen Wettbewerbs-Oscar-Gewinn zu sein, und teilt diese Unterscheidung mit dem verstorbenen Peter O’Toole, die beide acht Schauspielnominierungen ohne einen Sieg sammelten. Diese bemerkenswerte Reihe von Nominierungen spricht Bände über die konsequente Anerkennung ihres außergewöhnlichen Talents durch die Academy in einer Vielzahl von Rollen und filmischen Epochen. Zu ihren Nominierungen gehören: Beste Nebendarstellerin für Garp und wie er die Welt sah (1982), wo sie denkwürdig eine feministische Mutter spielte; Der große Frust (1983), in dem sie einen Babyboomer-Archetyp verkörperte; Der Unbeugsame (1984), als ergreifendes Liebesinteresse; und viel später für Hillbilly-Elegie (2020). Ihre Nominierungen als Beste Hauptdarstellerin erhielt sie für einige ihrer ikonischsten Rollen: die gefährlich besessene Alex Forrest in Eine verhängnisvolle Affäre (1987); die listige und manipulative Marquise de Merteuil in Gefährliche Liebschaften (1988); ihre transformative Darstellung einer Frau, die als englischer Butler lebt, in Albert Nobbs (2011); und ihre von der Kritik hochgelobte Leistung in Die Frau des Nobelpreisträgers (2018).
Unter diesen stechen mehrere Darbietungen als Momente hervor, in denen Oscar-Gold verlockend nah schien. Ihre Darstellung der Alex Forrest in Eine verhängnisvolle Affäre war ein kultureller Prüfstein, der sie zu internationalem Ruhm katapultierte und den Begriff „Bunny Boiler“ (sinngemäß: „Häschenköchin“, für eine obsessiv-aggressive Frau) in den Wortschatz einbrannte. Roger Ebert lobte ihre Leistung als „erschreckend und doch immer glaubwürdig“ und merkte an, dass James Deardens Drehbuch ihr erlaubte, „ihren Köder mit honigsüßen Annäherungsversuchen auszuwerfen und ihn dann mit Eifersucht, Besitzansprüchen und schließlich Schuld zu setzen“. Nur ein Jahr später brachte ihr ihre machiavellistische Marquise de Merteuil in Gefährliche Liebschaften eine weitere Nominierung als Beste Hauptdarstellerin und begeisterten Kritikerlob ein. Viele Kritiker und Cinephile argumentieren immer noch, dass dies die Leistung war, für die sie den Oscar eindeutig verdient hätte. Ebert feierte die „Perfektion“ ihres Leinwandduells mit John Malkovich, ihre „geistreichen Dialoge zusammen verwandeln sich in anstrengende Konversationsspiele, Tennismatches der Seele“. Jahrzehnte später brachte ihr ihre Rolle als Joan Castleman in Die Frau des Nobelpreisträgers (2018) – eine Frau, die sich einem Leben voller Kompromisse für ihren gefeierten Ehemann stellt – eine siebte Nominierung als Beste Hauptdarstellerin und eine Reihe anderer wichtiger Auszeichnungen ein, darunter ein Golden Globe, ein SAG Award und ein Critics‘ Choice Award. Ihre Leistung wurde als „atemberaubend“, „ruhig und komplex, wunderschön nuanciert und voller Emotionen“ gefeiert, wobei Regisseur Björn Runge seine Kamera häufig auf ihre kraftvollen, wortlosen Reaktionen richtete. Für viele schien dies der Moment zu sein, in dem ihre Oscar-Durststrecke endlich enden würde, nur damit Olivia Colman für The Favourite – Intrigen und Irrsinn für eine gefeierte Überraschung sorgte.
Die Gründe für Closes wiederholte Oscar-Beinahe-Gewinne sind vielschichtig. Sie sah sich durchweg unglaublich starker Konkurrenz gegenüber und verlor gegen Schauspielerinnen, die in ihren jeweiligen Jahren ikonische oder karrieredefinierende Leistungen erbrachten, wie Jessica Lange für Tootsie, Cher für Mondsüchtig, Jodie Foster für Angeklagt und Meryl Streep für Die Eiserne Lady. Es gibt auch eine anhaltende Debatte über ihre späteren Karriereentscheidungen, wobei einige Kommentatoren andeuten, dass Filme wie Die Frau des Nobelpreisträgers und Hillbilly-Elegie, obwohl sie ihr Nominierungen einbrachten, vielleicht „konservative Vehikel“ oder „sichere Oscar-Köder“ waren, die nicht die breitere filmische Wirkung einiger ihrer früheren, risikoreicheren Rollen hatten. Ihre Leistung in Die Frau des Nobelpreisträgers wurde jedoch unbestreitbar von der Kritik gelobt. Eine andere Perspektive besagt, dass ihre Filme zwar hoch angesehen sind, sie aber möglicherweise nicht in dem einen „unbestreitbar großartigen Film aller Zeiten“ mitgespielt hat, bei dem ihr Verlust wie ein absoluter, dem Konsens widersprechender Schock für das System wirkte.
Trotz des Fehlens eines Wettbewerbs-Oscars ist Glenn Closes Vermächtnis als „eine der größten Schauspielerinnen unserer Zeit“ unbestritten. Ihr tiefgreifender Einfluss beruht auf ihrer bemerkenswerten Vielseitigkeit, ihrem „immersiven Schauspielstil“ und ihrer einzigartigen Fähigkeit, „eine herausragende Anzahl von Ebenen in einer Rolle oder einem einzelnen Moment“ aufzudecken. Die Filmhistorikerin Cari Beauchamp zählt sie zu den Top-Schauspielerinnen der letzten 80 Jahre, neben Leinwandlegenden wie Bette Davis und Meryl Streep, und nennt ihren „Mut … bei der Wahl ihrer Rollen und ihre Ausdauer“. Ihre acht Nominierungen für verschiedenste Charaktere – von Bösewichten bis zu Mutterfiguren, von historischen Aristokratinnen bis zu zeitgenössischen Frauen – unterstreichen eine außergewöhnliche Beständigkeit und Bandbreite, die die Academy wiederholt anerkennt. Genau diese Beständigkeit könnte paradoxerweise zum Narrativ beitragen; die Academy erkennt ihre Brillanz immer wieder an, doch die spezifische Alchemie aus Rollenwirkung, Filmprestige, Stärke der Konkurrenz und dem vorherrschenden „Oscar-Narrativ“, die für einen Gewinn erforderlich ist, hat sich ihr entzogen. Jeder Verlust erfolgte oft an eine Schauspielerin, die einen karrieredefinierenden Moment hatte oder in einem Film mit überwältigendem Momentum spielte, was unterstreicht, dass ein Oscar-Gewinn häufig mehr ist als nur die singuläre Qualität einer Leistung; es geht darum, dass diese Leistung in einem ganz bestimmten Wettbewerbs- und Kulturkontext des jeweiligen Jahres auf eine ganz bestimmte Weise resoniert.
2. Amy Adams: Die sechsfach Nominierte mit vielseitigem Charme
Amy Adams hat eine bemerkenswerte und facettenreiche Karriere aufgebaut und erlangte zunächst breite Anerkennung für ihre „von der Kritik gefeierten Darstellungen naiver und charmanter Charaktere“ in Filmen wie dem Independent-Hit Junikäfer (2005) und dem Disney-Musical Verwünscht (2007). Ihre beeindruckende Bandbreite wurde jedoch schnell deutlich, als sie sich mit kraftvollen Darbietungen in Glaubensfrage (2008), The Master (2012), American Hustle (2013) und Vice – Der zweite Mann (2018) in komplexes dramatisches Terrain vorwagte. Ihre Filmografie zeigt eine Fähigkeit, verschiedenste Archetypen zu verkörpern, von einer unbedarften Disney-Prinzessin bis zu einer „verführerischen Betrügerin“.
Diese Vielseitigkeit und beständige Exzellenz haben zu sechs Oscar-Nominierungen ohne Gewinn geführt, eine Statistik, die Entertainment Weekly dazu veranlasst hat, sie als „eine Art Aushängeschild für diese Sache“ zu beschreiben. Ihre Nominierungen erstrecken sich sowohl auf Neben- als auch auf Hauptkategorien: fünf als Beste Nebendarstellerin für Junikäfer (2005), Glaubensfrage (2008), The Fighter (2010), The Master (2012) und Vice – Der zweite Mann (2018) und eine als Beste Hauptdarstellerin für American Hustle (2013). Dieser Rekord platziert sie in angesehener Gesellschaft und stellt sie neben Leinwandlegenden wie Deborah Kerr und Thelma Ritter auf den zweiten Platz der meisten Nominierungen für eine Schauspielerin ohne Gewinn, eine Auszeichnung, die nur von Glenn Close übertroffen wird.
