Guillermo del Toro, der Filmemacher, der uns lehrte, dass Schönheit Kiemen haben kann und Unschuld oft Ungehorsam erfordert, um zu überleben, hat schon immer einen unbequemen Raum bewohnt: die Schnittstelle zwischen ästhetischem Horror und radikaler Zärtlichkeit. Sein narratives Universum ist ein einziges Plädoyer für das Fehlerhafte, das Ausgegrenzte und das herrlich Inkorrekte. Für viele erzählt Del Toro nicht einfach nur Geschichten, sondern zeichnet eine emotionale Landkarte, die die Existenz dessen rechtfertigt, was die Gesellschaft zu verbergen sucht.
Das Bankett des unvollkommenen Monsters: Ein tiefer Einblick
Diese zutiefst persönliche Vision bildet die zentrale Achse von Sangre del Toro – Die Leidenschaft eines Filmemachers, dem Dokumentarfilm, der sich als das intimste Röntgenbild seiner kreativen Psyche präsentiert. Es ist weniger eine formale Biografie als vielmehr ein Eintauchen in die mentale Architektur, die seinen Kreaturen Leben einhaucht. Unter der Regie des französischen Filmemachers Yves Montmayeur, einem Dokumentarfilmer mit großer Erfahrung in der Welt des Kinos, der das Werk in der Sektion Venice Classics vorstellte, löst sich der Film bewusst von einer chronologischen Zeitlinie. Montmayeur, der auf eine zwei Jahrzehnte lange Karriere zurückblicken kann, möchte eine „intime Reise“ in das kreative Universum bieten und Del Toro schlicht „in einem Moment seines Lebens“ porträtieren.
Der Dokumentarfilm konzentriert sich darauf, die Gedankenwelt des Regisseurs aus Guadalajara zu entschlüsseln. Er ist keine klassische Biografie, sondern dringt direkt in den Kopf des Regisseurs ein und versammelt Zeugnisse von Del Toro selbst sowie von engen Mitarbeitern wie dem Art Director Eugenio Caballero. Visuell bedient sich der Film eines brillanten Mittels: Er nutzt zahlreiche Bilder der gigantischen Ausstellung „En casa con mis monstruos“ (Zu Hause mit meinen Monstern), die 2019 in Guadalajara gezeigt wurde. Die Ausstellung selbst ist ein Studienobjekt, da sie sich auf die Kunst dessen konzentriert, was als monströs gilt – nicht nur in physischer Form, sondern auch in „Verhalten oder Bedeutung“.
Durch die Vermischung dieses riesigen persönlichen Archivs mit Szenen aus seinen großen Produktionen wie Hellboy, Pans Labyrinth oder Shape of Water – Das Flüstern des Wassers nutzt der Dokumentarfilm die Sammlung, als wäre sie die Biografie selbst. Die Ausstellung, eine von Del Toro kuratierte Synthese all seiner Einflüsse (von mexikanischer Sakralkunst bis zu Referenzen an Edgar Allan Poe), ermöglicht es dem Dokumentarfilm, die psychologische Entwicklung des Regisseurs nachzuzeichnen, ohne einem linearen Kalender folgen zu müssen. Die Struktur des Films ahmt somit die assoziative und nicht-lineare Natur von Del Toros eigener Vorstellungskraft nach.
„Wir müssen kaputt sein“: Die Philosophie der Kunst ohne Stammbaum
Wenn es einen philosophischen Punkt gibt, der das Wesen des mexikanischen Regisseurs definiert und den der Dokumentarfilm entscheidend einfängt, dann ist es seine Verteidigung des Inkorrekten. Del Toro überraschte in Venedig mit einer Aussage, die zur zentralen These seiner Kunst wird: Unvollkommenheit ist kein Mangel, sondern die notwendige Quelle der Schöpfung. Der Dokumentarfilm fängt die Stimme des Regisseurs in einem Moment großer Überzeugung ein und unterstreicht seine Behauptung, dass Unvollkommenheit etwas Wünschenswertes ist.
