Der neue thailändische Film Same Day with Someone präsentiert sich oberflächlich betrachtet als eine romantische Komödie, die um das bekannte filmische Stilmittel der Zeitschleife herum aufgebaut ist. Die Prämisse ist einfach: Eine privilegierte junge Frau ist gezwungen, den schlimmsten Tag ihres Lebens immer wieder zu erleben, bis sie einen Weg findet, den Kreislauf zu durchbrechen. Obwohl Vergleiche mit kanonischen Werken des Subgenres wie Und täglich grüßt das Murmeltier unvermeidlich sind, erweisen sich solche Parallelen als zu kurz gegriffen. Der Film, eine Netflix-Produktion mit einer Laufzeit von 118 Minuten, verfolgt eine überlegtere und ehrgeizigere Agenda. Er nutzt den zugänglichen Rahmen einer High-Concept-Romantikkomödie nicht als Selbstzweck, sondern als anspruchsvolles erzählerisches Vehikel für eine nuancierte und tief empfundene Auseinandersetzung mit psychologischem Trauma und dessen Bewältigung. Die erklärte Absicht der Filmemacher, ein Werk zu schaffen, das sich von typischen Genrefilmen abhebt, ist von Anfang an erkennbar. Das Drehbuch von Rangsima Akarawiwat entstand aus der Erfahrung, eine Freundin nach einer Trennung zu trösten, was zu der bewussten und expliziten Entscheidung führte, die fünf Phasen der Trauer innerhalb der sich wiederholenden Struktur einer Zeitschleife allegorisch darzustellen. Dies positioniert den Film als eine durchdachte Subversion seines Genres, die die Mechanik der Wiederholung nutzt, um den komplexen, nicht-linearen Prozess der Heilung abzubilden.
Die Architektur dieses sich wiederholenden Tages ist akribisch darauf ausgelegt, das sorgfältig konstruierte Leben der Protagonistin zu dekonstruieren. Wir lernen Mesa Worathepanant kennen, eine Kuratorin aus der High Society, deren Existenz ein Zeugnis für Ordnung, Prestige und Kontrolle ist. Ihr katastrophaler Tag, der 8. August 2025, entfaltet sich als doppelter Angriff auf ihre Identität. Zuerst beendet ihr Traumverlobter, eine elegante Figur, gespielt von Trisanu Soranun, abrupt ihre Beziehung und zerstört damit ihre persönliche Vorstellung von einer perfekten Zukunft. Gleichzeitig erleidet sie einen beruflichen Zusammenbruch, als ein unschätzbares Artefakt unter ihrer Obhut, der heilige Sirisila-Stein, beschädigt wird. Dieses Zusammentreffen von persönlichem und beruflichem Versagen schafft den Schmelztiegel, in dem sie gefangen ist. Die Berufswahl ist thematisch bedeutungsvoll; die Aufgabe eines Kurators ist die Bewahrung und Organisation von Objekten, die sorgfältige Konstruktion von Erzählungen über Wert und Geschichte. Mesas Leben ist im Grunde eine kuratierte Ausstellung des Erfolgs. Die Zeitschleife wird daher zur ultimativen Antithese ihres Wesens, ein Zustand tiefgreifender Machtlosigkeit, der diese Meisterin der Kontrolle zwingt, sich einer chaotischen Realität zu stellen, die sie nicht länger arrangieren, katalogisieren oder eindämmen kann.
Im Kern fungiert der Film als eine überzeugende Externalisierung eines inneren psychologischen Prozesses. Das erzählerische Konzept der Zeitschleife liefert eine greifbare, visuelle Grammatik für die abstrakte emotionale Erfahrung der Trauer. Rangsima Akarawiwats Drehbuch verwandelt das Kübler-Ross-Modell in eine Reihe von narrativen Handlungen und ermöglicht es dem Publikum, Mesas Reise durch Verleugnung, Wut, Verhandeln, Depression und schließliche Akzeptanz nicht als inneren Monolog, sondern als eine Abfolge von beobachtbaren Versuch-und-Irrtum-Experimenten zu erleben. In den ersten Schleifen sind ihre Handlungen wahrscheinlich von einer hektischen Verleugnung geprägt, bei dem Versuch, die Katastrophen des Tages mit oberflächlichen Korrekturen zu beheben. Als die Sinnlosigkeit dieses Ansatzes deutlich wird, ändert sich ihr Verhalten und durchläuft Zyklen destruktiver Wut und verzweifelter Verhandlungen mit dem Universum und den Figuren, die ihren Tag bevölkern. Es folgt eine Phase lustloser Resignation, ein klares Analogon zur Depression, bevor sie beginnt, den sich wiederholenden Tag nicht als Gefängnis, aus dem es zu entkommen gilt, sondern als ein Rätsel zu betrachten, das es zu verstehen gilt. Diese strukturelle Entscheidung ermöglicht es dem Film, die oft repetitive Natur der Traumaverarbeitung zu erforschen, bei der Fortschritt nicht immer linear verläuft. Das erklärte Ziel der Produktion war es, etwas so Tröstliches wie die Umarmung eines Freundes zu bieten, und das erreicht sie, indem sie den Prozess der Heilung entmystifiziert und ihn als eine schwierige, aber zu bewältigende Reise zu einer neuen Perspektive auf die Herausforderungen des Lebens darstellt.