Adams‘ Durchbruchrolle als die quirlige und gesprächige Ashley Johnsten in Junikäfer (2005) signalisierte sofort ihre Ankunft als großes Talent und brachte ihr ihre erste Oscar-Nominierung und erhebliche kritische Aufmerksamkeit ein. Kritiker feierten ihre „augenöffnende und herzerwärmende“ Leistung und merkten an, dass sie „selbst angesichts einer Tragödie solche Freude ausstrahlt“ und Ashley gekonnt davor bewahrte, zu einer bloßen Karikatur zu verkommen. Der Film selbst wurde als ein „scharf beobachtetes Stück Leben“ gelobt. Ihre Darstellung der unschuldigen und beeinflussbaren Schwester James in Glaubensfrage (2008) sicherte ihr ihre zweite Nominierung, wobei Rezensenten ihr „süßes und unschuldiges“ Auftreten und die Art und Weise lobten, wie ihre Augen die Naivität und den inneren Konflikt ihrer Figur vermittelten.
Ihre Bandbreite demonstrierend, spielte Adams entgegen ihrem Typ als die taffe, gerissene Charlene Fleming in The Fighter (2010) und erhielt ihre dritte Oscar-Nominierung. Kritiker bemerkten, dass sie der Rolle „Magnetismus“ verlieh und sich „in das Material verbiss“, um eine Leistung zu liefern, die geschickt „Verletzlichkeit und Härte“ ausbalancierte. Roger Ebert lobte ihre „klarsichtige“ Darstellung einer Frau mit „starkem Willen“. Ihre erste Nominierung als Beste Hauptdarstellerin erhielt sie für ihre Rolle als Betrügerin Sydney Prosser in David O. Russells American Hustle (2013), einem Ensemblefilm, der breite kritische Anerkennung fand. Adams wurde dafür gelobt, „tief sitzende Verletzlichkeit, verborgen in einer schlagfertigen Geschäftsfrau“, durch eine „sinnliche und zerebral emotionale Darstellung“ zu vermitteln. Eine Leistung, die ihr zwar keine Oscar-Nominierung einbrachte, aber häufig als eine ihrer besten und als bedeutende Academy-Übergehung genannt wird, war ihre Rolle als Linguistin Dr. Louise Banks in Arrival (2016). Sight and Sound lobte sie dafür, „native Intelligenz zu vermitteln, ohne in eine Karikatur eines Superhirns zu verfallen“, und sie wurde weithin als das „emotionale Zentrum eines Films angesehen, der wie ein Schwergewicht für den Besten Film aussieht“. In jüngerer Zeit brachte ihr ihre transformative Darstellung als Lynne Cheney in Vice – Der zweite Mann (2018) eine weitere Nominierung als Beste Nebendarstellerin ein, wobei Kritiker die starke Chemie zwischen ihr und Christian Bale hervorhoben.
Adams‘ Oscar-Reise sah sie durchweg gegen beeindruckende Konkurrentinnen verlieren, darunter Rachel Weisz (Der ewige Gärtner), Penélope Cruz (Vicky Cristina Barcelona), ihre The Fighter-Kollegin Melissa Leo, Anne Hathaway (Les Misérables), Regina King (If Beale Street Could Talk) und Cate Blanchett (Blue Jasmine). Die Nichtberücksichtigung für Arrival bleibt ein besonders rätselhafter Diskussionspunkt, insbesondere angesichts der acht anderen Nominierungen des Films, darunter Bester Film und Beste Regie. Dieser Fall unterstreicht, dass selbst eine führende, von der Kritik gefeierte Leistung in einem hochgelobten Film keine Nominierung als Schauspieler garantiert, was auf die manchmal unvorhersehbare Natur der Entscheidungen der Academy hinweist.
Trotz des fehlenden Oscar-Gewinns gilt Amy Adams weithin als „eine unserer besten arbeitenden Schauspielerinnen“. Ihre Filmografie ist ein Beweis für ihre beeindruckende Bandbreite und ihre beständige Fähigkeit, denkwürdige, von der Kritik gefeierte Leistungen in einem breiten Spektrum von Genres zu liefern. Das Muster ihrer Nominierungen, vorwiegend in der Nebenkategorie, platzierte sie oft in starken Ensembles, in denen ihre herausragende Arbeit Teil eines größeren kollektiven Erfolgs war. Dies mag dazu beigetragen haben, dass sie zwar anerkannt wurde, aber letztendlich nicht gegen Darstellerinnen in Rollen gewann, die in diesen speziellen Jahren vielleicht zentraler oder „auffälliger“ waren. Ihre einzige Nominierung als Beste Hauptdarstellerin stand einer dominanten Gewinnerleistung von Cate Blanchett gegenüber. Die Nichtberücksichtigung für Arrival verkompliziert dieses Narrativ weiter und legt nahe, dass Faktoren jenseits reiner Verdienste oder Rollenzentralität den Nominierungsprozess beeinflussen können. Adams‘ beständige Präsenz in Oscar-Diskussionen festigt jedoch ihren Status als Schauspielerin, deren Talent wiederholt und verdientermaßen von ihren Kollegen anerkannt wird.
3. Edward Norton: Das intensive Chamäleon
Edward Norton platzte mit einer sengenden Intensität und einem kompromisslosen Ansatz an sein Handwerk auf die Kinoleinwand, der ihn sofort von anderen abhob. Von seinen frühesten Rollen an zeigte er eine Vorliebe für künstlerisch herausfordernde Projekte gegenüber rein kommerziellen Unternehmungen, eine Eigenschaft, die einen Großteil seiner Karriere geprägt hat. Neben der Schauspielerei hat sich Norton auch als Regisseur und Produzent versucht und Class 5 Films gegründet. Seine Darbietungen sind oft von einer „Faszination für Dualität“ geprägt, und er ist bekannt für eine beeindruckende Wandlungsfähigkeit, wobei er selten denselben Charaktertyp zweimal spielt.
Nortons Wirkung war so unmittelbar, dass er für seine ersten großen Rollen Oscar-Nominierungen erhielt. Seine Oscar-Geschichte umfasst vier Nominierungen: Bester Nebendarsteller für sein explosives Debüt in Zwielicht (1996), für seine komplexe Rolle in Birdman oder (Die unverhoffte Macht der Ahnungslosigkeit) (2014) und eine für die Oscar-Verleihung 2025 prognostizierte Nominierung für A Complete Unknown. Seine einzige Nominierung als Bester Hauptdarsteller erhielt er für seine unvergessliche Darstellung in American History X (1998).
Nortons Filmdebüt in Zwielicht als Aaron Stampler, ein scheinbar unschuldiger Messdiener, der eines brutalen Mordes beschuldigt wird, war nichts weniger als elektrisierend. Die Rolle, die bekanntermaßen einen atemberaubenden Persönlichkeitswechsel zeigte, brachte ihm sofort Kritikerlob, einen Golden Globe Award und seine erste Oscar-Nominierung ein. Roger Ebert lobte Nortons „vollkommen überzeugende“ Darstellung, die meisterhaft mit den verborgenen Tiefen der Figur spielte. Dieses Debüt war so kraftvoll, dass es „den Grundstein für seine gesamte Karriere legte“. Er folgte diesem mit einer weiteren Meisterleistung in American History X und erhielt eine Nominierung als Bester Hauptdarsteller für seine verstörende und kraftvolle Darstellung von Derek Vinyard, einem charismatischen Neonazi-Führer, der eine schmerzhafte Läuterung durchmacht. Das Empire-Magazin feierte es als eine „überragende Leistung, die Edward Norton als den vielversprechendsten Charakterdarsteller seiner Generation etabliert“ und lobte seine Fähigkeit, selbst in einer solch monströsen Figur einen „Funken Menschlichkeit“ zu bewahren. Norton war Berichten zufolge maßgeblich an der Gestaltung des endgültigen Schnitts des Films beteiligt, ein Punkt einiger Kontroversen, aber auch ein Hinweis auf sein Engagement. Jahre später erhielt er seine dritte Oscar-Nominierung für Birdman, in dem er Mike Shiner spielte, einen talentierten, aber unberechenbaren Broadway-Method-Actor, dessen Arroganz mit Michael Keatons Charakter kollidiert und die Spannung zwischen Hollywood-Berühmtheit und theatralischer künstlerischer Integrität symbolisiert.
