Die Kritik schrieb Eurodance ab. Die Produzenten hörten nie damit auf

Eurodance baute die kommerzielle Infrastruktur des europäischen Clubradios auf – und zog dabei kaum kritische Aufmerksamkeit auf sich. Das Genre kombinierte synthetisierten Bass, Clubtempo, eine weibliche Stimme im Refrain und einen männlichen MC in der Strophe – eine Formel, die in Studios in Deutschland, den Niederlanden und Schweden zusammengestellt und auf Chartmärkte losgelassen wurde, die zuvor nicht auf europäische Clubmusik reagiert hatten. Haddaway, 2 Unlimited, Culture Beat, Ace of Base, La Bouche, Corona und Scooter testeten sie Markt für Markt. Sie hielt.

Warum die Aufteilung der Stimmen in jedem Markt funktionierte

Das strukturelle Vokabular ist präzise und reproduzierbar. Die Tempi liegen zwischen 130 und 150 Beats pro Minute: schnell genug, um eine Tanzfläche zu beleben, aber zurückhaltend genug, um die Radiowellen zu überstehen. Die weibliche Stimme trägt den Refrain; der männliche MC trägt die Strophe. Zwei Stimmtypen erzeugen eine Dynamik, die sich ohne Verhandlung über Sprachgrenzen hinweg übersetzen lässt. Der Bass ist synthetisch. Die Produktionsqualität ist durchgängig hoch. Mehrdeutigkeit ist bewusst minimal gehalten.

Was Eurodance in der Popgeschichte ungewöhnlich macht, ist nicht der kommerzielle Erfolg, sondern das Verhältnis zur Kritikerkultur. Auf seinem Höhepunkt agierte das Genre fast vollständig außerhalb der Infrastruktur des Rockjournalismus. Keine kanonischen Alben. Keine definitiven Retrospektiven. Kein kritisches Framework, das die Arbeit als kulturelles Objekt ernst nahm und nicht nur als Verkaufsmechanismus. Das Genre wurde von Studios produziert, an alle verkauft und von niemandem rezensiert.

Die Authentizitätsfrage, die das Genre nie beantwortete

Diese Lücke ist auch der Ort, an dem die ehrliche Skepsis hingehört. Viele der kommerziell erfolgreichsten Acts des Eurodance waren Studio-Konstrukte: Produzenten identifizierten eine erfolgversprechende Anordnung, bauten sie aus und wiesen Sänger und MCs zu, sie aufzuführen. Der Act existierte in erster Linie als lebendiges Transportmittel. Ob dies die Musik delegitimiert, ist die falsche Frage – dasselbe Modell liegt dem Großteil der heutigen kommerziellen Popmusik zugrunde, und Eurodance tat einfach nicht so, als wäre es anders. Die eigentliche Frage ist, ob die Unterscheidung zwischen konstruiertem und authentischem Pop-Output für den Hörer auf einer Tanzfläche jemals eine Rolle gespielt hat. Ein Jahrzehnt voller Hitplatten deutet darauf hin, dass dies nicht der Fall war.

Die Formel sättigte sich in ihrer eigenen Ära tatsächlich. In der zweiten Hälfte der Neunziger waren die unterscheidenden Merkmale zu Klischees geworden, und die kommerzielle Maschine hatte die Vorlage so oft kopiert, dass das Publikum woanders hinging, ohne dass man es ausdrücklich darum bitten musste.

Die Formel, die der Pop sich borgte und behielt

Was sich nicht bewegte, war die zugrundeliegende Logik. Die Welle der Pop-Produktion, die folgte, zehrt direkt von dem, was Eurodance etablierte: Ein auf eine bestimmte körperliche Reaktion hin konstruierter Refrain muss sich nicht auf kritischer Ebene rechtfertigen. Robyn baute eine Karriere genau darauf auf. Dua Lipas kommerziell erfolgreichste Alben folgen derselben Logik. Kylie Minogues späte Karriere-Rückkehr zur Tanzfläche wandte sie mit einer anderen Produktionspalette an. The Weeknds gesättigte, BPM-getriebene Platten verlassen sich absolut darauf.

Die Berichterstattung von MCM hat mehrere Zweige dieses Erbes verfolgt. Die Dokumentation, wie Angèle und Justice den Eurodance-BPM-Bereich durch französischen Touch-Perfektionismus umleiteten, zeigt eine Abstammungslinie. Die Beständigkeit der Eurodance-Gesangsstruktur in zeitgenössischen Dance-Pop-Kollaborationen zeigt eine andere. Alan Walker und Dash Berlins Neuinterpretation einer klassischen Eurodance-Single aus dieser Ära demonstrierte, dass die ursprünglichen Vorlagen immer noch als produktives Rohmaterial funktionieren und nicht als archivarische Kuriosität.

Die kritische Rehabilitation des Eurodance war partiell und langsam. Das Genre wird wahrscheinlich nicht die gleiche retrospektive Aufmerksamkeit erhalten wie Psychedelic Rock oder Hip-Hop der goldenen Ära, weil es nicht mit diesem Ergebnis im Sinn entworfen wurde. Es wurde entworfen, um Menschen in einem bestimmten Tempo in einem bestimmten Raum in Bewegung zu setzen. Jeder Produzent, der nach einer 140-BPM-Bassline mit einem mitreißenden Refrain greift, führt das Experiment durch, das Eurodance als erstes durchführte.

Schlagwörter: elektronische Musik, eurodance, 90er Musik, Musikgeschichte, Tanzmusik