Del Toro formulierte es unverblümt und mit einer Dosis schwarzem Humor: „Wir können kaputt sein und Kunst schaffen. Tatsächlich müssen wir kaputt sein!“ Diese Idee geht über eine bloße Erlaubnis zum Fehler hinaus; sie ist eine tiefe Reflexion über Authentizität. Wahre Kunst, so suggeriert er, muss aus Unbehagen und Reibung entstehen. Diese Philosophie des Makels wird als energische Zurückweisung der Forderungen nach Reinheit oder Perfektion präsentiert, die von starren Strukturen auferlegt werden.
Die rhetorische Frage, die Del Toro aufwirft, enthüllt die soziale Absicht seiner Arbeit: „Wir haben keine Position in der Kirche, wir sind keine Politiker, warum sollten wir perfekt sein?“ Indem er sich von der Notwendigkeit eines moralischen oder institutionellen Stammbaums befreit, wird der Künstler frei, die menschliche Wahrheit in ihren „rohesten Zügen“ darzustellen. Die Akzeptanz dieser Fehler und dieser intrinsischen „Defektheit“ verbindet sich direkt mit einem der großen narrativen Motoren seiner Filmografie: dem Ungehorsam.
Wenn die etablierte Ordnung eine unerreichbare Perfektion verlangt (das Dogma, die Macht), dann wird der Akt, die eigene unvollkommene Realität zu umarmen, zum moralischsten und menschlichsten Akt überhaupt. Es ist der Ungehorsam, der die Ofelia in Pans Labyrinth dazu bringt, die Wahrheit zu suchen, und es ist die Akzeptanz von Sterblichkeit und Unvollkommenheit, die es seinem Pinocchio ermöglicht, Menschlichkeit zu erlangen. Indem der Dokumentarfilm diese Parallelen zieht, zeigt er, dass Del Toros Werk ein anhaltendes Argument gegen die Beschönigung der sozialen und emotionalen Realität ist und das Monster als Werkzeug der Würdigung nutzt.
Die Labyrinthe von Guadalajara: Mexikanisches Blut im globalen Horror
Um zu verstehen, woher dieser Appetit auf das Gotische und das Unvollkommene stammt, reist Sangre del Toro – Die Leidenschaft eines Filmemachers notwendigerweise nach Guadalajara. Der Dokumentarfilm taucht in die prägende Kindheit des Regisseurs ein, eine Zeit, die von einer kindlichen Angst vor dem Tod geprägt war. Del Toro erzählt im Film, wie seine Eltern ihn schon ab zehn Uhr morgens im Kino ließen, um Horrorfilme zu schauen – ein Ritual, das seine frühe und tiefe Liebe zu diesem Genre säte.
Diese frühe und praktische Beziehung zum Kino etablierte sich in einem überraschend jungen Alter. Del Toro berichtet, wie er seinen ersten Film mit acht Jahren drehte, indem er die Super-8-Kamera seines Vaters benutzte. Dieses Detail unterstreicht, dass seine Identität als Filmemacher keine späte Berufung war, sondern ein Ausdrucksbedürfnis, das sich fast schon in der Wiege manifestierte. Der Film spürt nicht nur dem Ursprung seiner Technik nach, sondern auch seiner Ästhetik. Die Ankerpunkte seines gotischen Stils enthüllen sich als zutiefst lokal.
Seine Vorliebe für das Gotische, so gesteht er, rühre von der imposanten Kathedrale von Guadalajara her. Mehr noch, die mexikanische Kultur mit ihrer Vertrautheit und ihrem Kult um den Tod wird als ein Element identifiziert, das „tief im Geiste Del Toros verwurzelt“ ist. Diese Verbindung steht im Kontrast zu der gängigen Erzählung, die das Horrorkino oft als rein eurozentrisch betrachtet. Es wird deutlich, dass Del Toro das Genre durch das Prisma der Fatalität und des lateinamerikanischen Barock-Melodrams filterte und die mexikanische Ikonografie auf eine Ebene hob, die ebenso vital ist wie die klassischen Monster. Ein konstantes narratives Element in seinen Geschichten ist seine Liebe zu Labyrinthen, eine Faszination, die der Regisseur auch im Dokumentarfilm thematisiert. Das Labyrinth ist per Definition eine Struktur der Suche und Verwirrung, die die Angst und die Notwendigkeit einkapselt, einen Weg durch ein wahrgenommenes Chaos zu finden. Indem der Dokumentarfilm diese narrativen Strukturen mit seiner Heimatgeografie verbindet, unterstreicht er, dass das „Blut“ von Del Toro ein untrennbares Amalgam aus globalem Horror und der Tradition Guadalajaras ist.