Trotz dieser hochgelobten und nominierten Darbietungen hat Norton noch keinen Oscar mit nach Hause genommen. Er verlor durchweg gegen Schauspieler, die in ihren jeweiligen Jahren außergewöhnlich starke und denkwürdige Leistungen erbrachten: Cuba Gooding Jr. für Jerry Maguire – Spiel des Lebens, Roberto Benigni für seine geliebte Rolle in Das Leben ist schön und J.K. Simmons für seine erschreckende Darstellung in Whiplash. Über die starke Konkurrenz hinaus gab es hartnäckige Branchengerüchte und Berichte darüber, dass Norton „schwierig in der Zusammenarbeit“ sei oder ein hohes Maß an kreativer Kontrolle über Projekte anstrebe, was durch die Debatten um seinen Einfluss auf die endgültigen Schnitte von American History X und berichtete Streitigkeiten während der Produktion von Der unglaubliche Hulk veranschaulicht wird. Während sein künstlerischer Beitrag in einigen Fällen das Endprodukt möglicherweise verbessert hat (wie einige für American History X argumentieren), kann ein solcher Ruf, ob ganz fair oder nicht, Branchenbeziehungen und damit auch Auszeichnungsaussichten in einer Gemeinschaft, die Zusammenarbeit schätzt, subtil beeinflussen.
Edward Nortons Vermächtnis ist jedoch fest etabliert. Von seinem Debüt an als „enorm begabter junger Schauspieler“ gefeiert, wird er für seine transformativen Fähigkeiten, seine einzigartige „Jedermann“-Qualität, die sich nahtlos in bedrohliche Intensität verwandeln kann, und seinen intelligenten, oft akribischen Ansatz zur Charakterentwicklung respektiert. Seine ungenannte Drehbucharbeit an Filmen wie Frida unterstreicht zusätzlich seine breiteren künstlerischen Beiträge. Nortons Karriere begann mit solch explosiven, von der Kritik gefeierten Rollen, dass er sofort als großes Talent identifiziert wurde. Während seine nachfolgende Karriere stark und vielfältig geblieben ist, hat sich die besondere Konstellation aus einer transformativen Rolle, einem weithin gefeierten Film und einem günstigen Wettbewerbsfeld, die für einen Oscar-Gewinn erforderlich ist, ihm bisher entzogen. Seine künstlerische Intensität ist sein Markenzeichen, aber in einer Branche, in der Zusammenarbeit und Narrative oft entscheidende Rollen für den Erfolg bei Preisverleihungen spielen, könnte genau diese Intensität ein komplexer Faktor auf seiner Oscar-Reise sein.
4. Ralph Fiennes: Der Meister der Nuance und Bedrohung
Ralph Fiennes wird weithin als „einer der beliebtesten und gefeiertsten Schauspieler Großbritanniens“ gefeiert, ein Darsteller, der sich durch seine „gebietende Präsenz und intensive Darbietungen“ auszeichnet. Seine Karriere ist ein Beweis für seine „schier unglaubliche Vielseitigkeit“, da er mit Leichtigkeit zwischen der Darstellung erschreckender Bösewichte wie dem Nazi-Kommandanten Amon Göth in Schindlers Liste und dem ruchlosen Lord Voldemort in der Harry Potter-Reihe und der Verkörperung charmant exzentrischer Charaktere wie M. Gustave in Grand Budapest Hotel navigiert und sogar animierten Figuren wie Alfred Pennyworth in The LEGO Batman Movie seine Stimme leiht.
Fiennes hat im Laufe seiner Karriere drei Oscar-Nominierungen erhalten (wobei die dritte eine Prognose für 2025 ist, basierend auf Informationen von Anfang 2025 in den bereitgestellten Materialien). Seine erste erhielt er als Bester Nebendarsteller für Schindlers Liste (1993). Seine erste Nominierung als Bester Hauptdarsteller erhielt er für Der englische Patient (1996), und eine weitere Nominierung als Bester Hauptdarsteller wird für seine Rolle in Conclave (ein Film von 2024, dessen Nominierung für die Oscars 2025 prognostiziert wird) erwartet.
Seine internationale Durchbruchrolle als Amon Göth in Steven Spielbergs Schindlers Liste war eine erschütternde und unvergessliche Darstellung, die ihm einen BAFTA Award und seine erste Oscar-Nominierung einbrachte. Spielberg selbst war tief beeindruckt von Fiennes‘ Vorsprechen und erinnerte sich, dass er „sexuelles Übel“ und eine erschreckende Fähigkeit sah, augenblicklich von „Momenten der Freundlichkeit“ umzuschalten, die „kalt werden ließen“. Fiennes hat über das psychologische Gewicht gesprochen, einen solch dunklen Charakter zu verkörpern, und zugegeben, dass er sich „leicht davon beschmutzt fühlte“, nachdem er „Verhalten, das so negativ ist, so intensiv untersucht“ hatte. Sein Göth gilt weithin als einer der verstörendsten Antagonisten des modernen Kinos, ein „fühlendes Symbol einer Denkweise und Ideologie“, dessen Bosheit umso erschreckender ist, weil sie in der historischen Realität verwurzelt ist.
Daraufhin erhielt Fiennes seine zweite Oscar-Nominierung, diesmal als Bester Hauptdarsteller, für seine Darstellung des grüblerischen Grafen László Almásy in dem mitreißenden romantischen Epos Der englische Patient. Der Film war ein großer Oscar-Erfolg, und Fiennes wurde als „perfekt besetzt“ in der Hauptrolle gelobt. Obwohl seine Darstellung des skurrilen Concierges M. Gustave H. in Wes Andersons Grand Budapest Hotel (2014) ihm keine Oscar-Nominierung einbrachte, wird sie von Kritikern und Publikum häufig als Karrierehöhepunkt genannt, eine meisterhafte Darbietung von Witz, Charme und tadellosem komödiantischem Timing, die viele für Oscar-würdig hielten. In jüngerer Zeit hat ihm seine Rolle als Kardinal Thomas Lawrence in Conclave (2024), ein Charakter, der von Zurückhaltung und ruhiger Autorität geprägt ist und eine Papstwahl navigiert, Kritikerlob und eine prognostizierte dritte Oscar-Nominierung eingebracht. Seine Leistung wird für ihre tiefgründige Subtilität gelobt, bei der er „sein Schweigen sprechen lässt“ und immense emotionale Tiefe durch „jeden Blick, jeden zögernden Atemzug, jedes Aufflackern von Zweifel“ vermittelt.
Trotz dieser kraftvollen und gefeierten Darbietungen hat Fiennes noch keinen Oscar gewonnen. Für Schindlers Liste verlor er den Preis als Bester Nebendarsteller an Tommy Lee Jones für Auf der Flucht. Verschiedene Faktoren wurden für dieses Ergebnis angeführt, darunter die Möglichkeit, dass Jones einen „Trost-Oscar“ für eine wahrgenommene frühere Nichtberücksichtigung für JFK – Tatort Dallas erhielt, die Anerkennung der Branche für Jones‘ bedeutende Beiträge zur Gestaltung des Drehbuchs von Auf der Flucht und seine Führung am Set, die Tatsache, dass Fiennes zu dieser Zeit ein relativer Neuling war, der einen absolut monströsen Charakter darstellte, und Fiennes‘ eigenes Eingeständnis, dass er „nie für irgendwelche Preise Kampagne gemacht hat“. Für Der englische Patient verlor er den Preis als Bester Hauptdarsteller an Geoffrey Rush für Shine – Der Weg ins Licht. Genau die Subtilität, die seine gefeierte Leistung in Conclave auszeichnet, wird nun von einigen Analysten als potenzieller Nachteil im Rennen um den Besten Hauptdarsteller angesehen, da die Academy oft „viel größere, auffälligere Darbietungen“ bevorzugt.
