In der manchmal gesättigten Welt des Filmmusicals tragen nur wenige Produktionen eine so große Verantwortung wie diese Adaption des Werks von Gregory Maguire und Stephen Schwartz. Was als literarische Neudeutung des berühmtesten Bösewichts Amerikas begann, ist nach jahrzehntelangem Erfolg zu mehr als nur Unterhaltung geworden: Es ist ein Gespräch über Moral, Ruhm und die zersetzende Wirkung von Macht.
Wenn der erste Teil uns einlud, der Schwerkraft zu trotzen, verspricht dieser Abschluss etwas Idischeres und Viszeraleres: eine endgültige Erkundung dessen, was es bedeutet, für immer verändert zu werden. Unter dem Titel Wicked: Teil 2 ist der Film keine einfache Fortsetzung, die lose Enden verknüpft. Er ist die Einlösung eines narrativen Versprechens, das Jahre gebraucht hat, um in dem Maßstab, den es verdient, auf die Leinwand zu kommen. Beim Eintauchen in diese Produktion finden wir ein faszinierendes Ökosystem, in dem weibliche Freundschaft, künstlerische Integrität und die rechtlichen Kuriositäten des alten Hollywoods aufeinandertreffen, um den gelben Ziegelsteinweg einmal mehr neu zu definieren.
Die Semantik des Abschieds: Von „For Good“ zu „Teil 2“
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Der ursprüngliche englische Titel, Wicked: For Good, war keine Marketinglaune. Regisseur Jon M. Chu und sein Team wählten ihn als Grundsatzerklärung. „For Good“ bezieht sich direkt auf eines der ikonischsten und zu Tränen rührendsten Duette des Musiktheaters: das Abschiedslied der Protagonistinnen. Darüber hinaus ist es ein unübersetzbares Wortspiel, das den Subtext bereichert: „For Good“ bedeutet im Englischen sowohl „für immer“ (eine unumkehrbare Veränderung) als auch „zum Guten“ (eine wohlwollende Absicht). Auch wenn wir ihn Teil 2 nennen, strebt der Film danach, eine Einheit mit eigener Identität zu sein, ein Erlebnis, das für sich selbst steht und verspricht, einen unauslöschlichen Eindruck zu hinterlassen.
Die alchemistische Chemie: Cynthia und Ariana
Wenn es ein Herz gibt, das unter den visuellen Effekten und Kostümen schlägt, dann ist es die elektrische Verbindung zwischen Cynthia Erivo (Elphaba) und Ariana Grande (Glinda). Der Film hängt davon ab, dass sich ihre Bindung echt anfühlt. Glücklicherweise übertraf das, was am Set geschah, die Fiktion: Sie schmiedeten eine Schwesternschaft, die zum Motor der gesamten Dreharbeiten wurde.
Verwundbarkeit und Live-Gesang
Cynthia Erivo beschrieb die Arbeit mit Grande als eine „zweispurige Straße“, die auf Großzügigkeit basierte. Es gab keine erzwungenen Proben, um Chemie zu erzeugen; der „Klick“ war sofort da. Erivo erzählt, wie Ariana sie vor den Dreharbeiten zu Hause besuchte, einfach um über das Leben zu sprechen, und so die Vertrauensbasis schuf, die für das Kommende notwendig war.
Und dieses Vertrauen war lebenswichtig. Im Gegensatz zu fast allen modernen Musicals, bei denen Playback über im Studio aufgenommene Spuren gelegt wird, bestand der Regisseur auf radikaler Authentizität: Live-Gesang am Set. Erivo erklärt, dass Singen ein extrem verletzlicher Akt ist, ein Sprung ins Leere ohne das Sicherheitsnetz der Postproduktion. Um dies zu erreichen, schlossen sie einen Pakt: aufeinander aufzupassen und den kreativen Raum der anderen zu schützen.
Das verändert, was wir auf der Leinwand sehen. Wenn die Charaktere nach Luft ringen oder emotional zusammenbrechen, spiegelt ihre Stimme diese reale körperliche Anstrengung wider. Ariana Grande, berühmt für ihre Pop-Präzision, erlaubte sich Unvollkommenheit und ließ ihre Stimme zittern oder brechen, wenn der Moment es erforderte.
Das emotionale Gewicht des Abschieds
Der Höhepunkt dieser Zusammenarbeit wurde bei den Dreharbeiten zur Musiknummer „For Good“ erreicht. Berichten zufolge war es kein gewöhnlicher Drehtag; es war eine Katharsis. Grande gestand, dass sie aufgrund der Intensität der Geschichte fast täglich weinten, aber dieses Lied war niederschmetternd.
