Donna Summer, die Königin des Disco, deren Stimme mehr überlebte als ihre eigenen Überzeugungen

Donna Summer

Photo: President (1981-1989 : Reagan). White House Photographic Office. 1981-1989 (Most Recent) / Public domain, via Wikimedia Commons

Geboren	31. Dezember 1948 Boston
Gestorben	17. Mai 2012 (63)
Beruf	Sängerin und Songschreiberin
Auszeichnungen	Grammy Award für die beste weibliche R&B-Vocalperformance · Grammy Award für die beste weibliche Rock-Vocalperformance · Grammy Award für die beste inspirierende Performance

Die unbequeme Wahrheit über Donna Summer ist, dass die beiden Personen, die sie am meisten war – die schamlose Provokateurin, die 1975 auf einer B-Seite einen siebzehnminütigen Orgasmus hielt, und die wiedergeborene Christin, die sich später von den Discos entfernte, die sie selbst erfunden hatte – keine zeitliche Abfolge bildeten. Sie überschnitten sich, stritten miteinander und fanden nie eine vollständige Lösung. Die Musik ging trotzdem weiter, und sie geht immer noch weiter, zieht sich durch House, Techno und jede Tanzfläche, die glaubt, dass ein Synthesizer eine Art Gebet sein kann.

Von Dorchester nach München

LaDonna Adrian Gaines wurde am letzten Tag des Jahres 1948 in Dorchester, Boston, als Tochter einer Grundschullehrerin und eines Metzgers geboren, die sieben Kinder in einem Haushalt großzogen, in dem Glaube keine Hintergrundbedingung, sondern die ordnende Logik des täglichen Lebens war. Sie sang im Kirchenchor, bevor sie zehn war. Die Stimme zeigte sich früh – weit und deklamatorisch, fähig zu einer emotionalen Direktheit, die Menschen in Kirchenbänken das Gefühl gab, gesehen zu werden. Diese Direktheit und diese Vertrautheit mit einem Publikum, das etwas von ihr erwartete, sollten der Motor für alles sein, was danach kam.

Nach der High School zog sie nach New York, angezogen vom Musiktheater statt von der Kirchenbühne. Eine Produktion von Hair gab ihr eine andere Art von Gemeinde: säkular, experimentell, europäisch. Das Stück führte sie nach Deutschland, und sie blieb, verbrachte Jahre in München mit Auftritten in Kabaretts und Bühnenproduktionen, sang in den Clubs und entwickelte den theatralischen Instinkt, der sie später zu mehr als einer Hitmaschine machen sollte. In München traf sie Giorgio Moroder, einen Tiroler Produzenten mit einer Besessenheit für elektronische Synthese, die zu diesem Zeitpunkt in der Popmusik noch weitgehend unerprobt war.

Die Moroder-Synthese

Was Moroder und Donna Summer Mitte der 1970er Jahre gemeinsam schufen, war nicht einfach eine Reihe von Hits. Es war ein Argument darüber, was Popmusik physisch mit einem Körper anstellen kann – und radikaler noch, was der Körper und das Begehren einer Schwarzen Frau im Mainstream-Sound bedeuten konnten. Love to Love You Baby erschien 1975 als eine Konfektion, die um eine anhaltende, stöhnende Darbietung herum gebaut war, die Radioprogrammacher zunächst nicht anfassen wollten. Es verkaufte sich trotzdem und etablierte die Regeln: Summer würde Begehren nicht aus einer sicheren ästhetischen Distanz aufführen. Der Song dauerte länger, als eine Vinylseite eigentlich erlauben sollte, und seine zentrale Darbietung ließ die Länge notwendig erscheinen.

Die Zusammenarbeit vertiefte sich von der Provokation zu etwas Dauerhafterem mit I Feel Love im Jahr 1977. Moroder baute den Track fast vollständig aus sequenzierten Synthesizern – ein vollständig elektronischer Puls mit Summers Stimme, die sich hindurchbewegte wie etwas Organisches, das seine eigene Spiegelung entdeckt. Produzenten wie Brian Eno schickten die Platte Berichten zufolge an David Bowie während der Berliner Sessions, die sie bereits unternahmen, und sagten, sie repräsentiere die Zukunft der populären Musik. Er sollte recht behalten. Jede Techno-Platte, die im folgenden Jahrzehnt in Detroit gemacht wurde, verdankte etwas ihrer Sequenzierungslogik. Jeder House-DJ, der jemals Chicago seine Heimat nannte, hatte ein Exemplar. I Feel Love beeinflusste nicht nur die Tanzmusik; es lieferte deren Architektur.

