Mehr als zwei Jahrzehnte lang war er der stoische, ernste Monolith im Zentrum des amerikanischen Fernsehens, ein Mann, dessen öffentliche Erscheinung so berühmt hölzern war, dass Komiker ganze Karrieren darauf aufbauten, seine steife Haltung und seine unbeholfenen Anmoderationen zu imitieren. Doch jeden Sonntagabend von 1948 bis 1971 versammelten sich zig Millionen Amerikaner zu seiner „wirklich großen Show“ und machten die Ed Sullivan Show zu einer nationalen Institution und ihren Gastgeber zum mächtigsten kulturellen Torwächter des Landes. Ein neuer Dokumentarfilm von Regisseur Sacha Jenkins, Sunday Best: The Untold Story of Ed Sullivan, wirft einen neuen Blick auf diese überragende Figur der Mediengeschichte und schlägt eine radikale Neuinterpretation seines Vermächtnisses vor. Der Film, der Zeugnisse von so unterschiedlichen Bewunderern wie Ringo Starr, Bruce Springsteen und Ice-T enthält, argumentiert, dass sich hinter dem „großen steinernen Gesicht“ ein stiller Revolutionär verbarg, ein Mann, der seine beispiellose Plattform bewusst und konsequent nutzte, um die Sache der Rassenintegration voranzutreiben und eine subversive Botschaft der Gleichheit in die Wohnzimmer eines tief gespaltenen Amerikas zu senden.
Der Dokumentarfilm macht sich daran, die im Titel versprochene „unerzählte Geschichte“ zu erzählen, die über die bekannten Anekdoten von der Entdeckung von Elvis und den Beatles hinausgeht, um eine tiefere, politisch aufgeladene Erzählung aufzudecken, die sich direkt vor aller Augen verbarg. Dazu verwendet er ein einzigartiges und fesselndes erzählerisches Mittel: Mithilfe der KI-Sprachtechnologie von Respeecher lässt der Film Sullivans eigene Stimme wiederauferstehen, um seine Lebensgeschichte zu erzählen, gestützt auf das umfangreiche Archiv seiner Zeitungskolumnen, Artikel und persönlichen Briefe. Diese Technik schafft eine unmittelbare und verblüffende Intimität und erweckt den Eindruck, dass Sullivan selbst posthum die Dinge richtigstellt. Es ist eine strategische Entscheidung, die den Film nicht nur als historischen Bericht, sondern als Akt der Rückeroberung rahmt und die Zuschauer herausfordert, einen Mann, den sie zu kennen glaubten, und die Ära, die er mitgeprägt hat, neu zu bewerten. Der Film postuliert, dass Sullivans bedeutendster Beitrag nicht nur die Entdeckung neuer Stars war, sondern die nachhaltige Veränderung des Klangs – und des Gesichts – Amerikas.
Der Mann hinter dem Monolithen
Um die Überzeugung hinter Sullivans Entscheidungen auf dem Bildschirm zu verstehen, zeichnet Sunday Best ein detailliertes biografisches Porträt, das eine tief verwurzelte persönliche Philosophie von Fairness und Inklusion etabliert. Der Film verfolgt seine Ursprünge bis zu seiner Geburt in Harlem im Jahr 1901, einer Zeit, in der das Viertel eine lebendige Mischung aus irischen und jüdischen Familien war. Er betont die Werte, die ihm seine Eltern vermittelten, die ihm beibrachten, Menschen unabhängig von ihrer Herkunft zu respektieren, und hebt die frühe Tragödie des Todes seines Zwillingsbruders nur wenige Monate nach ihrer Geburt hervor. Dieses Fundament aus Gleichheitsdenken und persönlichem Verlust wird als entscheidendes Element seines Charakters dargestellt.