Ralph Fiennes‘ bleibendes Vermächtnis beruht auf seiner bemerkenswerten Fähigkeit, „in jede Rolle zu schlüpfen, sei es Drama, Komödie, Action oder Animation“, was seinen Ruf als „einer der besten Schauspieler unserer Zeit“ festigt. Seine ikonischsten frühen Rollen, insbesondere Amon Göth, waren komplex und oft schurkisch. Obwohl diese Darbietungen von der Kritik hoch gelobt werden, zögert die Academy manchmal, Schauspieler für die Darstellung zutiefst bösartiger Figuren auszuzeichnen, insbesondere zu Beginn ihrer Karriere, es sei denn, die Leistung und der Film erreichen eine überwältigende kulturelle Dominanz (wie bei Anthony Hopkins in Das Schweigen der Lämmer). Seine späteren Arbeiten, beispielhaft dargestellt durch Conclave, zeigen eine außergewöhnliche Beherrschung von Nuancen und verinnerlichten Emotionen. Diese tiefgründige Subtilität, obwohl ein Markenzeichen großer Leinwandschauspielerei, kann im Oscar-Rennen manchmal von Darbietungen überschattet werden, die offenkundig transformativer oder emotional demonstrativer sind. Dies deutet auf ein wiederkehrendes Muster hin, bei dem Fiennes‘ spezifische Art von Brillanz in seinen nominierten Rollen nicht perfekt mit den vorherrschenden Präferenzen der Academy in diesen bestimmten Jahren oder Kategorien übereingestimmt hat.
5. Samuel L. Jackson: Der König der Coolness, der noch auf eine Wettbewerbskrone wartet
Samuel L. Jackson ist eine kinematografische Ikone, ein „hochproduktiver Schauspieler, der in über 100 Filmen mitgewirkt hat“. Seine gebietende Präsenz, seine „tiefe autoritäre Stimme“ und seine Vorliebe für die Darstellung „rebellischer Charaktere“, „harter Kerle, die viel fluchen“ und „sehr weiser und intelligenter Charaktere“ haben ihn zu einem der bekanntesten und beliebtesten Schauspieler seiner Generation gemacht. Er stieg in den frühen 1990er Jahren zu Ruhm auf, hauptsächlich durch seine eindrucksvollen Kollaborationen mit den Regisseuren Spike Lee und Quentin Tarantino.
Trotz seiner umfangreichen und gefeierten Filmografie hat Jackson nur eine einzige Wettbewerbs-Oscar-Nominierung erhalten: Bester Nebendarsteller für seine unvergessliche Rolle in Pulp Fiction (1994). Im Jahr 2022 würdigte die Academy seine monumentalen Beiträge zum Film mit einem Ehren-Oscar für sein Lebenswerk.
Die Rolle, die ihm seine einzige Wettbewerbsnominierung einbrachte, Jules Winnfield in Quentin Tarantinos Pulp Fiction, war ein kulturelles Phänomen, das Jackson zu weltweitem Ruhm katapultierte. Seine Darstellung des bibelzitierenden, philosophischen Auftragskillers gilt als einer der „fesselndsten Antihelden“ des Kinos. Jules‘ elektrisierender Monolog, insbesondere seine Rezitation einer als Ezechiel 25:17 stilisierten Passage, wurde sofort ikonisch und verband Einschüchterung, Spiritualität und eine Reise der Selbstfindung. Diese Leistung war ein „Durchbruch“ für Jackson und verwandelte ihn in einen „bekannten Namen“ und ein sehr gefragtes Talent für dynamische und intensive Rollen.
Sein Verlust für Pulp Fiction in der Kategorie Bester Nebendarsteller ging an Martin Landau, der für seine transformative Darstellung von Bela Lugosi in Tim Burtons Ed Wood gewann. Jacksons Enttäuschung war spürbar; man sah ihn sichtlich „Scheiße“ murmeln, als Landaus Name bekannt gegeben wurde. Jackson hat sich offen zu seiner Perspektive auf Auszeichnungen geäußert und unmissverständlich erklärt, dass „es eine Ehre ist zu gewinnen“, nicht nur nominiert zu werden, und er ist der Meinung, dass Nominierungen von der Öffentlichkeit oft vergessen werden. Er hat auch darüber nachgedacht, dass eine gelöschte Szene aus Die Jury (1996), wäre sie im endgültigen Schnitt enthalten gewesen, ihm möglicherweise einen Oscar eingebracht hätte.
Samuel L. Jacksons bleibendes Vermächtnis ist unbestreitbar. Er ist eine ikonische Figur im modernen Kino, gefeiert für eine Vielzahl denkwürdiger Charaktere in zahlreichen Blockbuster-Hits und von der Kritik gefeierten Filmen, einschließlich seiner langjährigen Rolle als Nick Fury im Marvel Cinematic Universe und Mace Windu in der Star-Wars-Prequel-Trilogie. Seine Filme haben zusammen Milliarden von Dollar an den weltweiten Kinokassen eingespielt. Die Tatsache, dass ein so produktiver und kulturell bedeutender Schauspieler nur eine einzige Wettbewerbs-Oscar-Nominierung hat, ist an sich schon ziemlich überraschend. Sein Verlust für Pulp Fiction an Martin Landau, einen angesehenen erfahrenen Schauspieler, der eine bemerkenswerte biografische Transformation lieferte, könnte die gelegentliche Präferenz der Academy für solche Rollen widerspiegeln, insbesondere wenn sie gegen einen Charakter aus einem unkonventionelleren, Genre-übergreifenden Film antreten. Die spätere Verleihung eines Ehren-Oscars an Jackson kann als Anerkennung seiner immensen und nachhaltigen Beiträge zur Filmkunst interpretiert werden, vielleicht als eine Form der Anerkennung für einen Wettbewerbsgewinn, der nach Meinung vieler ihm hätte zustehen sollen.
6. Sigourney Weaver: Die Sci-Fi-Königin und das dramatische Kraftpaket
Sigourney Weaver bahnte sich einen einzigartigen und einflussreichen Weg in Hollywood, bekannt für ihre „bahnbrechenden Darstellungen von Actionheldinnen in Blockbustern“ neben einem überzeugenden Werk in Independent-Filmen. Ihre Darstellung der Ellen Ripley im Alien-Franchise ist nicht nur ikonisch; sie wird weithin „als eine bedeutende weibliche Protagonistin in der Filmgeschichte angesehen“, die die Landschaft für Frauen in Action- und Science-Fiction-Genres grundlegend verändert hat.
Weavers Talent wurde mit drei Oscar-Nominierungen gewürdigt. Sie erhielt eine Nominierung als Beste Hauptdarstellerin für ihre bahnbrechende Rolle in Aliens – Die Rückkehr (1986). In einer bemerkenswerten Leistung erhielt sie im selben Jahr, 1988, zwei Schauspielnominierungen: Beste Hauptdarstellerin für Gorillas im Nebel und Beste Nebendarstellerin für Die Waffen der Frauen.
Ihre Darstellung als Ellen Ripley in James Camerons Aliens – Die Rückkehr (1986) war ein Wendepunkt, der ihr ihre erste Oscar-Nominierung einbrachte und eine „wegweisende Nominierung für eine Schauspielerin darstellte, die für einen Science-Fiction-/Horrorfilm in Betracht gezogen wurde“, ein Genre, das von der Academy in den Hauptdarstellerkategorien historisch übersehen wurde. Kritiker lobten ihre Leistung durchweg. Sheila Benson von der Los Angeles Times beschrieb Weaver als den „glühend heißen Kern“ des Films, um dessen „trotzige Intelligenz“ und „sinnliche Athletik“ Aliens – Die Rückkehr aufgebaut sei. Roger Ebert schrieb ihrer starken, sympathischen Darstellung zu, den Film zusammenzuhalten, während Jay Scott verkündete, Weaver lasse zeitgenössische männliche Actionstars wie Sylvester Stallone und Arnold Schwarzenegger wie „männliche Pin-up-Models“ erscheinen. Die Oscar-„Nichtberücksichtigung“ für Aliens – Die Rückkehr wird von vielen immer noch schmerzlich empfunden, wobei einige argumentieren, sie „schmerzt 37 Jahre später noch mehr“. In Gorillas im Nebel (1988) lieferte Weaver eine überzeugende Darstellung der leidenschaftlichen und umstrittenen Primatologin Dian Fossey, was ihr eine Nominierung als Beste Hauptdarstellerin und einen Golden Globe Award einbrachte. Kritiker lobten ihre Arbeit, wobei Hal Hinson von The Washington Post erklärte: „Endlich hat [Weaver] vielleicht eine Rolle gefunden, die ihrem Format entspricht“, obwohl einige meinten, der Leinwandcharakterisierung fehle die volle Tiefe der echten Fossey. Ebert fand es „unmöglich, sich eine passendere Wahl für die Rolle vorzustellen“.