Königin der Tanzfläche

Ende der 1970er Jahre war Summer nicht einfach nur populär – sie war prägend. Das Doppelalbum Bad Girls erschien 1979 und verkaufte sich besser als fast alles andere um sie herum, wechselte von den Disco-Charts ins Rockradio mit Hot Stuff, wofür sie einen Grammy für die beste weibliche Rock-Gesangsdarbietung erhielt und damit die erste schwarze Frau war, die in dieser Kategorie gewann. Last Dance, eine Ballade aus dem Soundtrack von Thank God It’s Friday, gewann einen Oscar für den besten Originalsong und einen Golden Globe, was eine Liste von Kategorieüberschreitungen – R&B, Pop, Rock, Gospel, Dance – ergänzte, die keine amerikanische Künstlerin in so kurzer Zeit in diesem Umfang bewältigt hatte.

1978 coverte sie MacArthur Park, die Jimmy-Webb-Komposition, die zuvor jeder Interpretation getrotzt hatte, und verwandelte sie allein durch stimmliche Überzeugungskraft in ihre erste Nummer-eins-Pop-Single. Ihre stimmliche Bandbreite war echt – technisch fähig zu Material, das klassische Atemkontrolle erforderte, aber nie akademisch eingesetzt. Sie nutzte die Stimme, um Menschen etwas fühlen zu lassen, was eine andere Fähigkeit ist, als sie zur Schau zu stellen.

Der Wendepunkt und die Kontroverse

Um 1979, etwa zur Zeit, als die Disco selbst unter ihrem eigenen Übermaß und einer reaktionären Gegenreaktion zusammenbrach, die mindestens so viel mit Rasse und Sexualität zu tun hatte wie mit ästhetischer Ermüdung, wurde Donna Summer eine wiedergeborene Christin. Die Bekehrung war ihren Angaben nach weder plötzlich noch strategisch – sie beschrieb eine echte spirituelle Erfahrung. Aber ihr Timing und ihre Folgen waren kompliziert, und sie verbrachte Jahrzehnte damit, diese zu entwirren.

1983 kursierten Gerüchte – die sich dann zu berichteten Aussagen verhärteten –, Summer habe einem schwulen Fan gesagt, AIDS sei Gottes Strafe für Homosexualität, und sie glaube, Gott habe Adam und Eva erschaffen, nicht Adam und Steve. Die LGBTQ-Gemeinschaft, die der primäre Motor der kulturellen Reichweite der Disco gewesen war, die ihre Platten in den Clubs gespielt hatte, die sie zu einem Phänomen machten, organisierte einen Boykott. Summer dementierte die extremsten Versionen dessen, was sie gesagt haben soll. Sie beharrte darauf, dass sie falsch zitiert oder missverstanden worden sei. Aber das Dementi kam langsam, und die Wunde, die es behandeln sollte, war bereits tief.

Dies ist der Teil ihrer Geschichte, den die bewundernden Rückblicke am häufigsten abmildern. Die Schwulenbewegung ging nicht einfach weiter. Der Boykott schadete ihr kommerziell. Ihre schwulen Fans hatten ihre Musik nicht nur konsumiert; sie hatten es überhaupt erst möglich gemacht, dass jemand, der so aussah wie sie, der die Dinge sang, die sie sang, eine Mainstream-Karriere haben konnte. Der Entzug dieser Unterstützung hinterließ Spuren. Was später kam – Auftritte für LGBTQ-Publikum, öffentliche Entschuldigungen für den Schmerz, den sie verursacht hatte, eine endgültige Versöhnung – war echt, aber es war nicht schmerzfrei und löschte die Zwischenzeit nicht aus. Die Dokumentation Love to Love You, Donna Summer aus dem Jahr 2023, bei der ihre Tochter Brooklyn Sudano Regie führte und die von HBO produziert wurde, thematisierte den Widerspruch, ohne ihn aufzulösen – wahrscheinlich das Ehrlichste, was man hätte tun können.

Nach der Disco

Die Jahre nach der Disco brachten kommerziell ungleiche, aber künstlerisch vielfältigere Arbeiten hervor, als ihre Kritiker einräumten. Das selbstbetitelte Album von 1982, produziert von Quincy Jones, bot eine bemerkenswerte Besetzung von Mitarbeitern – Michael Jackson, Stevie Wonder und Lionel Richie steuerten alle Hintergrundgesang zu State of Independence bei – und zeigte eine Interpretin, die wirklich an ihrer eigenen Entwicklung interessiert war und nicht nur einem Format hinterherjagte, das vorüber war. She Works Hard for the Money, 1983 veröffentlicht, brachte sie zurück in die Top 10 und eröffnete ein Kapitel sozial bewussten Materials, das sich anders anfühlte als das erotische Spektakel ihrer frühen Karriere, ohne es zu verleugnen.