Diese psychologische Erzählung wird durch eine reiche und symbolische Mise-en-Scène unterstützt. Der Film spielt im fiktiven Land Chinlin, eine bewusste Entscheidung des World-Buildings, die die Geschichte von einer spezifischen zeitgenössischen Realität löst und sie in einen leicht mythologisierten, fabelähnlichen Raum versetzt, in dem ein allegorisches Ereignis wie eine Zeitschleife plausibler erscheint. Die Ästhetik von Chinlin ist eine Komposition, inspiriert von der Kunst verschiedener ostasiatischer Länder, die eine einzigartige visuelle Landschaft schafft. Zentral in dieser Welt ist das große und realistische Worathepanant-Museum, das als starke Metapher für Mesas eigene Psyche dient: äußerlich perfekt, geordnet und beeindruckend, aber mit einem zerbrechlichen Kern, der kurz vor dem Zerbrechen steht. Das Produktionsdesign ist voll von dem, was die Filmemacher als versteckten Symbolismus beschreiben und lädt zu einer aufmerksamen Betrachtung ein. Das bedeutendste davon ist die verehrte Statue der Göttin des Roten Bandes, ein Objekt, dessen Design, inspiriert von tibetischer Kunst, ein rotes Band enthält, das zu einem Unendlichkeitssymbol gebunden ist. Dies ist eine direkte visuelle Artikulation des zentralen Themas des Films von endlosen Zyklen, ein nonverbales Signal, das die Zwangslage der Protagonistin verstärkt. Sogar Mesas Garderobe ist mit Bedeutung aufgeladen, wobei jedes Outfit ihren anfänglichen Zustand kuratierter Perfektion widerspiegelt und sich subtil verändert, während sich ihre innere Landschaft wandelt. Die ästhetischen Elemente sind nicht nur dekorativ; sie sind integrale Bestandteile der thematischen Architektur des Films.
Die gewaltige Herausforderung dieser Erzählstruktur lastet auf den Darstellern, insbesondere auf der Hauptdarstellerin Jarinporn Joonkiat. Als versierte und preisgekrönte Persönlichkeit des thailändischen Kinos hat Joonkiat die Aufgabe, eine Figur darzustellen, die äußerlich statisch, aber innerlich dynamisch ist. Ihre Darstellung muss wie ein Palimpsest funktionieren, bei dem jede Wiederholung des Tages mit dem kumulativen psychologischen Gewicht aller vorangegangenen Schleifen überlagert ist. Sie muss die wachsende Frustration, Verzweiflung und die schließlich aus jedem Scheitern gewonnene Weisheit vermitteln und sicherstellen, dass das Publikum die Spuren vergangener Versuche unter der Oberfläche jedes „neuen“ Tages wahrnimmt. Ihre Darstellung von Mesas strahlender und aufrichtiger Freundlichkeit wird zur Grundlage, an der ihre Verwandlung gemessen wird. Der Katalysator für diese Verwandlung erscheint in Form von Ben, einem liebenswerten und nerdigen Kuratorenkollegen, gespielt von Warintorn Panhakarn, einem Veteranen thailändischer Fernsehdramen. In ihrer ersten gemeinsamen Leinwanddarstellung bildet ihre Dynamik den emotionalen Anker des Films. Ben stellt die eine signifikante Variable in Mesas sich wiederholender Gleichung dar, die Person, mit der sie ein neues Interaktionsmuster schmieden kann. Der Handlungsbogen wird durch ihre sich entwickelnde Beziehung zu ihm über die Schleifen hinweg vorangetrieben, von anfänglicher Ablehnung bis hin zu allmählichem Vertrauen und Verbindung. Die Besetzung, zu der auch Charlette Wasita Hermenau als Mesas wichtige Kollegin und Jaturong Phonboon mit komödiantischer Brillanz gehören, trägt zu einer echten Chemie bei, die die High-Concept-Prämisse in glaubwürdiger menschlicher Interaktion verankert – ein Markenzeichen thailändischer Schauspielstile, die oft ein naturalistisches „Einswerden“ mit der Figur anstreben.
Letztendlich ist Same Day with Someone ein Werk von bemerkenswerter künstlerischer Reifung für seine Hauptschöpfer. Regisseur Yanyong Kuruangkura, dessen frühere Filme wie App War und Mother Gamer geschickt Komödie mit zeitgenössischem Sozialkommentar verbanden, wendet sich erfolgreich einer stärker innerlichen, charaktergetriebenen Erzählung zu. Die etablierte kreative Partnerschaft mit der Drehbuchautorin Rangsima Akarawiwat, die auch App War schrieb, ermöglicht es ihnen, ihre bewährte Fähigkeit für fesselnde High-Concept-Prämissen auf ein Thema von größerer emotionaler Tiefe anzuwenden. Der Film erfüllt Kuruangkuras Ambition, etwas zu schaffen, das sich von der typischen Rom-Com abhebt, indem er die Tropen des Genres als Grundlage für eine tiefere Untersuchung der menschlichen Fähigkeit zur Resilienz nutzt. Es ist eine Wohlfühlgeschichte, die ihre Wärme jedoch durch eine nachdenkliche Auseinandersetzung mit Schmerz verdient. Die abschließende Botschaft des Films ist eine des therapeutischen Optimismus: Die scheinbar unausweichlichen Schleifen unseres Lebens, ob aus Trauer oder Routine geboren, sind nicht nur Gefängnisse, sondern können Schmelztiegel für Neubewertung, Wachstum und die Entdeckung neuer Verbindungen sein. Dieses herzerwärmende Abenteuer ist weltweit auf Netflix zum Streamen verfügbar. Der Film wurde am 18. September veröffentlicht.