Trotz dieser starken Nominierungen hat Weaver noch keinen Oscar gewonnen. Für Aliens – Die Rückkehr verlor sie gegen Marlee Matlin für Gottes vergessene Kinder. Dieses Ergebnis spiegelt wahrscheinlich die historische Voreingenommenheit der Academy gegenüber Science-Fiction- und Horrorfilmen in den Hauptdarstellerkategorien wider. Im Jahr 1988, einem Jahr mit doppelten Nominierungen, verlor sie als Beste Hauptdarstellerin (für Gorillas im Nebel) gegen Jodie Foster für Angeklagt und als Beste Nebendarstellerin (für Die Waffen der Frauen) gegen Geena Davis für Die Reisen des Mr. Leary. Zwei Schauspielnominierungen in einem einzigen Jahr zu erreichen, ist eine außergewöhnliche Anerkennung der Vielseitigkeit und Wirkung einer Schauspielerin in dieser speziellen filmischen Periode. In zwei Kategorien gleichzeitig zu gewinnen, ist jedoch außergewöhnlich selten, und sie sah sich in beiden Fällen beeindruckender Konkurrenz gegenüber.
Sigourney Weavers Vermächtnis als wahre Pionierin für weibliche Actionhelden ist unauslöschlich. Ihre Karriere zeigt eine bemerkenswerte Vielseitigkeit, von prägenden Rollen in Science-Fiction-Blockbustern wie der Alien-Reihe und Avatar – Aufbruch nach Pandora bis hin zu denkwürdigen Auftritten in Komödien wie Ghostbusters – Die Geisterjäger und gefeierten Dramen wie Der Eissturm. Die bahnbrechende Natur ihrer Nominierung für Aliens – Die Rückkehr kann nicht hoch genug eingeschätzt werden; sie forderte die traditionellen Genre-Präferenzen der Academy heraus. Ihr fehlender Gewinn für diese ikonische Rolle spricht wahrscheinlich für diese vorherrschenden Vorurteile. Obwohl ihre doppelten Nominierungen im Jahr 1988 eine bedeutende Ehre waren, erwies sich die starke Konkurrenz in beiden Kategorien in diesem Jahr als unüberwindbar. Dennoch bleibt Weavers Einfluss auf das Kino, insbesondere bei der Neudefinition der Möglichkeiten für weibliche Protagonisten, tiefgreifend und nachhaltig.
7. Willem Dafoe: Die furchtlose Arthouse-Ikone und der Mainstream-Bösewicht
Willem Dafoe ist ein Schauspieler von außergewöhnlicher Bandbreite und Intensität, gefeiert für seine „produktive Karriere mit vielfältigen Rollen in sowohl Mainstream- als auch Arthouse-Filmen“. Als Gründungsmitglied der experimentellen Theatergruppe The Wooster Group bringt Dafoe eine einzigartige, oft kantige Sensibilität in seine Darbietungen ein. Seine Filmografie ist ein Beweis für seine furchtlosen künstlerischen Entscheidungen und seine Fähigkeit, Charaktere an jedem Punkt des moralischen Spektrums zu verkörpern.
Dafoe wurde viermal für einen Academy Award nominiert und durchweg für seine transformative und überzeugende Arbeit anerkannt. Seine Nominierungen sind: Bester Nebendarsteller für Platoon (1986), Shadow of the Vampire (2000) und The Florida Project (2017); und Bester Hauptdarsteller für Van Gogh – An der Schwelle zur Ewigkeit (2018).
Seine Durchbruchrolle als der mitfühlende und moralisch integre Sergeant Elias Grodin in Oliver Stones Vietnamkriegs-Epos Platoon (1986) brachte ihm seine erste Oscar-Nominierung und breite kritische Anerkennung ein. Die Figur des Elias, insbesondere seine ikonische Todesszene, bleibt im filmischen Gedächtnis verankert. Elias wird oft als eine Figur der „moralischen Integrität“ und in einigen Interpretationen als Verkörperung „femininer“ Züge von Sinnlichkeit, Emotion und Fürsorge im hypermaskulinen Kontext des Kriegsfilms analysiert. In Shadow of the Vampire (2000) lieferte Dafoe eine faszinierende und von der Kritik gefeierte Leistung als Max Schreck, ein Schauspieler, der Graf Orlok porträtiert und möglicherweise ein echter Vampir ist oder auch nicht, was ihm seine zweite Oscar-Nominierung einbrachte. Roger Ebert bemerkte, dass Dafoe „den Schreck aus Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens so unheimlich verkörpert, dass wir keinen Unterschied bemerken, wenn echte Szenen aus dem Stummfilmklassiker in den Rahmen geschoben werden“.
Seine Nebenrolle als Bobby Hicks, der gutherzige, aber müde Motelmanager in Sean Bakers The Florida Project (2017), wurde allgemein gelobt und brachte ihm seine dritte Oscar-Nominierung ein, wobei viele sie als seine „größte Chance auf einen Gewinn“ betrachteten. Dafoes Bobby dient als der „einzige stabilisierende und vernünftige Einfluss“ in einer Welt der Verzweiflung, durchdrungen von einer „schwelenden Freundlichkeit“. Anschließend erhielt er eine Nominierung als Bester Hauptdarsteller für seine tiefgründige Darstellung von Vincent van Gogh in Julian Schnabels Van Gogh – An der Schwelle zur Ewigkeit (2018). Kenneth Turan von der Los Angeles Times schrieb, dass Dafoes Arbeit „jenseits konventioneller Schauspielerei zu liegen scheint und sowohl Intuition als auch Technik nutzt, um tief in den Charakter einzudringen“. Yahoo Entertainment beschrieb es als einen „inspirierten Van Gogh in Julian Schnabels impressionistischem Meisterwerk“, eine Leistung, die Dafoes bereits beachtliche Filmografie „vollständiger und wesentlicher“ erscheinen lässt.
Trotz dieser kraftvollen und vielfältigen nominierten Darbietungen hat Dafoe noch keinen Oscar gewonnen. Er verlor gegen Michael Caine (Hannah und ihre Schwestern), Benicio Del Toro (Traffic – Macht des Kartells), Sam Rockwell (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri) und Rami Malek (Bohemian Rhapsody). Dafoe wählt häufig gewagte, unkonventionelle Rollen in Independent- und Arthouse-Filmen. Obwohl diese Entscheidungen oft zu Kritikerlob führen und seine unglaubliche Bandbreite zeigen, stimmen sie möglicherweise nicht immer mit dem Mainstream-Geschmack der Academy überein oder sehen sich in einem bestimmten Jahr starker Konkurrenz durch traditionellere „Oscar-Köder“-Darbietungen gegenüber. Ein Reddit-Kommentator schlug sogar vor, dass Dafoe das „Spiel“ der Oscar-Politik nicht „mitspielt“, was manchmal ein Faktor bei den Ergebnissen von Preisverleihungen sein kann.
Willem Dafoes Vermächtnis ist das eines bekannten Namens, dessen Karriere voll von „preiswürdigen Leistungen ist, die von der Academy nie die gebührende Anerkennung in Form eines Gewinns erhielten“. Seine bemerkenswerte Bandbreite zeigt sich in seiner Fähigkeit, so unterschiedliche Figuren wie Jesus in Martin Scorseses Die letzte Versuchung Christi und den wahnsinnigen Grünen Kobold in Sam Raimis Spider-Man darzustellen. Im Jahr 2020 zählte ihn The New York Times zu den 25 größten Schauspielern des 21. Jahrhunderts, ein Beweis für seinen nachhaltigen Einfluss. Dafoes Karriere ist eine faszinierende Mischung aus intensiven Arthouse-Erkundungen und denkwürdigen Mainstream-Charakterisierungen. Seine Oscar-Nominierungen spiegeln diesen eklektischen Ansatz wider. Seine Verluste ereigneten sich oft, wenn er gegen Schauspieler in traditionelleren dramatischen Rollen oder Biopics antrat, die die Academy häufig bevorzugt, oder gegen Schauspieler, die einen bedeutenden „Oscar-Moment“ erlebten. Sein unerschütterliches Engagement für herausfordernde, manchmal beunruhigende Rollen ist zweifellos seine künstlerische Stärke, aber genau dieses Engagement könnte ihn auch zu einem komplexeren Kandidaten für einen Oscar-Gewinn machen, der oft eine breitere Konsensattraktivität oder ein besonders starkes „Narrativ“ innerhalb der Preisverleihungssaison erfordert.
