Die lang erwartete Adaption des argentinischen Comics aus den Fünfzigerjahren ist da. Ein Werk, das, wie wir sehen werden, ein politisches Symbol ist, hinter dem eine ganze Geschichte steckt. Zudem lohnt sich die Netflix-Adaption. Ganz im Einklang mit den jüngsten Literaturverfilmungen für Streamingdienste, die keineswegs enttäuschten, ist „Eternauta“ eine großartige Serie, die zudem eine unglaubliche menschliche Geschichte von großem internationalem Einfluss wieder aufgreift.
Glauben Sie, Serien über die Apokalypse seien ein neues Phänomen? Wie wir sehen werden, war der argentinische Comic, auf dem die Serie basiert, ein absolut wegweisendes Werk, das ein weltweites Phänomen auslöste.
Es beginnt mit einer Unmöglichkeit: Schnee fällt in einer Sommernacht in Buenos Aires. Aber es ist kein sanfter Schneefall. Er ist leise, schnell und tödlich. Alles, was er berührt – Mensch, Tier, Pflanze – stirbt sofort. Innerhalb weniger Stunden verwandelt sich die pulsierende argentinische Hauptstadt in einen schneebedeckten Friedhof, Millionen sind tot, die wenigen Überlebenden sind isoliert, verängstigt und von einer Welt abgeschnitten, die unter der giftigen weißen Decke verschwunden ist. Dieses erschreckende Szenario markiert den Beginn von „Eternauta“, der ambitionierten neuen Science-Fiction-Serie von Netflix, die am 30. April 2025 weltweit Premiere feiern wird.
Mit Ricardo Darín in der Hauptrolle als Juan Salvo – einem gewöhnlichen Mann, der zu einem außergewöhnlichen Kampf gezwungen wird – stellt die erste Staffel mit sechs Episoden ein bedeutendes Unterfangen für den Streaming-Giganten dar. Es ist die erste Verfilmung von „Eternauta“, der Graphic Novel von 1957 des Autors Héctor Germán Oesterheld und des Zeichners Francisco Solano López, ein Werk, das tief im kulturellen und politischen Bewusstsein Argentiniens verwurzelt ist.
Der Comic: Eine Legende in Argentinien
Vor der hochbudgetierten Netflix-Serie, vor der globalen Erwartung, gab es den Comicstrip. „Eternauta“ erschien erstmals wöchentlich zwischen 1957 und 1959 in der argentinischen Zeitschrift Hora Cero Semanal. Geschrieben von Héctor Germán Oesterheld mit den rohen, eindrucksvollen Zeichnungen von Francisco Solano López, fesselte die 350-seitige Erzählung die Leser mit ihrer Geschichte vom verzweifelten Kampf der Menschheit gegen eine mysteriöse außerirdische Invasion. Die Geschichte entfaltet sich aus der Sicht von Juan Salvo, anfangs nur ein Mann, der mit Freunden in seinem Vorstadthaus in Buenos Aires Truco (ein beliebtes Kartenspiel) spielt, als der tödliche Schnee beginnt. Er, seine Familie und Freunde werden zu widerwilligen Überlebenden, gezwungen, Schutz zu improvisieren und sich in die nun feindliche Stadt hinauszuwagen.
Schnell für seine Qualität und Tiefe anerkannt, transzendierte „Eternauta“ das Medium und wurde wohl zum wichtigsten und einflussreichsten Comic der argentinischen Geschichte, dessen Wirkung im gesamten spanischsprachigen Raum nachhallte. Seine anhaltende Kraft liegt nicht nur in seiner spannenden Handlung, sondern auch in seinen reichen thematischen Schichten und seiner unverwechselbar argentinischen Perspektive. Trotz seines spezifischen Schauplatzes – den wiedererkennbaren Straßen und Orten von Buenos Aires – erreichte die Geschichte durch ihre zutiefst menschlichen Charaktere und zeitlosen Themen wie Überleben, Solidarität und Widerstand eine universelle Anziehungskraft.