Der Dokumentarfilm folgt seinen prägenden Erfahrungen, die ihn lange bevor es üblich war, in vielfältige und integrierte Umgebungen brachten. Er war ein talentierter Sportler, der in der High School in einer gemischtrassigen Baseball-Liga spielte, eine Erfahrung, die ihn schwarzen Gleichaltrigen als Ebenbürtige auf dem Sportplatz begegnen ließ. Seine berufliche Laufbahn begann als Sportjournalist, bevor ein entscheidender Wechsel ihn zum Broadway-Kolumnisten für die New York Daily News machte, wo ihn seine Kolumne „Little Ole New York“ in die facettenreiche Welt des New Yorker Theaters eintauchen ließ. Hier, so argumentiert der Film, festigte sich seine Weltanschauung. Diese persönliche Geschichte wurde weiter durch seine Ehe mit Sylvia Weinstein, einer jüdischen Frau, geprägt. Ihre Beziehung stieß bei beiden Familien auf starken Widerstand, was Sullivan ein direktes, persönliches Verständnis von Vorurteilen und Bigotterie vermittelte. Der Film zieht eine klare Linie von diesen Lebensereignissen zu seinem Handeln als Fernsehmoderator. Er legt nahe, dass seine Programmgestaltung kein Zufall oder gar nur gutes Geschäftsgespür war, sondern der bewusste Ausdruck einer lebenslangen Überzeugung. Seine eigene irische Herkunft und die Erfahrungen seiner Frau mit Antisemitismus boten ihm eine starke, einfühlsame Perspektive, durch die er die Kämpfe schwarzer Künstler in einer rassistischen Gesellschaft betrachtete. Der Dokumentarfilm untermauert die These, dass seinem stillen Aktivismus auf dem Bildschirm jahrzehntelange Überzeugungen abseits der Kameras vorausgingen, und verweist auf seine Produktion einer rein schwarzen Broadway-Revue, Harlem Cavalcade, in den 1940er Jahren und seine enge Freundschaft mit Künstlern wie dem Tänzer Bill „Bojangles“ Robinson, dessen Beerdigung Sullivan persönlich arrangierte und finanzierte, um sicherzustellen, dass der mittellose Star einen großen, seinem Talent würdigen Abschied erhielt.
Die Macht der Plattform
Bevor er sich seiner zentralen These widmet, stellt der Dokumentarfilm akribisch die immense Größe und kulturelle Bedeutung der Ed Sullivan Show dar, die als Toast of the Town begann. 23 Jahre lang war die Sendung ein Sonntagsritual, ein gemeinsames kulturelles Erlebnis, das amerikanische Familien in einer Ära vor Kabelfernsehen, Streaming oder sozialen Medien vereinte. Der Film unterstreicht die erstaunliche Größe seines Publikums, das regelmäßig zwischen 35 und 50 Millionen Zuschauer pro Woche erreichte und Sullivan ein Maß an Einfluss verlieh, das heute kaum vorstellbar ist. Diese enorme Reichweite machte seine Bühne zur wichtigsten Plattform im amerikanischen Unterhaltungsgeschäft. Ein Auftritt galt weithin als Garantie für eine Star-Karriere und konnte einen relativ Unbekannten über Nacht zu einem bekannten Namen machen. Der Film veranschaulicht diesen Status als „Königsmacher“ mit einer eindrucksvollen Montage der vielfältigen Talente, die in seiner Show ihre erste große nationale Aufmerksamkeit erhielten, von Komiker-Duos wie Dean Martin und Jerry Lewis bis hin zu zukünftigen Legenden wie Dick Van Dyke und Jack Benny.
Der Dokumentarfilm analysiert Sullivans täuschend einfache Erfolgsformel: „Groß anfangen, einen guten Comedy-Act haben, etwas für die Kinder einbauen – und es sauber halten.“ Dieses Bekenntnis zur Vielfalt schuf eine Show mit einem breiten, generationenübergreifenden Reiz. An jedem beliebigen Sonntag konnten die Zuschauer die weltweit gefeiertsten Opernsänger und Ballett-Ensembles auf einer Bühne mit Tellerdrehern, Akrobaten, Puppenspielern wie Topo Gigio, Bauchrednern wie Señor Wences und Komikern aus dem Borscht Belt sehen. Diese Mischung aus „Hochkultur, Trivialkultur und allem dazwischen“ sorgte dafür, dass für jedes Familienmitglied etwas dabei war, und festigte die Dominanz der Show für mehr als zwei Jahrzehnte. Indem er diese Macht quantifiziert, verdeutlicht der Film, wie viel bei Sullivans Programmgestaltung auf dem Spiel stand. Wenn ein Moderator die ungeteilte Aufmerksamkeit von fast der Hälfte des Landes hat, wird jede Entscheidung bedeutsam. In diesem Kontext war die Entscheidung, einen schwarzen Künstler zu präsentieren, nicht nur eine Unterhaltungsbuchung; es war eine politische Aussage mit tiefgreifenden sozialen Auswirkungen. Die Bühne des Ed Sullivan Theaters wird zum Stellvertreter für Amerika selbst, und Sullivan kontrollierte als oberster Torwächter, wer in die Wohnzimmer der Nation eingeladen wurde. Das Kernargument des Films beruht auf der Prämisse, dass er diese Macht bewusst nicht zur Durchsetzung des segregierten Status quo nutzte, sondern um ihn methodisch abzubauen.