Bleak House: Die Sammlung als externalisiertes Gewissen
Wenn Del Toros Kindheit den Ursprung seiner Faszination erklärt, so ist seine persönliche Sammlung in Los Angeles, bekannt als „Bleak House“ (eine Anspielung auf Charles Dickens), die greifbare Materialisierung dieses Geistes. Der Dokumentarfilm nutzt diese Residenz, die ein ungewöhnliches Museum mit mehr als 600 Objekten ist, die seine Besessenheit widerspiegeln, um seine beständige Faszination für das Monströse zu erkunden.
Die berühmte Ausstellung „En casa con mis monstruos“, deren Bilder eine visuelle Säule des Dokumentarfilms sind, ist im Grunde der öffentliche Export seines kreativen Bewusstseins. Die Sammlung ist absichtlich eklektisch, da ihr Zweck darin besteht, die Kunst des Monströsen nicht nur in ihrer physischen Form, sondern auch in ihrem „Verhalten oder ihrer Bedeutung“ zu untersuchen. Die Schau enthüllt Del Toros Methodik: wie er weitreichende und fremde Einflüsse (von Poe und Lovecraft bis Moebius) aufnimmt und sie transformiert, indem er sie in den Kontext der mexikanischen fantastischen Vorstellungskraft stellt. Dies beinhaltet den Vergleich fremder Mythologien mit sakraler Kunst und politischer Karikatur aus Mexiko, deren historische Wurzeln bis in die Kolonialzeit zurückreichen.
Diese Hingabe an seine Objekte geht weit über einfaches Sammeln hinaus. Als ein Teil seines Bestands für die Ausstellung im Los Angeles County Museum of Art (LACMA) verpackt wurde, gab der Regisseur zu, sich zutiefst unwohl zu fühlen, und erklärte, das Haus fühle sich „leer“ an. Er betrachtet diese Kreaturen und Artefakte als seine „Gefährten“ und „Wächter“. Dieses Detail offenbart einen zutiefst menschlichen und verletzlichen Aspekt des Regisseurs. Das Bleak House ist nicht nur ein Kunstlager, sondern ein psychologisches Heiligtum. Indem der Dokumentarfilm diese emotionale Abhängigkeit von seinen „Monstern“ zeigt, illustriert er, wie das Sammeln zu einem Abwehrmechanismus gegen das Chaos der Außenwelt wird. Er ist ein Künstler, der einen physischen Zufluchtsort für seine Vorstellungskraft bauen muss, und der Film dokumentiert die intime Beziehung zwischen dem Mann und seinen Kreaturen.
Anatomie des Antagonisten: Der wahre Horror trägt Anzug und Krawatte
Die Erkundung von Del Toros Geist in Sangre del Toro – Die Leidenschaft eines Filmemachers offenbart, dass seine Faszination für Monster schon immer eine indirekte Form der Sozialkritik war. Eine grundlegende Prämisse seines Kinos ist, dass Machtstrukturen und systemische Unterdrückung die wahren Antagonisten sind, nicht die Fantasiewesen. Seine Filme, wie Pans Labyrinth, nutzen die Fantasie als „Zuflucht und Akt des Widerstands“ gegen die „Unterdrückung und Gewalt der Erwachsenenwelt“.