Oesterheld selbst formulierte ein Schlüsselthema: Der wahre Held von „Eternauta“ ist kein Individuum, sondern das Kollektiv. Dieser Fokus auf das Überleben der Gruppe und die gemeinschaftliche Anstrengung war eine bewusste Entscheidung, die das Werk gegen den vorherrschenden „rauen Individualismus“ positionierte, der oft in der amerikanischen Popkultur der damaligen Zeit gefeiert wurde. Die Erzählung zeigt, wie gewöhnliche Menschen – der pragmatische Intellektuelle Favalli, der lebensfrohe Arbeiter Franco, der Durchschnittsmann Salvo – zusammenkommen müssen, Ressourcen und Mut bündeln, interne Verdächtigungen und externe Bedrohungen meistern, um zu überleben. Diese Betonung des Kollektivs war nicht nur ein erzählerisches Mittel; sie spiegelte eine spezifische politische und philosophische Haltung wider, eine Gegenkultur-Erklärung, die die Gemeinschaft über das einsame Heldentum stellte, entstanden in einer Nation, die sich oft am Rande der globalen Macht fühlte.
Darüber hinaus ist „Eternauta“ von politischer Allegorie durchdrungen. Die Invasoren bleiben größtenteils unsichtbar, Meister, die nur als die „Sie“ bezeichnet werden. Sie operieren durch Vermittler – versklavte außerirdische Rassen wie die insektoiden „Cascarudos“ oder die tragischen „Manos“, Wesen, deren eigene Hände tödliche Technologie kontrollieren, die aber aus Angst handeln. Diese Hierarchie wurde weithin als Metapher für Imperialismus interpretiert – die verborgene Hand globaler Mächte, die Klientelstaaten oder Fraktionen manipuliert – und im Laufe der Zeit zunehmend als Kritik an Argentiniens eigenen Zyklen politischer Instabilität und Militärdiktaturen. Oesterhelds Konzept des Imperialismus war breit gefächert und umfasste jede Unterwerfung durch ungleiche Kräfte auf der Grundlage von Ausbeutung. Spätere Remakes und Fortsetzungen würden diese politischen Dimensionen noch expliziter machen.
Seine Bildsprache, insbesondere die improvisierten Schutzanzüge mit ihren multiplen Visieren, wurde ikonisch. Diese Anzüge, aus der Notwendigkeit innerhalb der Geschichte geboren, verwandelten sich in eine starke visuelle Metapher, die häufig in der Straßenkunst von Buenos Aires zu sehen ist und Überleben, Entfremdung, Unterdrückung und Menschlichkeit inmitten des Todes darstellt.
Vom Panel zum Bildschirm: Eine Klassiker-Neuinterpretation
Die Adaption eines so verehrten und komplexen Werkes für die Leinwand stellt erhebliche Herausforderungen dar. Mit dieser Verantwortung betraut ist Regisseur und Schöpfer Bruno Stagnaro, eine angesehene Persönlichkeit des argentinischen Kinos, bekannt für rohe, realistische Darstellungen des argentinischen Lebens in Filmen wie Pizza, birra, faso und der einflussreichen Fernsehserie Okupas.
In Zusammenarbeit mit Co-Autor Ariel Staltari traf Stagnaro mehrere Schlüsselentscheidungen, um den Comicstrip aus den 50er Jahren in eine Fernsehserie für das Jahr 2025 zu übersetzen.
- Zeitgenössisches Setting: Die bedeutendste Änderung ist die Aktualisierung der Zeitlinie von den späten 50er Jahren in die Gegenwart. Stagnaro erklärte, diese Wahl sei getroffen worden, um das starke Gefühl der Unmittelbarkeit des Originals für ein modernes Publikum zu bewahren. Ziel war es, dass die Stadt für heutige Zuschauer als „lebendige Präsenz“ erkennbar ist und sicherzustellen, dass sich die Katastrophe unmittelbar und geerdet anfühlt, so wie sie es für die Leser 1957 tat.