Das folgende Jahrzehnt brachte ungleiche kommerzielle Ergebnisse. Ein Album mit dem britischen Produktionsteam Stock Aitken Waterman im Jahr 1989 erreichte in mehreren Ländern Goldstatus, fühlte sich aber wie ein Zugeständnis an die Formel an. Ihre Gospel-Aufnahmen – zwei Grammy-Gewinne in der Kategorie „Inspirational Performance“ – befriedigten einen Teil ihrer Identität, den ihre weltliche Arbeit nie vollständig untergebracht hatte. Als sie 2008 Crayons veröffentlichte, ihr siebzehntes und letztes Studioalbum, war sie immer noch zu der spezifischen Art von Freude in einem Dance-Track fähig, die sie unersetzlich gemacht hatte. Die Leadsingle des Albums erreichte die Spitze der Dance-Charts. Mit sechzig klang sie wie jemand, der noch nicht alles gesagt hatte.

Das Nachleben von I Feel Love

Sie starb am 17. Mai 2012 in Naples, Florida, an Lungenkrebs – bemerkenswert, da sie nicht rauchte. Sie glaubte, die Krankheit könnte mit dem giftigen Staub zusammenhängen, den sie kurz nach dem 11. September bei einem Konzert in New York eingeatmet hatte. Sie wurde dreiundsechzig.

Die posthume Anerkennung kam stetig. Im April 2013 wurde sie in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen, ihre Familie – Bruce Sudano, Brooklyn, Mimi und Amanda – nahm in ihrem Namen an. Der Grammy Lifetime Achievement Award 2024 vervollständigte eine formelle Würdigung dessen, was sie für die amerikanische Popmusik bedeutet hatte, auch wenn die Würdigung in der Art und Weise unvollständig blieb, wie es bei den wichtigsten Karrieren immer der Fall ist.

Doch das wahre Maß der Reichweite von I Feel Love liegt nicht in Preisverleihungen. Juan Atkins, Derrick May und Carl Craig – die Produzenten, denen die Erfindung des Detroit Techno am meisten zugeschrieben wird – nennen diesen Track als grundlegend. New Order trug seine Sequenzierungslogik in den britischen Post-Punk. Daft Punk baute eine Karriere auf der These auf, dass Moroders Synthese immer noch das Interessanteste sei, was je mit elektronischer Popmusik gemacht wurde. Als Giorgio Moroder 1998 einen Grammy für eine neue Aufnahme gewann, die er und Summer gemeinsam gemacht hatten – Carry On, das zum ersten Gewinner der Kategorie „Best Dance Recording“ wurde – bestätigte dies, dass die Partnerschaft, die so viel erfunden hatte, immer noch etwas zu sagen hatte.

Eine neue posthume Aufnahme, die vor ihrem Tod begonnen und von Produzent Toby Gad fertiggestellt wurde, wird für 2025 erwartet. Ihr Nachlass hat das Archiv sorgfältig verwaltet und das rechtliche Chaos vermieden, das die Kataloge von Prince und Aretha Franklin verschlang. Als Kanye West I Feel Love ohne Autorisierung auf seinem Album Vultures 1 von 2023 samplete, zog der Nachlass umgehend vor Gericht, um den Anspruch zu regeln. Die Musik ist es immer noch wert, geschützt zu werden.

Donna Summer verkaufte über 100 Millionen Platten. Sie hat die Auszeichnung, die erste Künstlerin zu sein, die Grammy Awards in vier verschiedenen Kategorien gewann – R&B, Rock, Inspirational und Dance – eine Crossover-Reichweite, die nicht das Produkt von Genre-Berechnung war, sondern einer Stimme, die fähig war, in verschiedenen Räumen Unterschiedliches zu bedeuten. Was sie nicht vollständig kontrollieren konnte, war die Geschichte, die zwischen der Musik über sie erzählt wurde: die Frau, die den Klang schuf, der Körper befreite, und sich dann öffentlich darüber Gedanken machte, was diese Körper taten. Die Musik machte sich nie Gedanken. Sie machte weiter. Sie macht immer noch weiter.