Baz Luhrmann: Meister des Exzesses oder sein eigener Gefangener?

Baz Luhrmann

Photo via The Movie Database (TMDB)

Geboren	17. September 1962 Herons Creek, New South Wales, Australia
Beruf	Regisseur
Bekannt für	Der große Gatsby, Moulin Rouge, Elvis
Auszeichnungen	DGA · 2 Oscar · Officer of the Order of Australia (AO, 2007) · Centenary Medal

Es gibt Filmemacher, die die Form ihrer Erzählung anpassen, und solche, die jeder Erzählung ihre Form aufzwingen. Baz Luhrmann gehört zur zweiten Gruppe — und zwar mit einer Konsequenz, die jede einfache Einordnung verweigert. Was am deutlichsten auffällt, wenn man sein Werk als Ganzes betrachtet: totale kreative Kontrolle war nicht nur seine Arbeitspraxis, sondern auch das strukturelle Risiko, das ihn wiederholt an seine Grenzen geführt hat. Der Streit darüber, ob dieser Ansatz Kunst oder elaborierte Unterhaltung produziert, läuft seit über fünfunddreißig Jahren.

Mark Anthony Luhrmann wuchs in New South Wales zwischen zwei prägenden Kräften auf. Sein Vater betrieb eine Tankstelle und ein Kino; seine Mutter unterrichtete Tanz. Die Schnittmenge aus mechanischer Struktur und körperlicher Aufführung, aus Kommerz und Kunst, aus dem Lokalen und dem Ehrgeizigen, wurde zur Grammatik seiner späteren Arbeit. Er studierte am National Institute of Dramatic Art in Sydney und inszenierte eine frühe Fassung von Strictly Ballroom als lebendige Theateraufführung, bevor sie zum Film wurde. Diese Bühnenfassung — mit ihrem Amateurtanz-Milieu, dem gehemmten Paar, der Menge von Figuren, die Konformität mit Tradition verwechselt hatten — enthielt jeden formalen Instinkt, den er in den dreißig Jahren danach entwickeln würde.

Luhrmann nannte seine ersten drei Filme die Rote-Vorhang-Trilogie, aber der Name beschreibt eine Methode ebenso wie eine Werkgruppe. In jedem Film ist das Bewusstsein des Artifiziums in die Struktur eingeschrieben: Man weiß, dass man Theater sieht, das sich bereit erklärt hat, Kino zu heißen. Strictly Ballroom (1992) etablierte dies in der Welt des Turniertanzes. Romeo + Julia (1996) bewahrte Shakespeares Vers in einer zeitgenössisch codierten Stadt — Gewehrläufe mit der Aufschrift „Sword“, Würfel mit der Prägung „Sin“ — mit einem Leonardo DiCaprio, der jung genug war, um seine Verwundbarkeit zu leihen statt zu fabrizieren. Moulin Rouge! (2001) vollendete die Trilogie, indem er Songs aus einem Jahrhundert populärer Musik zu einem emotionalen Argument zusammenstellte.

Moulin Rouge! war der lauteste der drei und der umstrittenste. Er erhielt Nominierungen für den Besten Film bei den Academy Awards und den BAFTAs, gewann zwei Oscars für Catherine Martins Ausstattungsarbeit und brachte Luhrmann einen Directors Guild of America Award ein. Er lieferte auch die schärfste Formulierung des Einwands gegen seine Arbeitsmethode: dass Sensation als Betäubungsmittel fungiert, dass die Größe der Geste die Armut des Gefühls darunter verbergen kann. Luhrmann erhielt beides — Anerkennung und Einwand — und ließ sich von keinem davon ändern.

Das Jahrzehnt zwischen Moulin Rouge! und Elvis brachte Ambitionen, die nicht immer ihre Form fanden. Australia (2008) dauerte fast drei Stunden und wollte gleichzeitig von Kolonialismus, Nostalgie und der Mythologie eines Kontinents handeln — und stellte fest, dass die Größe alle drei Themen beherbergen konnte, ohne eines davon zu lösen. Der große Gatsby (2013) stellte Fitzgeralds Prosa einem Jay-Z-Soundtrack gegenüber, mit Leonardo DiCaprio als Gatsby in einem Film, in dem das visuelle Dekor des Überflusses auch das Argument des Films war. The Get Down (2016), eine Netflix-Serie über die Geburt von Hip-Hop und Disco in der South Bronx, wurde nach einer Staffel abgesetzt — zu Produktionskosten, die selbst Teil der Geschichte wurden.

Baz Luhrmann beim Toronto International Film Festival 2025 — Baz Luhrmann beim TIFF 2025. Foto: Kevin Payravi / CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Elvis (2022) kam in einem Moment, in dem die Kritik sich weitgehend auf eine Haltung des Wissens, was zu erwarten sei, eingestellt hatte. Was kam, war eine Neukalibrierung. Austin Butler spielte Elvis Presley nicht als zu rekonstruierende Ikone, sondern als Person, die schrittweise von der Maschinerie um sie herum verschluckt wird; Tom Hanks spielte Colonel Tom Parker als zynischen Architekten dieser Maschinerie. Der Film lief 159 Minuten, erhielt acht Oscar-Nominierungen — darunter Bester Film und Bester Hauptdarsteller für Butler — und funktionierte international auf eine Weise, die der persönlichere Gatsby nicht erreicht hatte.

EPiC, 2025 veröffentlicht, verlängerte die Serie. Mit einem Rotten-Tomatoes-Score von 97% — der stärksten kritischen Aufnahme seiner Karriere bis dato — deutete er darauf hin, dass sein Modus zu etwas Reifem geworden war, das Kritiker auf seinen eigenen Bedingungen begegnen konnten. Jehanne d’Arc ist nun in der Vorproduktion. Die Arbeit hat sich nicht verlangsamt, und das Register hat sich nicht verändert.

Luhrmann nimmt eine ungewöhnliche Position im zeitgenössischen Kino ein: zu kommerziell erfolgreich, um abgetan zu werden, und zu kontrovers, um ohne Debatte kanonisiert zu werden. Die ernsthaften Einwände gegen sein Werk sind nicht nichtig. Tempo kann die Montagentscheidungen ersetzen, die einen verlangsamen und die Szene zwingen würden, ihre Arbeit zu tun. Größe kann die kleineren Momente ersetzen, die Größe, ihrer Natur nach, aufzugeben verlangt. Ein Film, der einen in einen emotionalen Zustand überwältigt, hat nicht notwendigerweise dieselbe Arbeit geleistet wie ein Film, der ihn verdient. Das Gegenargument — dass all dies genau die Ästhetik ist, vollständig intentional, auf einem Niveau formaler Selbstreflexivität operierend, das seine Kritiker unterschätzen — ist ebenso kohärent. Keine Seite hat das Ende dieser Debatte gefunden. Luhrmann hat sich konsequent verhalten, als sei es nicht sein Problem, sie zu lösen.