Das Bürgerrechts-Schlachtfeld des Fernsehens
Das Herzstück von Sunday Best ist sein überzeugendes und akribisch dokumentiertes Argument, dass Ed Sullivan ein Wegbereiter der Bürgerrechtsbewegung war. Der Film stellt die eleganten, würdevollen und kraftvollen Auftritte schwarzer Künstler auf seiner Bühne – darunter Legenden wie Ray Charles, James Brown, Nina Simone und Diana Ross and The Supremes – in scharfen Kontrast zu unverfälschtem Archivmaterial des gewalttätigen Rassismus der Ära, einschließlich Bildern des Ku-Klux-Klans und Interviews mit unverblümten Segregationisten. Dieser Kontrast unterstreicht die revolutionäre Natur dessen, was Sullivan tat. Zu einer Zeit, als die einzigen schwarzen Gesichter im Fernsehen oft rassistische Karikaturen wie in Amos ’n‘ Andy waren, präsentierte Sullivan schwarze Entertainer als souveräne, kultivierte und überaus talentierte Künstler. Der Dokumentarfilm liefert zahlreiche Beispiele dafür, wie Sullivan dem immensen Druck von Werbekunden und südlichen Fernsehsendern standhielt, die gegen die Buchung schwarzer Künstler protestierten. Als Sponsoren, einschließlich der mächtigen Lincoln-Händler der Ford Motor Company, drohten, ihre Unterstützung zurückzuziehen, weigerte sich Sullivan, nachzugeben. Er ignorierte die Kritik, dass er zu viele schwarze Künstler präsentiere oder dass sie auf seiner Bühne nicht von weißen Musikern begleitet werden sollten.
Der Film konzentriert sich auf kleine, aber symbolisch gewaltige Gesten, die für ihre Zeit radikal waren. Im nationalen Fernsehen schüttelte Sullivan öffentlich Nat King Cole die Hand und küsste die Sängerin Pearl Bailey auf die Wange – Akte einfacher menschlicher Wärme und Respekts, die die rassistischen Tabus der Ära missachteten und bei bigotten Zuschauern Empörung auslösten. Diese Momente, so argumentiert der Film, waren kalkuliert, um schwarze Künstler für ein weißes Publikum zu vermenschlichen, das darauf konditioniert war, sie als minderwertig anzusehen. Diese konsequente Präsentation schwarzer Exzellenz hatte eine tiefgreifende Wirkung. Der Dokumentarfilm zieht eine direkte Linie von Sullivans Bühne zum Mainstream-Durchbruch von Motown. Indem er Acts wie The Supremes, The Temptations, Stevie Wonder und The Jackson 5 eine wiederkehrende nationale Plattform bot, trug Sullivan maßgeblich dazu bei, ihre Musik zum „Sound des jungen Amerikas“ zu machen. Der Film enthält eindrucksvolle Interviews mit Motown-Gründer Berry Gordy und Sänger Smokey Robinson, die aus erster Hand über Sullivans wesentliche Rolle für ihren Erfolg berichten. Der Dokumentarfilm stellt Sullivans visuelle Unterstützung Gordys eigenem Eingeständnis gegenüber, dass er anfangs vermied, schwarze Gesichter auf Motown-Plattencover zu setzen, aus Angst, weiße Plattenkäufer abzuschrecken, was die revolutionäre Kraft von Sullivans Fernsehpräsentation unterstreicht. Seine Bühne wurde zu einem ausführenden Arm der Bürgerrechtsbewegung selbst, indem er Martin Luther King Jr.s Lieblings-Gospelsängerin, Mahalia Jackson, präsentierte und später Coretta Scott King eine Plattform bot, um nach der Ermordung ihres Mannes zur Nation zu sprechen. Der eindringlichste Punkt des Films ist, dass Sullivans Aktivismus subversiv war. Er hielt keine großen politischen Reden; er normalisierte einfach Woche für Woche schwarzes Genie. Diese unerbittliche, sachliche Integration, die direkt in den intimen Raum des amerikanischen Zuhauses gestrahlt wurde, war ein mächtiges Werkzeug, um Herzen und Meinungen zu ändern.