Als sie diese Szene drehten, spielten sie nicht mehr. Sie hatten die Entwicklung ihrer Charaktere durchlebt und verstanden zutiefst, was sie zurückließen. Es war nicht nur Gesangstechnik; es war das Ergebnis von Monaten gemeinsamen Wachstums. Die technische Crew, die normalerweise ziemlich stoisch ist, hatte am Ende Tränen in den Augen. Um dies zu besiegeln, ließen sich die Schauspielerinnen passende Tattoos auf ihre Hände stechen: eine Mohnblume und den Schriftzug „For Good“. Eine dauerhafte Erinnerung daran, dass sie, wie das Lied sagt, durch die andere zum Guten verändert wurden.
Lachen unter Tränen
Aber es war nicht alles Drama. Am Set gab es auch viel Menschlichkeit und lustige Momente. Eine großartige Anekdote handelt von Glindas berühmtem Blasenkleid und einer Parfümflasche, die mitten in einer Aufnahme ein quietschendes Geräusch machte und Ariana in einen Lachanfall versetzte, der alle ansteckte. Oder Jonathan Bailey (Prinz Fiyero), der in einer Szene maximaler romantischer Spannung ein „Missgeschick mit einer Blume“ hatte, das die Aufnahme ruinierte, aber die Atmosphäre entspannte. Diese virale Freundschaft zeigt sich sogar in Interviews, in denen eine einfache Geste von Ariana, die Cynthias Hand hält, zu einem Meme emotionaler Unterstützung wird.
Ein dunkleres und realistischeres Oz
Visuell entfernt sich Wicked: Teil 2 vom gesättigten Glanz der klassischen Fantasie und betritt ein düstereres, reiferes Terrain. Jon M. Chu war deutlich: Wenn es im ersten Teil um Wunder und Entdeckung ging, geht es hier um Konsequenzen und Widerstand.
Der Einfluss der Dystopie
Chu zitiert Einflüsse wie Die Truman Show, um diesen Wandel zu erklären. Oz hört auf, ein Paradies zu sein, und entpuppt sich als Polizeistaat, in dem Propaganda herrscht. Die Ästhetik spiegelt dieses Erwachen wider: Als die Charaktere die Wahrheit hinter dem Zauberer erkennen, verschwindet der künstliche Glanz. Die Kulissen wurden so entworfen, dass sie „an der Grenze zum Wahnsinn“ stehen und die Schönheit des Jugendstils mit einem Gefühl von Schwere und drückender Realität vermischen.
Greifbare Magie
In einer Ära der Green-Screens setzte man hier auf das Greifbare. Tausende von echten Tulpen wurden gepflanzt und massive physische Sets gebaut. Die Idee ist, die Magie in der Physik zu verankern; wenn Elphaba fliegt, reagiert die Umgebung wirklich. Cynthia Erivo führte viele ihrer Stunts selbst durch, einschließlich einer Fluchtsequenz mit einem Flaschenzugsystem, das reine Körperkraft erforderte. Magie hat hier einen sichtbaren Preis und erfordert Anstrengung.
Das Rätsel um Dorothy und die silbernen Schuhe
Hier kommt ein faszinierendes Detail für Cinephile ins Spiel: Der Film geht mit der Verbindung zu Der Zauberer von Oz (1939) und dem Originalroman mit viel Intelligenz und Respekt vor dem Urheberrecht um.
Zurück zum literarischen Ursprung
Wer die berühmten roten Rubinschuhe erwartet, wird überrascht sein: Sie sind silbern. Das ist kein Fehler, sondern eine historische Korrektur und eine rechtliche Notwendigkeit. Im Roman von 1900 waren die Schuhe silbern. Es war der MGM-Film von 1939, der sie für das Technicolor-Verfahren rot färbte. Da die „Rubinschuhe“ Eigentum von Warner Bros. sind (und dies ein Film von Universal ist), konnten sie nicht verwendet werden.
Aber das Team machte aus dieser Einschränkung eine Tugend. Durch die Verwendung der silbernen Schuhe orientieren sie sich am Buch und am Broadway-Musical. Darüber hinaus sind diese Schuhe in der Handlung von Wicked: Teil 2 ein Familienerbstück von Elphabas und Nessaroses Mutter, was ihnen eine emotionale Ladung verleiht, die über ein bloßes magisches Objekt hinausgeht.
Das Mädchen ohne Gesicht
Eine weitere mutige Entscheidung betrifft den Umgang mit Dorothy. Obwohl sie das Ende der Geschichte auslöst, bleibt sie im Film eine periphere, fast „gesichtslose“ Figur. Wir werden weder ihre Nahaufnahmen noch ihre innere Reise sehen. Die Kamera bleibt Elphaba und Glinda treu. Indem Dorothy von hinten oder aus der Ferne gezeigt wird, schützt der Film das ikonische Bild, das wir von ihr haben, betont aber, dass diese Geschichte nicht ihr gehört. Es ist eine elegante Entscheidung: Diesmal hat die Hexe das Mikrofon, nicht das Mädchen, das sie getötet hat.