8. Annette Bening: Die konstant brillante Hauptdarstellerin
Annette Benings Karriere, die sich über vier Jahrzehnte erstreckt, zeichnet sich durch ihre „vielseitige Arbeit auf Leinwand und Bühne“ aus. Ihr filmisches Vermächtnis beruht auf „außergewöhnlichem schauspielerischem Können und unerschütterlichem Engagement für ihr Handwerk“, wobei sie durchweg nuancierte Darbietungen liefert, die beim Publikum tief nachhallen. Nachdem sie ihre Fähigkeiten im Theater verfeinert hatte, eine Grundlage, die in der Glaubwürdigkeit ihrer Darstellungen deutlich wird, wechselte Bening mit bemerkenswertem Erfolg zum Film.
Bening wurde fünfmal für einen Academy Award nominiert, ohne einen Sieg davonzutragen, ein Beweis für ihre anhaltende Exzellenz und die konsequente Anerkennung ihres Talents durch die Academy. Zu ihren Nominierungen gehören eine als Beste Nebendarstellerin für Grifters (1990) und vier als Beste Hauptdarstellerin: American Beauty (1999), Being Julia (2004), The Kids Are All Right (2010) und zuletzt Nyad (2023).
Ihre Durchbruchrolle als verführerische Betrügerin Myra Langtry in Stephen Frears‘ Neo-Noir Grifters (1990) brachte Bening ihre erste Oscar-Nominierung und breite kritische Aufmerksamkeit ein. Roger Ebert bemerkte ihre fesselnde „Kombination aus Sexappeal, Gefahr und Verletzlichkeit“, die an klassische Film-Noir-Schauspielerinnen wie Gloria Grahame erinnerte. Obwohl sie zu dieser Zeit vielleicht nicht so erfahren war wie ihre Co-Stars Anjelica Huston und John Cusack, zeigte sie „aufkeimendes Talent“ und verlieh einer potenziell oberflächlichen Figur beträchtliche Tiefe. Ihre Leistung in Sam Mendes‘ Regiedebüt American Beauty (1999) als die materialistische und zerfallende Carolyn Burnham brachte ihr einen BAFTA Award, einen SAG Award und ihre erste Oscar-Nominierung als Beste Hauptdarstellerin ein. Kritiker lobten ihre Fähigkeit, Komödie und Drama zu verbinden und eine Figur zu schaffen, die trotz ihrer Fehler Sympathie hervorrief; sie war das „perfekte Gegenstück zu Kevin Spaceys Charakter“.
Bening gewann einen Golden Globe für ihre Darstellung der temperamentvollen Bühnendiva Julia Lambert in Being Julia (2004). A.O. Scott von The New York Times lobte ihren „schnellen, temperamentvollen Charme“ und ihre „schwindelerregende, rücksichtslose Ausgelassenheit“, während Roger Ebert anerkannte, dass sie Julia mit „großer Verve und Energie“ spielte, auch wenn der Film selbst ein „keuchendes Melodram“ war. Einen weiteren Golden Globe erhielt sie für ihre Rolle als Nic, eine lesbische Mutter, die komplexe Familiendynamiken navigiert, in The Kids Are All Right (2010). Der Film erhielt breite Anerkennung, wobei insbesondere Benings Leistung weithin gelobt wurde. Ihre jüngste Nominierung für Nyad (2023), wo sie die entschlossene Langstreckenschwimmerin Diana Nyad porträtierte, wurde von einigen als „beeindruckend, wenn auch stoisch“ beschrieben, obwohl andere den Film selbst als wenig überzeugend und Benings Leistung als „durchschnittlich“ empfanden, wenn sie nicht die körperlichen Anforderungen des Schwimmens darstellte.
Benings Oscar-Reise sah sie gegen Whoopi Goldberg (Ghost – Nachricht von Sam), Hilary Swank (zweimal, für Boys Don’t Cry und Million Dollar Baby), Natalie Portman (Black Swan) und Emma Stone (Poor Things) verlieren. Das Narrativ, dass sie für einen Oscar „überfällig“ sei, gewann besonders nach ihren beiden Niederlagen gegen Hilary Swank an Zugkraft. Einige Analysen deuten jedoch darauf hin, dass ihre Leistung in Being Julia beispielsweise „kaum angemessen“ war und Glück hatte, nominiert zu werden, insbesondere im Vergleich zu Swanks kraftvoller Darstellung in Million Dollar Baby. Es wird argumentiert, dass Benings Leistungen zwar durchweg stark sind, ihnen aber manchmal der definitive „It-Faktor“ von Oscar-prämierten Rollen fehlte oder sie ikonischen, transformativen Darbietungen ihrer Konkurrentinnen gegenüberstanden (wie Goldberg in Ghost – Nachricht von Sam oder Swanks erster Sieg in Boys Don’t Cry).
Annette Benings bleibendes Vermächtnis ist das einer hoch angesehenen Schauspielerin, die für ihre beständige Fähigkeit bekannt ist, auf emotionaler Ebene mit dem Publikum in Kontakt zu treten, für ihre Subtilität und ihre intellektuelle Ehrlichkeit. Sie hat ein relativ privates Leben geführt und ihr Handwerk über die Insignien des Ruhms gestellt. Ihre Karriere ist geprägt von beständigem Kritikerlob und Nominierungen für die Darstellung komplexer weiblicher Charaktere. Ihre Niederlagen, insbesondere die beiden gegen Hilary Swank, befeuerten ein „Überfällig“-Narrativ. Ein genauerer Blick legt jedoch nahe, dass in diesen speziellen Jahren Swanks hochatransformative und körperlich anspruchsvolle Rollen eine größere „Oscar-Moment“-Wirkung hatten. Benings Stärke liegt in nuancierten, oft innerlich komplexen Darstellungen, die, obwohl von Kritikern und Kollegen tief geschätzt (wie ihre zahlreichen Nominierungen belegen), manchmal von offenkundig dramatischeren oder körperlich transformativeren Leistungen überschattet werden könnten, die die Academy in der Kategorie Beste Hauptdarstellerin häufig belohnt.
9. Michelle Williams: Die Meisterin der stillen Intensität
Michelle Williams hat sich als Schauspielerin von tiefgreifender Tiefe und Vielseitigkeit ausgezeichnet, bekannt für ihre überzeugenden Rollen in Film und Fernsehen und dafür, oft „Projekte zu wählen, die gesellschaftliche Normen herausfordern“. Ihre Reise von der beliebten Teenager-Drama-Serie Dawson’s Creek zu einer durchweg von der Kritik gefeierten Filmschauspielerin ist ein Beweis für ihre Hingabe und ihr sich entwickelndes Talent.
Williams hat fünf Oscar-Nominierungen erhalten, die ihre bemerkenswerte Bandbreite zeigen: Beste Nebendarstellerin für Brokeback Mountain (2005) und Manchester by the Sea (2016); und Beste Hauptdarstellerin für Blue Valentine (2010), My Week with Marilyn (2011) und Die Fabelmans (2022).
Ihre Rolle als Alma Beers Del Mar, die still leidende Ehefrau in Ang Lees bahnbrechendem Film Brokeback Mountain (2005), brachte Williams ihre erste Oscar-Nominierung und breite kritische Anerkennung ein. Ihre Leistung wurde als „deutlich stärker“ als die von Anne Hathaway (die die Ehefrau des anderen Hauptdarstellers spielte) vermerkt, da Alma mit der verheerenden Wahrheit über die verborgene Liebe ihres Mannes ringt. Williams selbst bleibt ratlos über den umstrittenen Verlust von Brokeback Mountain als Bester Film an L.A. Crash, ein Gefühl, das viele teilen, die es als eine bedeutende Oscar-Ungerechtigkeit betrachten. Für Blue Valentine (2010) erhielt Williams eine Nominierung als Beste Hauptdarstellerin für ihre rohe und emotional resonierende Darstellung von Cindy in einer zerfallenden Ehe. Beschrieben als eine „rohe, durchsichtige Schauspielerin“, schienen ihre Emotionen im Film „selbst wenn ihr Gesicht still war, seismisch“ zu sein. Sie und Co-Star Ryan Gosling wurden dafür gelobt, „nackte Emotionen auf der Leinwand“ zu zeigen.