- Ein älterer Juan Salvo: Die Besetzung des 68-jährigen (zum Zeitpunkt der Dreharbeiten) Ricardo Darín verändert den Protagonisten grundlegend. Der ursprüngliche Salvo war jünger, physisch stärker durch die unmittelbare Notwendigkeit zu handeln definiert. Daríns Salvo wird als „reifere Persönlichkeit“ konzipiert, die sich auf Erfahrung, Erinnerung und vielleicht verdrängtes Trauma stützt. Stagnaro hatte anfangs Bedenken, einen älteren Schauspieler für eine so körperlich anspruchsvolle Rolle zu besetzen, ergriff aber die Gelegenheit, „die Verletzlichkeit eines Mannes zu erforschen, der vor unmöglichen Entscheidungen steht“, jemand, der kein typischer Actionheld ist, aber „alte Instinkte“ wiederentdecken und Gewalt als letztes Mittel neu erlernen muss. Dieses Altern des Helden führt potenziell neue Themen wie Vermächtnis, Bedauern und das Gewicht der Vergangenheit ein, die das gegenwärtige Handeln beeinflussen – eine Abweichung vom Fokus des Originals auf den rohen, unmittelbaren Überlebensinstinkt.
- Episodische Struktur: Die Übersetzung der serialisierten, oft „flüchtigen“ wöchentlichen Fortsetzungen des Originals in sechs einstündige Episoden erforderte eine sorgfältige narrative Konstruktion. Executive Producer Matías Mosteirín bemerkte, dass ein episodisches Format notwendig sei, um „der Tiefe und dem Umfang“ von Oesterhelds Schöpfung gerecht zu werden.
Entscheidend war, dass am Adaptionsprozess Martín M. Oesterheld, Héctors Enkel, als kreativer Berater beteiligt war. Seine Beteiligung sollte die Treue zum zentralen Geist des Werkes seines Großvaters sicherstellen, insbesondere die Betonung des kollektiven Helden („niemand rettet sich allein“). Die Familie Oesterheld stellte zwei Hauptbedingungen für die Adaption: Sie muss in Buenos Aires gedreht werden und auf Spanisch gesprochen sein, um ihre wesentliche argentinische Identität zu bewahren.
Das erklärte Ziel, so Stagnaro, sei es, „dem Geist des Comics treu zu bleiben, aber mit einer Linse, die auf das zeitgenössische Publikum abgestimmt ist“. Dies beinhaltet die Vertiefung der sozialen und politischen Resonanz des Originals bei gleichzeitiger Schaffung einer eigenständigen argentinischen Sprache für Science-Fiction, anstatt nur globale Trends zu imitieren. Stagnaros eigener Hintergrund, geprägt von einem Fokus auf argentinischen Sozialrealismus und oft marginalisierte Charaktere, legt einen Ansatz nahe, der wahrscheinlich die geerdete, einfallsreiche, fast „improvisierte“ Natur des im Comic dargestellten Überlebens priorisieren wird, um seine einzigartige kulturelle Textur auch inmitten einer Großproduktion zu bewahren.
Die Apokalypse erschaffen: Hinter den Kulissen der Netflix-Adaption
Die Dreharbeiten erstreckten sich von Mai bis Dezember 2023, ein Zeitraum von 148 Drehtagen. Die Produktion nutzte über 35 reale Drehorte in Buenos Aires und verankerte die Handlung fest in der wiedererkennbaren Landschaft der Stadt – einschließlich Gebieten wie der Ringautobahn Avenida General Paz und Stadtteilen wie Monserrat und Núñez –, wodurch die Stadt selbst wie eine Figur wirkt, eine „lebendige Präsenz“, wie von Stagnaro beabsichtigt. Diese umfangreiche Arbeit an Originalschauplätzen wurde durch den Einsatz von über 25 virtuellen Produktionssets ergänzt.
Fortschrittliche Technologie spielte eine entscheidende Rolle. Die Produktion setzte modernste Virtual Production (VP)-Techniken ein, unter Verwendung der Unreal Engine und massiver LED-Bildschirme. Große Teile von Buenos Aires wurden digital gescannt und nachgebildet, was es dem Team ermöglichte, realistische und steuerbare Hintergründe am Set zu projizieren. Dies ermöglichte die Dreharbeiten komplexer Außenszenen, insbesondere solcher, die den allgegenwärtigen tödlichen Schnee darstellen, mit größerer Flexibilität und Realismus, während es der Produktion gleichzeitig entscheidend ermöglichte, die Kontrolle über die digitale Umgebung lokal zu behalten und sicherzustellen, dass die spezifische argentinische „Identität und Realismus“ nicht in generischen, vorgefertigten Assets aus dem Ausland verloren ging. Diese starke Abhängigkeit von Technologie birgt jedoch eine kreative Spannung: das Gleichgewicht zwischen der Notwendigkeit globaler Produktionsstandards und überzeugender Effekte und dem Wunsch, den rohen, einfallsreichen, „improvisierten“ Geist einzufangen, der sowohl für den Originalcomic als auch für Stagnaros erklärte Vision zentral ist.