Von Elvis‘ Hüften zur Britischen Invasion
Um das Ausmaß seines Engagements für die Bürgerrechte zu kontextualisieren, blickt der Dokumentarfilm auf die beiden berühmtesten kulturellen Erdbeben zurück, die sich auf Sullivans Bühne ereigneten. Das erste war Elvis Presley. Der Film schildert Sullivans anfängliche öffentliche Weigerung, den umstrittenen Sänger zu buchen, dessen kreisende Hüften als zu „vulgär“ für ein Familienpublikum galten. Nachdem er jedoch die massiven Einschaltquoten sah, die Elvis bei Konkurrenzsendungen erzielte, gab Sullivan nach und verpflichtete ihn für die damals beispiellose Summe von 50.000 Dollar für drei Auftritte. Der erste Auftritt am 9. September 1956 zog über 60 Millionen Zuschauer an, was erstaunlichen 82,6 Prozent des gesamten Fernsehpublikums entsprach. Mit Hits wie „Don’t Be Cruel“, „Love Me Tender“ und „Hound Dog“ sorgte Presley für eine nationale Sensation. Der Film behandelt den legendären dritten Auftritt, bei dem die Zensoren des Senders bekanntermaßen anordneten, Elvis nur von der Taille aufwärts zu filmen. Doch am Ende der Show legte Sullivan seinen Arm um den Sänger und bürgte persönlich für ihn, indem er Amerika sagte: „Das ist ein wirklich anständiger, feiner Junge.“ Dieses Gütesiegel des vertrauenswürdigsten Moderators des Fernsehens trug maßgeblich dazu bei, den umstrittenen Rock’n’Roller für das amerikanische Mainstream-Publikum akzeptabel zu machen.
Das zweite seismische Ereignis war das amerikanische Debüt der Beatles. Der Dokumentarfilm beschreibt, wie Sullivans internationales Talent-Scouting-Netzwerk ihn Monate vor ihrer Bekanntheit in den Vereinigten Staaten zur Band führte. Ihr erster Auftritt am 9. Februar 1964 wurde mit 73 Millionen Zuschauern zum meistgesehenen Ereignis in der damaligen Fernsehgeschichte. Der Film präsentiert diesen Moment als mehr als nur ein musikalisches Debüt; es war der offizielle Start der Britischen Invasion und ein prägender kultureller Meilenstein für eine ganze Generation, der einer Nation, die nach der Ermordung von Präsident Kennedy noch trauerte, einen dringend benötigten Schub jugendlicher Energie verlieh. Als die Band mit „All My Loving“, „Till There Was You“ und „She Loves You“ loslegte, half die Show, ihre Identität für ihr neues amerikanisches Publikum zu formen, mit Details wie den Bildschirmeinblendungen, die jedes Mitglied identifizierten, einschließlich des spielerischen „SORRY GIRLS, HE’S MARRIED“ für John Lennon. Indem er diese ikonischen, bekannten Geschichten neben die nachhaltige, jahrzehntelange Förderung schwarzer Künstler stellt, macht der Film ein starkes implizites Argument. Er legt nahe, dass, während sich jeder daran erinnert, wo er war, als die Beatles spielten, die leisere, aber hartnäckigere Revolution, die Sullivan im Namen der Rassengleichheit führte, ein ebenso, wenn nicht sogar wichtigerer Teil seines Vermächtnisses war.
