Die Tate Britain präsentiert „Die 80er: Großbritannien fotografieren“, eine bedeutende Ausstellung, die das Jahrzehnt als einen Wendepunkt für die Fotografie betrachtet. Die Ausstellung vereint fast 350 Bilder und Archivmaterialien aus dieser Zeit und untersucht, wie Fotografen die Kamera nutzten, um auf die tiefgreifenden sozialen, politischen und wirtschaftlichen Veränderungen um sie herum zu reagieren. Durch ihre Linsen betrachtet die Ausstellung, wie das Medium zu einem Werkzeug für soziale Repräsentation, kulturelle Feier und künstlerischen Ausdruck in dieser wichtigen und höchst kreativen Periode der Fotografie wurde.
Diese Ausstellung ist die bisher größte, die die Entwicklung der Fotografie im Vereinigten Königreich in den 1980er Jahren untersucht. Mit über 70 fotografiebasierten Künstlern und Kollektiven beleuchtet sie eine Generation, die sich mit neuen Ideen der fotografischen Praxis auseinandersetzte, von bekannten Namen bis hin zu jenen, deren Arbeit zunehmend Anerkennung findet, darunter Maud Sulter, Mumtaz Karimjee und Mitra Tabrizian. Sie zeigt Bilder aus ganz Großbritannien, von John Davies‘ post-industriellen Landschaften bis zu Tish Murthas Porträts der Jugendarbeitslosigkeit in Newcastle. Wichtige Entwicklungen werden erforscht, von technischen Fortschritten in der Farbfotografie bis hin zum Einfluss der Kulturtheorie durch Gelehrte wie Stuart Hall und Victor Burgin sowie einflussreiche Publikationen wie Ten.8 und Camerawork, in denen neue Debatten über Fotografie entstanden.
Die 80er Jahre stellen Thatchers Großbritannien durch dokumentarische Fotografie vor, die einige der turbulenten politischen Ereignisse des Jahrzehnts veranschaulicht. Die Geschichte wird mit eindrucksvollen Bildern der Bergarbeiterstreiks von John Harris und Brenda Prince zum Leben erweckt; Anti-Rassismus-Demonstrationen von Syd Shelton und Paul Trevor; Bilder von Greenham Common von Format Photographers und Projekte, die auf den Konflikt in Nordirland durch Willie Doherty und Paul Seawright reagieren. Fotografie, die ein sich veränderndes Großbritannien und seine wachsenden Ungleichheiten dokumentiert, wird ebenfalls präsentiert, darunter Anna Fox‘ Bilder von Unternehmensüberfluss, Paul Grahams Beobachtungen von Sozialämtern und Martin Parrs absurdistische Darstellungen des Mittelenglands, die neben Markéta Luskačová und Don McCullins Porträts des verschwindenden East Ends von London und Chris Killips flüchtigen ‚Sea-Coalern‘ in Northumberland gezeigt werden.
Eine Reihe thematischer Ausstellungen untersucht, wie Fotografie zu einem überzeugenden Mittel der Repräsentation wurde. Für Roy Mehta, Zak Ové und Vanley Burke, die ihre multikulturellen Gemeinschaften porträtieren, bietet die Fotografie eine Stimme für die Menschen um sie herum, während John Reardon, Derek Bishton und Brian Homers Handsworth Self Portrait Project 1979 einer Gemeinschaft einen freudigen Raum zur Selbstdarstellung gibt. Viele schwarze und südasiatische Fotografen nutzen Porträts, um Marginalisierung vor dem Hintergrund von Diskriminierung zu überwinden. Die Ausstellung beleuchtet fotografiebasierte Künstler wie Roshini Kempadoo, Sutapa Biswas und Al-An deSouza, die mit Bildern experimentieren, um über diasporische Identitäten nachzudenken, und Künstlerinnen wie Joy Gregory und Maxine Walker, die Selbstporträts verwenden, um Ideen von schwarzer Schönheit und Weiblichkeit zu feiern.
Vor dem Hintergrund von Section 28 und der AIDS-Epidemie nutzen Fotografen die Kamera auch, um die Präsenz und Sichtbarkeit der LGBTQ+ Gemeinschaft zu behaupten. Tessa Boffin stellt literarische Figuren subversiv als Lesben dar, während Sunil Guptas ‘Pretended’ Family Relationships 1988 Porträts queerer Paare den legislativen Formulierungen von Section 28 gegenüberstellt. Für einige Künstler dient ihre Arbeit der Rückgewinnung von Sex-Positivität in einer Zeit der Angst. Die Ausstellung beleuchtet Fotografen wie Ajamu X, Lyle Ashton Harris und Rotimi Fani-Kayode, die schwarze queere Erfahrungen ins Zentrum stellen und Stereotypen durch kraftvolle Aktstudien und intime Porträts herausfordern. Sie zeigt auch, wie Fotografen außerhalb der queeren Gemeinschaft, darunter Grace Lau, eingeladen wurden, sie darzustellen. Lau, bekannt für die Dokumentation fetischistischer Subkulturen, hält in ihrer Serie Him and Her at Home 1986 und Series Interiors 1986 liebevoll Mitglieder dieser Gemeinschaft fest, die trotz aller Widrigkeiten weiterhin existieren.
Die Ausstellung endet mit einer Reihe von Werken, die gegenkulturelle Bewegungen in den 80ern feiern, wie die energetische Dokumentation von Underground-Performances und Clubkultur durch Ingrid Pollard und Franklyn Rodgers. Die Ausstellung beleuchtet das Aufkommen des i-D Magazins und dessen Einfluss auf eine neue Generation von Fotografen wie Wolfgang Tillmans und Jason Evans, die zusammen mit dem Stylisten Simon Foxton einen bahnbrechenden Stil der Modefotografie entwickeln, inspiriert von dieser alternativen und aufregenden Welle der Jugendkultur, die eine neue Vision Großbritanniens am Beginn der 1990er Jahre widerspiegelt.