Neue Klänge für eine alte Welt
Stephen Schwartz, der Originalkomponist, ist zurückgekehrt, um das klangliche Universum zu erweitern und sicherzustellen, dass der Sprung auf die Leinwand seine Existenz mit neuem Material rechtfertigt.
„The Girl in the Bubble“ und „No Place Like Home“
Zwei neue Lieder, die nicht im Musical vorkommen, wurden hinzugefügt. „The Girl in the Bubble“ (Das Mädchen in der Blase), gesungen von Ariana Grande, erkundet die Einsamkeit des Ruhms. Während Oz sie verehrt, zeigt das Lied die Isolation, in einer Blase der Perfektion zu leben, unfähig, wirklich eine Verbindung herzustellen.
„No Place Like Home“ (Nirgendwo ist es wie zu Hause), gesungen von Cynthia Erivo. Der Titel ist eine brillante Ironie auf Dorothys berühmten Satz. Aus Elphabas Mund spricht er vom Schmerz des Exils und dem Gefühl, im eigenen Land keine Zugehörigkeit zu finden. Sie sind kein Füllmaterial; das Kino erlaubt es, sich der Stille und der Introspektion auf eine Weise zu nähern, die das Theater manchmal nicht zulässt, und diese Lieder füllen diese emotionalen Räume.
Eine Luxusbesetzung
Über die Protagonistinnen hinaus sorgt die Nebenbesetzung für entscheidende Nuancen. Michelle Yeoh (Madame Morrible) wird finsterer und setzt die Meteorologie als politische Waffe ein. Jeff Goldblum (der Zauberer) bietet uns eine Mischung aus Charisma und Pathos und zeigt einen mittelmäßigen Mann, der panische Angst hat, seine Macht zu verlieren. Jonathan Bailey (Fiyero) vervollständigt das emotionale Dreieck mit einer tragischen Verwandlung, die schmerzhaft mit der Mythologie der Vogelscheuche verbunden ist. Und Ethan Slater (Boq) hat einen Handlungsbogen, der den Grundstein für seine Zukunft als Blechmann legt, mit subtilen Details wie seiner leichten Weinerlichkeit, die sein rostiges Schicksal vorwegnehmen.
Die Handlung: Vom Ruhm ins Exil
Wicked: Teil 2 knüpft genau dort an, wo der letzte Teil endete, aber alles hat sich geändert. Elphaba lebt im Exil, dämonisiert als die „Böse Hexe“, und kämpft aus dem Verborgenen. Glinda hingegen ist das glamouröse Symbol des Regimes in der Smaragdstadt, bereitet sich auf ihre Hochzeit mit Fiyero vor, ist aber in einem goldenen Käfig gefangen, der von Morrible entworfen wurde, um die Massen abzulenken.
Der Konflikt bricht aus, als Glinda versucht, einen unmöglichen Frieden zwischen ihrer Freundin und dem Zauberer auszuhandeln. Es ist eine Erzählung, die den persönlichen Preis des Aktivismus gegen den moralischen Preis der Komplizenschaft abwägt.
Eine gefeierte und einfallsreiche Neugestaltung der Welt von Oz
Was Wicked: Teil 2 so faszinierend macht, ist nicht nur das Ende – ein Ende, das die meisten von uns aus der Popkultur kennen –, sondern wie es den Anfang mit neuer Bedeutung auflädt. Am Ende des Abspanns steht das Versprechen, dass wir Der Zauberer von Oz nie wieder mit denselben Augen sehen werden. Die böse Hexe ist kein flaches Monster mehr, sondern eine tragische Aktivistin; die gute Hexe ist keine makellose Retterin, sondern eine politische Überlebende, die ihre Wahrheit geopfert hat, um den Frieden zu wahren.
Die Produktion war akribisch darauf bedacht, den Geist des Werkes nicht zu verraten, aber mutig genug, es zu erweitern. Von der Aufteilung der Geschichte in zwei Teile, um die Entwicklung nicht zu opfern, bis hin zur Forderung nach Live-Gesang, um die rohe Emotion einzufangen. Es ist ein Projekt, das Broadway ehrt, aber das Kino nutzt, um darüber hinauszugehen.
Der Weg war lang, geprägt von Streiks und jahrelanger Entwicklung. Aber das Warten hat ein Ende. Wicked: Teil 2 kommt am 21. November in die US-Kinos, mit einem gestaffelten internationalen Start. Es ist Zeit zu fliegen, nicht auf Besen, sondern in einer Geschichte, die uns daran erinnert, dass man manchmal, um Gutes zu tun, bereit sein muss, böse genannt zu werden.