Ihre transformative Darstellung von Marilyn Monroe in My Week with Marilyn (2011) brachte ihr einen Golden Globe Award und eine weitere Oscar-Nominierung als Beste Hauptdarstellerin ein. Kritiker fanden ihre Leistung „ziemlich bemerkenswert“, wobei ein Rezensent erklärte, Williams sei „in Aussehen und Manierismen als Marilyn so überzeugend, dass ich nicht dachte, Michelle Williams zu sehen“. Sie wurde erneut als Beste Nebendarstellerin für ihre kurze, aber kraftvolle Rolle als Randi Chandler in Manchester by the Sea (2016) nominiert. Obwohl ihre Leinwandzeit begrenzt war, wurde ihre Leistung als ein „Schatz zum Anschauen“ beschrieben, wobei eine entscheidende Konfrontationsszene mit Casey Affleck als einzigartig „Oscar-würdig“ galt. Zuletzt erhielt sie eine Nominierung als Beste Hauptdarstellerin für die Rolle der Mitzi Fabelman, einer Figur, die auf Steven Spielbergs eigener Mutter basiert, in Die Fabelmans (2022). Während einige Kritiker ihre Leistung als „übertrieben“ empfanden, wurde argumentiert, dass sie die einzigartige Exzentrizität der echten Leah Adler genau einfing, wie Archivaufnahmen von Adler selbst belegen.
Williams‘ Oscar-Reise sah sie gegen Rachel Weisz (Der ewige Gärtner), Natalie Portman (Black Swan), Meryl Streep (Die Eiserne Lady), Viola Davis (Fences) und Michelle Yeoh (Everything Everywhere All at Once) verlieren. Dies waren alles hochgelobte, oft dominante Darbietungen in ihren jeweiligen Jahren. Williams brilliert häufig in Rollen, die tiefgreifende emotionale Tiefe und Subtilität erfordern und oft Charaktere darstellen, die mit Trauer, komplexen Beziehungen oder intensiven inneren Turbulenzen ringen. Obwohl sie für diese kraftvollen und nuancierten Darbietungen durchweg Nominierungen erhält, stand sie oft Gewinnerinnen gegenüber, die sehr sichtbare, transformative Rollen hatten oder Teil von „mitreißenden“ Anwärtern auf den Besten Film waren. Ihre bemerkenswerte Fähigkeit, in Charakteren zu verschwinden, wie sie es mit Marilyn Monroe tat, ist ein Markenzeichen ihres Talents. Die Subtilität und stille Intensität, die ihre Darbietungen so von der Kritik gelobt machen, könnten sie jedoch in einem wettbewerbsorientierten Oscar-Feld, das manchmal demonstrativere Darstellungen des Schauspiels bevorzugt, weniger „laut“ oder offenkundig „theatralisch“ erscheinen lassen.
Michelle Williams‘ Vermächtnis ist das einer der angesehensten Schauspielerinnen ihrer Generation, bewundert für ihr Talent, ihre Hingabe und die tiefgreifende Tiefe, die sie jeder Figur verleiht. Ihr Engagement für soziale Gerechtigkeit und Geschlechtergleichstellung verstärkt ihren Einfluss über die Leinwand hinaus. Ihre beständige Oscar-Anerkennung für Rollen, die solch nuancierte emotionale Arbeit erfordern, spricht Bände über ihr Können, auch wenn der ultimative Preis gegen beeindruckende Konkurrenz bisher ausgeblieben ist.
10. Sir Ian McKellen: Der theatralische Ritter der Bühne und Leinwand
Sir Ian McKellen gilt „weithin als einer der größten Bühnen- und Leinwandschauspieler“ seiner Generation, ein vielseitiger Darsteller, der für seine Meisterschaft von Charakteren gefeiert wird, die vom Shakespeare-Kanon bis zu zeitgenössischen Figuren reichen. Als Mitbegründer der einflussreichen Actors’ Company und prominenter Aktivist für die Rechte von Homosexuellen wurde McKellen 1991 für seine Verdienste um die darstellenden Künste zum Ritter geschlagen. Seine Karriere ist ein überragendes Zeugnis der Hingabe sowohl im Theater als auch im Film.
McKellen hat zwei Oscar-Nominierungen erhalten: Bester Hauptdarsteller für seine Darstellung des Filmregisseurs James Whale in Gods and Monsters (1998) und Bester Nebendarsteller für seine ikonische Rolle als Gandalf der Graue in Der Herr der Ringe: Die Gefährten (2001).
Seine Darstellung des alternden, heimgesuchten Filmregisseurs James Whale in Gods and Monsters (1998) brachte ihm seine erste Oscar-Nominierung und eine Golden-Globe-Nominierung ein. Kritiker feierten seine Arbeit, wobei James Berardinelli erklärte, dass McKellen „erneut bestätigt, warum viele ihn für den besten Shakespeare-Darsteller seiner Generation halten“, indem er Whale mit „einer kraftvollen Kombination aus Energie und Unsicherheit“ zum Leben erweckte. Der Film selbst wurde als ein „außergewöhnlich anmutiger Film über Verlangen, Altern und die Kre-“ beschrieben und bot einen fiktionalisierten, ergreifenden Blick auf Whales letzte Tage, der eine unwahrscheinliche Freundschaft und die bleibenden Schatten der Vergangenheit erkundete. McKellens zweite Nominierung erhielt er für seine weltweit anerkannte Darstellung des weisen Zauberers Gandalf in Peter Jacksons Epos Der Herr der Ringe: Die Gefährten (2001). Seine Leistung wurde als „positiv merlinesk“ gelobt, und er wurde dafür gepriesen, den Zauberer mit immenser Glaubwürdigkeit zu verkörpern und Gandalf eine „Aura großväterlicher Warmherzigkeit zu verleihen, die nahtlos in eine Ehrfurcht gebietende Macht übergehen konnte“.
Trotz dieser hochgelobten Darbietungen hat Sir Ian noch keinen Oscar gewonnen. Er verlor den Preis als Bester Hauptdarsteller für Gods and Monsters an Roberto Benigni für dessen intensiv emotionale und weithin geliebte Rolle in Das Leben ist schön. Für Der Herr der Ringe verlor er den Preis als Bester Nebendarsteller an Jim Broadbent für dessen ergreifende Darstellung in Iris. In beiden Fällen war die Konkurrenz außergewöhnlich stark. Benignis Sieg war Teil eines bedeutenden internationalen Moments für Das Leben ist schön, einen Film, der das globale Gefühl einfing. Jim Broadbent war ein hoch angesehener erfahrener Schauspieler, der eine berührende Leistung in einem traditionellen Drama lieferte.
Sir Ian McKellens Vermächtnis ist monumental, gefestigt durch seinen legendären Status im Theater (wo er mehrere Olivier und Tony Awards gewonnen hat) und seine ikonischen Rollen in großen Filmfranchises, vor allem als Gandalf in der Der Herr der Ringe-Reihe und Magneto in der X-Men-Reihe. Sein Beitrag zur Populärkultur durch diese Rollen ist immens und unbestreitbar. McKellens Oscar-Nominierungen kamen für Rollen, die seine klassische Ausbildung und seine tiefgreifende Fähigkeit, komplexe historische und literarische Figuren zu verkörpern, brillant zur Geltung brachten. Seine Niederlagen erlitt er gegen Schauspieler, die hohemotionale oder traditionell dramatische Darbietungen lieferten, die in diesen spezifischen Jahren stark bei den Academy-Wählern ankamen. Es gibt auch eine historische Tendenz der Academy, Darbietungen in Fantasy-Filmen bei den Hauptdarstellerpreisen manchmal zu übersehen, trotz des allgemeinen kritischen und kommerziellen Erfolgs der Filme, es sei denn, die Leistung ist überwältigend dominant oder trägt ein besonders überzeugendes Narrativ der Preisverleihungssaison. McKellens nachhaltiger Einfluss transzendiert jedoch jede einzelne Auszeichnung.
Warum das Gold manchen Großen verwehrt bleibt
Der Weg zu einem Oscar-Gewinn ist oft komplexer als nur die Erbringung einer brillanten Leistung. Mehrere Unterströmungen und Branchendynamiken können beeinflussen, warum einige der begabtesten Schauspieler sich wiederholt nominiert, aber letztendlich ungekrönt wiederfinden.