Die Arbeit der Szenenbildabteilung unter der Leitung von María Battaglia und Julián Romera war wesentlich für die Etablierung der unheimlichen, schneebedeckten Ästhetik der Serie. Sie recherchierten Hochgebirgsumgebungen und verschiedene künstlerische Darstellungen von Schnee, um den gewünschten Ton zu treffen, wobei sie den Originalcomic als Leitfaden betrachteten. Die Erzeugung des tödlichen Schneefalls selbst erforderte Innovation, indem fünf verschiedene Arten von Kunstschnee entwickelt wurden – unter Verwendung von Materialien von Kochsalz bis zu getrocknetem Schaumseife – für verschiedene praktische Effekte.
Die Serie wird von K&S Films produziert, einer renommierten argentinischen Firma mit einer Erfolgsbilanz international gefeierter Filme wie Wild Tales – Jeder dreht mal durch! (Relatos Salvajes) und El Clan, was die hohen künstlerischen Ambitionen des Projekts weiter unterstreicht. Produzent Matías Mosteirín betonte die tiefe Verbindung der Geschichte zur argentinischen Identität und dem nationalen Merkmal des ‚Aguante‘ (Widerstandsfähigkeit) und hob Themen wie Loyalität und Freundschaft inmitten von Tragödie und Abenteuer hervor.
Der Umfang und die Ambition von „Eternauta“ haben eine Bedeutung, die über den Bildschirm hinausgeht. Als Vorzeigeprojekt für Argentinien und Lateinamerika positioniert, entsteht seine Produktion vor dem Hintergrund einer nationalen Debatte über die öffentliche Unterstützung von Kunst und Kulturindustrie. In diesem Kontext wird die Serie zu mehr als nur Unterhaltung; sie steht als Beweis für die Fähigkeiten lokalen Talents und Infrastruktur, ein potenzieller „kultureller Akt des Trotzes“, der Argentiniens kreative Kraft auf globaler Bühne behauptet.
Geschichte, Politik und der Geist Oesterhelds
„Eternauta“ kann nicht vollständig verstanden werden, ohne den tiefgreifenden historischen und politischen Kontext anzuerkennen, der seine Entstehung und seinen Schöpfer umgibt. Während die Erstveröffentlichung von 1957 allegorisches Gewicht hatte, wurden spätere Iterationen – ein Remake von 1969 mit dem Künstler Alberto Breccia und die Fortsetzung von 1976, wieder mit Solano López – wesentlich expliziter politisch. Die Erzählung der außerirdischen Invasion diente zunehmend als direkte Metapher für Imperialismus und, noch pointierter, für die brutalen Militärdiktaturen, die Argentinien und Lateinamerika heimsuchten.
Das Leben von Héctor Germán Oesterheld spiegelte tragischerweise die Eskalation der politischen Unruhen wider, die sein Werk darstellte. Als Argentinien radikaler wurde, tat es auch Oesterheld. Mitte der 1970er Jahre hatte er sich der linken Guerillaorganisation Montoneros angeschlossen und wurde deren Sprecher. Dies zwang ihn während der gewalttätigen Militärdiktatur, die 1976 die Macht übernahm – die Zeit, die als Schmutziger Krieg bekannt ist – in den Untergrund zu gehen. Er schrieb die Fortsetzung von „Eternauta“ im Verborgenen weiter und lieferte Skripte heimlich ab. 1977, kurz nach Fertigstellung des Drehbuchs für die Fortsetzung, wurde Oesterheld einer der Desaparecidos – von staatlichen Kräften entführt. Er wurde gefoltert und ermordet, sein Körper wurde nie gefunden. Seine vier Töchter, ebenfalls politisch aktiv, erlitten ähnliche Schicksale; drei wurden verschleppt und ermordet, während die vierte bei einem separaten gewalttätigen Vorfall im Zusammenhang mit dem Konflikt starb.
