Toscana stellt Theo (Anders Matthesen) vor, einen dänischen Koch aus der Michelin-Spitzengastronomie, der der Welt mit zusammengebissenen Zähnen begegnet. Warum, erklärt der Film schon nach kurzer Zeit. Mehdi Avaz, der gemeinsam mit Nikolaj Scherfig das Drehbuch geschrieben hat, erzählt eine romantische Tragikomödie über einen Mann, der fast jedes Gefühl in Gereiztheit verwandelt. Die beste Entscheidung des Films: Er begreift diese Gereiztheit als Schutzschild. Das ist eine kleine Idee. Über weite Strecken trägt sie.

Die Ausgangslage ist schlicht: Theo reist in die Toskana, um das Geschäft seines Vaters zu verkaufen, und begegnet Sophia (Cristiana Dell’Anna), einer Einheimischen, die ihn dazu bringt, sein Leben und seine Art zu lieben zu überdenken. Filme über aufbrausende Köche füllen inzwischen ganze Regalmeter, und dieser hier tut nicht so, als wäre das anders. Doch er wählt sein Terrain mit Bedacht. Die Toskana hat ein ausgeprägtes Selbstverständnis: Man kennt sie für ihren Wein, ihre Küche und ihre jahrhundertealte Kunst. Der Film übernimmt die Haltung, die mit diesem Ruf einhergeht: Die einfachen Dinge gut machen und sich Zeit dafür nehmen. Ein Koch, der durchs Leben hetzt, ist dort fehl am Platz, noch bevor jemand ein Wort gesagt hat. Der Film scheint das zu wissen und möchte am selben Maßstab gemessen werden.

Matthesen verleiht Theo eine harte Schale und eine Körperspannung, die sich nie ganz löst. So versteht man leicht, warum Sophia zunächst auf Abstand bleibt. Dell’Anna hat die interessantere Aufgabe. Ihre Sophia hört mehr zu, als sie spricht, hat ganz offensichtlich schon vor Theo ein eigenes Leben geführt und denkt gar nicht daran, es nach seinen Launen auszurichten. So entgeht der Film dem vertrauten Muster, in dem eine Frau nur dazu da ist, einen schwierigen Mann wieder in Ordnung zu bringen. Andrea Bosca als Pino und Ghita Nørby als Inge sind gern gesehen, bekommen aber weniger zu tun, als die Besetzungsliste vermuten lässt.

Am stärksten ist der Film, wenn er den Dingen Raum lässt. Etwa vierzehn Minuten nach Beginn geht eine Auseinandersetzung zu Ende, während Ornella Vanonis „L’appuntamento“ erklingt. Das Lied begleitet die Szene, ohne sie zu überfrachten. Die Spannung lässt in ihrem eigenen Tempo nach. In den Musikdatenbanken sind für den Film nur wenige Songs verzeichnet, sodass jede musikalische Einlage für sich wirken kann. Einige Kritiker haben besonders hervorgehoben, wie viel der Film durch das ausdrückt, was er nicht sagt. Diese Szene macht deutlich, was damit gemeint ist.

Die Komödie ist die wackligere Hälfte des Films. Die Lacher fallen verhalten aus und beruhen zu oft auf Theos Miesepetrigkeit – als Ausgangspunkt taugt das, als Motor eher nicht. Svend (Christopher Nissen), Zeuten (Sebastian Jessen) und Melanie (Karoline Brygmann) erweitern zwar Theos Welt, finden aber keinen eigenen Ton: zu leicht, um pointiert zu sein, und zu dünn, um wirklich komisch zu wirken. Der Verkauf des Geschäfts seines Vaters, der eigentliche Grund für die ganze Reise, funktioniert eher als Ausgangsidee denn als Druckmittel. Er wird erwähnt, bleibt dann liegen und gewinnt nie das dramatische Gewicht, das die Geschichte offenbar von ihm erwartet.

Was der Film richtig macht, ist der Verzicht auf die laute Version seiner eigenen Geschichte. Die Romanze lässt sich Zeit, und Avaz interessiert sich offenbar mehr für das, was Theo nicht sagen kann, als für eine große Liebeserklärung. Der Film scheint davon auszugehen, dass Menschen Liebe und Verlust in Wut ausdrücken, und ist meist klug genug, diesen Gedanken nicht auszusprechen. Der Verlauf wird niemanden überraschen, und das Ziel lässt sich leicht erraten. Doch weil der Film Gesten mehr Aufmerksamkeit schenkt als überraschenden Wendungen, schlägt das Genre hier in einem langsameren Takt als gewöhnlich.

An manchen Stellen wendet sich dieselbe Zurückhaltung gegen den Film. Inge ist dafür das deutlichste Beispiel: Der Film lenkt unsere Aufmerksamkeit auf sie und weiß dann nichts mit ihr anzufangen. Was zwischen Theo und Sophia als Zurückhaltung funktioniert, wirkt hier wie ein Ausweichen. Auch die emotionale Wirkung leidet darunter. Als Theo schließlich seine Abwehr fallen lässt, entfaltet der Moment weniger Kraft, als er sollte, denn die Handlung hat zuvor nicht genug Gewicht aufgebaut, das nun ins Wanken geraten könnte.

Zusammengehalten wird Toscana vom Zusammenspiel der Hauptdarsteller. Dell’Anna lässt nicht zu, dass Sophia zum Werkzeug wird, mit dem ein Mann repariert werden soll. Wenn die beiden schließlich so etwas wie Ehrlichkeit erreichen, wirkt sie verdient – durch all die kleinen Schritte davor und nicht durch eine einzige große Wendung. In einem Genre, das diesen Teil gewöhnlich im Eiltempo abhandelt, ist das viel wert. Mein Fazit lautet also: Als Komödie bleibt Toscana hinter den Erwartungen zurück. Als langsame, aufmerksame Romanze über einen Mann, der lernt, seine Stimme zu senken, funktioniert der Film größtenteils – und die beiden Hauptdarsteller tragen ihn über das dünn gezeichnete Umfeld hinweg. Sehenswert ist er vor allem ihretwegen; von den Witzen sollte man besser nicht allzu viel erwarten.