Der „Narrativ“-Faktor und Kampagnen: Die Academy Awards werden nicht im Vakuum entschieden; sie werden von Narrativen beeinflusst, die sich während der gesamten Preisverleihungssaison aufbauen. Faktoren wie ein Schauspieler, der für einen Gewinn „fällig“ ist, eine „Comeback-Geschichte“ oder sogar ein „Trost-Oscar“, um vermeintliche frühere Nichtberücksichtigungen auszugleichen, können eine wichtige Rolle bei der Beeinflussung der Wähler spielen. Aktive Kampagnen von Studios und Einzelpersonen sind ebenfalls ein entscheidendes Element. Einige Schauspieler, wie Ralph Fiennes, haben offen zugegeben, sich nicht an energischen Kampagnen zu beteiligen. Umgekehrt hat Samuel L. Jackson offen seine Überzeugung geäußert, dass die Ehre im Gewinnen liegt, nicht nur im Nominiertsein, was ein Verständnis für die Wettbewerbsnatur der Auszeichnungen widerspiegelt. Die Oscars sind daher nicht nur ein Urteil über die Leistung auf der Leinwand, sondern auch ein Spiegelbild dessen, wie effektiv eine Leistung und ein Schauspieler der Academy „verkauft“ werden. Eine überzeugende „Oscar-Geschichte“ kann manchmal einem Nominierten einen Vorteil gegenüber einem anderen verschaffen, unabhängig vom gezeigten rohen Talent.
Starke Konkurrenz und „schlechtes Timing“: Der vielleicht einfachste Grund für viele Beinahe-Gewinne ist die schiere Stärke der Konkurrenz in einem bestimmten Jahr. Viele der Schauspieler auf dieser Liste sahen sich ikonischen, einmaligen Leistungen gegenüber oder in Jahren, in denen die Schauspielkategorien außergewöhnlich stark mit herausragender Arbeit besetzt waren. Ein klassisches Beispiel ist Peter O’Tooles überragende Leistung in Lawrence von Arabien, die gegen Gregory Pecks geliebten Atticus Finch in Wer die Nachtigall stört verlor – Pecks fünfte und letzte Nominierung, die in einem Sieg gipfelte. Glenn Close und Amy Adams beispielsweise sahen sich durchweg Gewinnerinnen gegenüber, die kraftvolle Leistungen erbrachten oder von starken Filmnarrativen profitierten. Ein Oscar-Gewinn hängt somit stark von der spezifischen Wettbewerbslandschaft eines bestimmten Jahres ab; eine Leistung, die in einem weniger überfüllten Feld triumphiert hätte, kann leicht überschattet werden, wenn mehrere außergewöhnliche Anwärter auftauchen.
Genre-Vorurteile und Academy-Präferenzen: Die Academy hat historisch gesehen bestimmte Präferenzen bei Schauspielpreisen gezeigt. Dramatische Rollen wurden traditionell gegenüber Leistungen in Komödien, Science-Fiction-, Horror- oder Actionfilmen bevorzugt. Sigourney Weavers Nominierung als Beste Hauptdarstellerin für den Sci-Fi-Actionfilm Aliens – Die Rückkehr war eine wegweisende Leistung, die diese Normen in Frage stellte, aber nicht zu einem Gewinn führte. Bill Murrays einzige Nominierung für Lost in Translation, ein Film, der nuancierte Komödie mit Drama verbindet, steht im Einklang mit diesem Muster, Genre-übergreifende Arbeit anzuerkennen, sie aber nicht immer mit dem Hauptpreis auszuzeichnen. Ähnlich kamen Johnny Depps Nominierungen oft für fantastischere oder stilisiertere Rollen. Darüber hinaus zeigt die Academy oft eine Vorliebe für „größere, auffälligere Darbietungen“, insbesondere in der Kategorie Bester Hauptdarsteller, oder Rollen, die erhebliche körperliche Transformationen beinhalten. Folglich laufen subtile, verinnerlichte Darbietungen, wie Ralph Fiennes‘ gelobte Arbeit in Conclave, Gefahr, zugunsten offenkundig demonstrativerer Schauspielkunst übersehen zu werden. Dies deutet darauf hin, dass die Art der Rolle und das Genre des Films die Oscar-Aussichten eines Schauspielers erheblich beeinflussen können, wobei Kritikerlob innerhalb eines (für Schauspielpreise) „weniger angesehenen“ Genres oder für eine nuancierte Leistung nicht immer so leicht in einen Oscar-Gewinn umgewandelt wird wie eine transformative Rolle in einem traditionellen „Oscar-Köder“-Drama.
Gesamtwerk vs. Einzelleistung: Der Abstimmungsprozess der Academy kann manchmal den Wunsch widerspiegeln, die gesamte Karriere eines geschätzten Veteranen mit einem „Legacy-Oscar“ oder einem „Karrierepreis“ zu ehren, anstatt sich strikt auf die einzelne nominierte Leistung dieses Jahres zu konzentrieren. Dies kann bedeuten, dass ein anderer Schauspieler mit einer besonders verdienten Leistung in diesem speziellen Jahr leer ausgeht. Umgekehrt könnten Schauspieler mit einem durchweg starken und gefeierten Gesamtwerk, wie viele auf dieser Liste, sich wiederholt nominiert wiederfinden, wobei die Wähler vielleicht annehmen, „sie werden irgendwann gewinnen“. Diese Diffusion der Dringlichkeit kann es für jede einzelne Leistung schwieriger machen, durchzubrechen, es sei denn, sie ist überwältigend unbestreitbar oder passt perfekt zu einem überzeugenden „endlich sind sie dran“-Narrativ. Die Oscar-Entscheidung wird daher oft zu einem komplexen Zusammenspiel zwischen der Belohnung der „besten“ Leistung des Jahres und der Anerkennung eines langen und herausragenden Beitrags zum Kino.
Das „Zu schwer zu wählen“ / Stimmen-Splitting: Obwohl nicht immer explizit für Einzelfälle nachweisbar, kann die Mechanik der Oscar-Abstimmung zu unerwarteten Ergebnissen führen, insbesondere in stark umkämpften Jahren. In Kategorien, die mit mehreren beliebten Darbietungen gefüllt sind, können sich die Stimmen verteilen. In einem Präferenzwahlsystem (das für den Besten Film verwendet wird) oder einer einfachen Mehrheitswahl (die für Schauspielkategorien verwendet wird) könnte eine Leistung, die eine starke, konsolidierte Unterstützungsbasis erhält, über mehrere andere ausgezeichnete Leistungen siegen, die die verbleibenden Stimmen aufteilen. Dies ist ein eher spekulativer Faktor, bleibt aber eine bekannte Dynamik bei Oscar-Rennen, bei denen ein überfülltes Feld außergewöhnlicher Talente manchmal zu überraschenden Ergebnissen führen kann.
Jenseits der Statuette
Der Reiz eines Academy Awards bleibt in Hollywood stark, ein Symbol für die Anerkennung durch Kollegen und filmische Exzellenz. Doch wie die Karrieren dieser zehn außergewöhnlichen Schauspieler – und vieler anderer wie sie – zeigen, schmälert das Fehlen dieser speziellen goldenen Statuette ihren tiefgreifenden Einfluss auf die Filmkunst kaum. Ihre Filmografien sind reich an „herausragender Arbeit“, ikonischen Rollen und Darbietungen, die nicht nur Kritikerlob und mehrfache Oscar-Nominierungen erhalten haben, sondern auch tief bei Zuschauern weltweit Anklang fanden und die Filmgeschichte auf unauslöschliche Weise geprägt haben.
Während ein Oscar-Gewinn zweifellos eine Karriere beflügeln und einen Moment ultimativer Branchenvalidierung bieten kann, liegt das wahre Maß für die Beiträge dieser Schauspieler in der bleibenden Kraft ihrer Darbietungen. Glenn Closes erschreckende Intensität, Amy Adams‘ vielseitiger Charme, Edward Nortons chamäleonartige Tiefe, Ralph Fiennes‘ nuancierte Bedrohung, Samuel L. Jacksons unbestreitbare Coolness, Sigourney Weavers bahnbrechende Stärke, Willem Dafoes furchtlose Kunstfertigkeit, Annette Benings beständige Brillanz, Michelle Williams‘ stille Intensität und Sir Ian McKellens theatralische Gravitas – diese Qualitäten haben das Kino weit über die Grenzen jeder einzelnen Preisverleihung hinaus bereichert.
Ihre Vermächtnisse sind gesichert, aufgebaut auf einem Fundament aus außergewöhnlichem Talent, Hingabe an ihr Handwerk und einer Sammlung unvergesslicher Charaktere, die weiterhin inspirieren und fesseln. Der Oscar mag ihnen bisher entgangen sein, aber ihre außergewöhnlichen Beiträge zur Welt des Films sind unbestreitbar und werden zweifellos den Test der Zeit bestehen.