Diese verheerende Geschichte verschmolz „Eternauta“ unwiderruflich mit dem Trauma der Diktatur. Der Comic verwandelte sich in ein starkes Symbol des Widerstands gegen Staatsterror, seine Erzählung vom Kampf gegen eine unsichtbare, unterdrückende Macht fand tiefen Widerhall in der nationalen Erfahrung. Juan Salvo, der Eternauta, wurde zu einem Emblem der Erinnerung an die Desaparecidos und des fortwährenden Kampfes um Gerechtigkeit und Wahrheit in Argentinien.
Die Netflix-Adaption, unter der Regie von Stagnaro und mit Beiträgen von Oesterhelds Enkel überwacht, setzt sich unweigerlich mit diesem Erbe auseinander. Während die Verlegung des Schauplatzes in die Gegenwart die spezifischen Ziele der ursprünglichen Allegorie notwendigerweise verändert, bleiben die Kernthemen wirkmächtig. Die Serie erforscht den kollektiven Kampf gegen eine entmenschlichende Kraft, die Zerbrechlichkeit der Zivilisation, das Misstrauen gegenüber Autoritäten und die Notwendigkeit von Solidarität – Themen, die weiterhin mit Argentiniens „nationalem Gedächtnis und Trauma“ in Resonanz stehen, von der Diktatur bis zu Wirtschaftskrisen. Die Herausforderung für die Adaption besteht darin, die spezifische politische Kritik zu würdigen, die in Oesterhelds Werk eingebettet ist – seinen entschiedenen Widerstand gegen Imperialismus und staatliche Gewalt – während diese Themen in einen zeitgenössischen Kontext übersetzt werden, der globale Ängste vor gesellschaftlichem Zusammenbruch, verborgenen Machtstrukturen und der Natur des Widerstands im 21. Jahrhundert anspricht. Der Akt der Produktion von „Eternauta“ selbst, der Oesterhelds Namen und Geschichte fast fünfzig Jahre nach seiner Ermordung prominent hervorhebt, dient als kraftvoller Akt kultureller Erinnerung. Er fordert die historische Auslöschung heraus, die das Regime, das ihn zum Schweigen brachte, versuchte, und bekräftigt die bleibende Bedeutung seiner Stimme und der Geschichte, die sein Werk repräsentiert.
Ricardo Daríns Juan Salvo: Ein gewöhnlicher Mann konfrontiert das Undenkbare
An der Spitze der Besetzung steht Ricardo Darín als Juan Salvo. Ihn begleiten herausragende argentinische und uruguayische Schauspieler wie Carla Peterson, César Troncoso (als Professor Favalli), Andrea Pietra, Co-Autor Ariel Staltari, Marcelo Subiotto, Claudio Martínez Bel, Orianna Cárdenas und Mora Fisz.
Daríns Darstellung ist zentral für die Interpretation des Originalmaterials durch die Adaption. Er verkörpert Juan Salvo nicht als vorherbestimmten Helden, sondern als „gewöhnlichen Mann“. Er wird als alternder Mann dargestellt, der sich vielleicht bereits ausgegrenzt oder „vom System gebeutelt“ fühlt und unerwartet gezwungen ist, sich der Apokalypse zu stellen und auf latente Überlebensfähigkeiten und Führungsqualitäten zurückzugreifen. Seine Reise beinhaltet die Wiederentdeckung einer Handlungsfähigkeit. Ein Hauptantrieb scheint die verzweifelte Suche nach seiner Familie, insbesondere seiner Tochter Clara, inmitten der Verwüstung zu sein.
Die Besetzung von Darín, oft als „der argentinische George Clooney“ bezeichnet und möglicherweise die global bekannteste Leinwandpräsenz des Landes, verleiht der Serie sofortiges internationales Gewicht und Sichtbarkeit. Diese Starpower führt jedoch eine andere Dynamik ein als im Originalcomic, wo Salvo eine anonymere Figur war, die es den Lesern leicht machte, sich in ihn hineinzuprojizieren. Daríns inhärentes Charisma und Wiedererkennungswert könnten die Wahrnehmung von Salvo subtil verändern, ihn weniger zu einem reinen Stellvertreter des Durchschnittsmannes und mehr zu einer erkennbaren Starfigur machen, die eine Heldenreise antritt.
Wo kann man „Eternauta“ sehen?