Ein kompliziertes Vermächtnis
Sunday Best vermeidet eine einfache Hagiographie und zeichnet ein nuanciertes Porträt eines komplexen und oft widersprüchlichen Mannes. Während er in Rassenfragen progressiv war, war Sullivan auch ein autoritärer Produzent, der seine Show mit „eisernem Willen“ leitete und für seine legendären Fehden bekannt war. Der Dokumentarfilm scheut nicht vor seinen berühmten Auseinandersetzungen mit Künstlern zurück, die seine Kontrolle oder seine konservativen Ansichten in Frage stellten. Er verbannte bekanntermaßen den Rock’n’Roll-Pionier Bo Diddley, nachdem der Gitarrist, der gebeten worden war, Tennessee Ernie Fords „Sixteen Tons“ zu spielen, stattdessen seinen eigenen Hit „Bo Diddley“ spielte. The Doors wurden verbannt, nachdem Jim Morrison, obwohl er zuvor zugestimmt hatte, einen Text in „Light My Fire“ zu ändern, die ursprüngliche Zeile „girl, we couldn’t get much higher“ live sang. The Rolling Stones wurden gezwungen, „let’s spend some time together“ anstelle von „let’s spend the night together“ zu singen, wobei Mick Jagger aus Protest mit den Augen zur Kamera rollte. Und Bob Dylan verließ das Set vor seinem Auftritt, als ein CBS-Manager ihm sagte, er könne seine politisch aufgeladene Satire „Talkin’ John Birch Paranoid Blues“ nicht singen. Sogar Buddy Holly zog Sullivans Zorn auf sich, als er darauf bestand, gegen den Wunsch des Gastgebers „Oh Boy“ zu spielen, was dazu führte, dass Sullivan seinen Namen in der Sendung falsch aussprach und sein Gitarrenverstärker leiser gedreht wurde.
Darüber hinaus erkennt der Film an, dass Sullivans Progressivität ihre Grenzen hatte. Derselbe Mann, der sich rassistischen Sponsoren widersetzte, kapitulierte auch vor dem antikommunistischen Druck der schwarzen Liste von Red Channels und denunzierte Künstler mit angeblichen linken Sympathien. Dies steht in krassem Gegensatz zu seiner unerschütterlichen Loyalität zu Harry Belafonte, den er auch dann noch unterstützte, als dieser auf der schwarzen Liste stand. Diese Widersprüche offenbaren einen Mann, der ein Progressiver war, der in einem zutiefst konservativen Rahmen arbeitete. Sein Kampf für Rassengleichheit und seine Intoleranz gegenüber der weißen Rock-Gegenkultur mögen aus derselben Quelle stammen: dem Glauben an eine bestimmte Vision eines geordneten, patriotischen Amerikas. Er sah die Rassenintegration als moralischen Imperativ, der notwendig war, um das Versprechen der Nation zu erfüllen, während er die Rebellion, die Drogenbezüge und den Antiautoritarismus einer späteren Künstlergeneration als Bedrohung für dasselbe Ideal ansah. Er war ein Mann, der mutig eine der wichtigsten sozialen Regeln seiner Zeit brach, während er viele andere vehement durchsetzte.
Eine abschließende Bewertung
Am Ende erreicht Sacha Jenkins‘ Sunday Best sein ehrgeiziges Ziel. Es rahmt einen kulturellen Monolithen überzeugend neu und fordert eine neue Generation von Zuschauern auf, über die unbeholfene Haltung und die berühmt steife Darbietung hinauszuschauen, um das Herz eines stillen Revolutionärs zu sehen. Der größte Beitrag des Dokumentarfilms ist seine eindrucksvolle Darstellung der Fähigkeit des Fernsehens, sozialen Wandel zu normalisieren. Er argumentiert, dass Sullivans nachhaltigstes Vermächtnis nicht nur in den unzähligen Stars liegt, die er der Welt vorstellte, sondern auch in den tiefgreifenden sozialen Barrieren, die er half zu durchbrechen. 23 Jahre lang nutzte er seine „wirklich große Show“, um einer Nation, die alles andere als das war, eine integrierte, harmonische Vision von Amerika zu präsentieren. Dabei verfocht er eine einfache, aber radikale Idee: dass Talent, Würde und Genie keine Hautfarbe kennen.
Der 90-minütige Dokumentarfilm feierte im Jahr 2025 auf Netflix Premiere.