Der Regisseur identifiziert die Quelle des modernen Monsters als ideologisch. Die Brutalität geht nicht von der Biologie oder dem Übernatürlichen aus, sondern von „Gewissheit, Dogma und dem Befolgen der Idee von ‚wir und die anderen’“. Die Spaltung ist für Del Toro die Wurzel der Unmenschlichkeit, und sein Kino versucht, die Autorität zu entlarven, die Grausamkeit verschleiert. Tatsächlich behauptet er, dass die brutalsten Monster der heutigen Zeit „Anzug und Krawatte“ tragen.
Diese Philosophie gewinnt eine vitale zeitgenössische Relevanz, wenn Del Toro sie auf unmittelbare soziale Probleme anwendet. Im Dokumentarfilm hört man ihn über den Zustand der Migration reflektieren und beklagen, wie „absolut schrecklich“ es sei, Migration als schädlichen Faktor zu sehen. Er hält diese Haltung für Wahnsinn, da ein Land wie die Vereinigten Staaten „auf der Basis von Migration geschaffen wurde“. Indem er den Archetyp des Monsters, eines ausgegrenzten und abgelehnten Wesens (wie Frankensteins Monster), mit der Erfahrung des modernen Migranten verknüpft, verwandelt Del Toro die klassischen Tropen des Horrors in eine unmittelbare politische Parabel über Entfremdung und die Grausamkeit von Grenzen. Der Dokumentarfilm bestätigt, dass unter dem Lack der dunklen Fantasie ein Autor mit tiefem humanistischem Engagement liegt, der selbst in den deformiertesten Charakteren nach Empathie sucht.
Eine letzte Vorstellung: Das Ende eines Zyklus und die nächste Transformation
Sangre del Toro – Die Leidenschaft eines Filmemachers blickt nicht nur zurück, sondern dokumentiert einen beruflichen Wendepunkt. Der Dokumentarfilm fängt die Atmosphäre der Zusammenarbeit und Großzügigkeit ein, die seinen kreativen Prozess definiert. Del Toro, bekannt für seine Fähigkeit, seine Teams zu inspirieren, beschrieb einen seiner Hauptdarsteller als jemanden, der aus seiner Rolle „ein Bankett machen würde“, was sein Engagement für ein Umfeld bestätigt, das Ausdruckskraft und kreative Höchstleistungen fördert.
Das aufschlussreichste Zeugnis des Regisseurs ist jedoch seine eigene Selbsteinschätzung. Del Toro bestätigt kategorisch, dass sein letztes Filmprojekt das Ende einer Ära darstellt: „Ich wusste, dass es das Ende eines Zyklus ist, das ist mir völlig klar.“ Ihm zufolge kulminierte alles, was er in drei Jahrzehnten Regiearbeit praktizierte und produzierte, in diesem Film und markierte einen Abschlusspunkt, bevor ein „neuer Zyklus“ beginnt.
Diese Aussage verleiht Sangre del Toro – Die Leidenschaft eines Filmemachers ein besonderes historisches Gewicht. Der von Montmayeur inszenierte Dokumentarfilm wird nicht nur zu einer Fallstudie über Kreativität, sondern zur definitiven Retrospektive über die Philosophie, die Einflüsse und die Methodik, die den Guillermo del Toro der ersten Phase definierten: den Mann hinter Pans Labyrinth, Shape of Water – Das Flüstern des Wassers und dem Animationsfilm Pinocchio. Indem der Film das kreative Bewusstsein genau in dem Moment dokumentiert, in dem der Künstler den Abschluss seiner dominanten ästhetischen Phase erklärt, dient er als essentielle Chronik des „Blutes“, das diese drei Jahrzehnte der Fantasie antrieb. Montmayeurs Werk ist somit ein Höhepunkt und ein Abschied, eine detaillierte Karte des zurückgelegten Weges vor der nächsten künstlerischen Metamorphose.
Der Termin auf Netflix
Machen Sie sich bereit, in den zärtlichsten und furchterregendsten Geist des zeitgenössischen Kinos einzutauchen, denn die intime Reise in Sangre del Toro – Die Leidenschaft eines Filmemachers startet am 21. November auf Netflix.
