Ernst Lubitsch: der Regisseur, dessen Meisterwerk 33 Jahre lang verboten war

Ernst Lubitsch

Photo: Unknown (George Grantham Bain collection) / Public domain, via Wikimedia Commons

Geboren	29. Januar 1892 Berlin, Germany
Gestorben	30. November 1947 (55)
Beruf	Filmregisseur
Bekannt für	Rendezvous nach Ladenschluss, Sein oder Nichtsein, Ninotschka
Auszeichnungen	Oscar · Nominated Best Director: The Patriot (1929) · Nominated Best Director: The Love Parade (1930) · Nominated Best Director: Heaven Can Wait (1943)

Niemand, der eine geschlossene Tür betrachtete, lachte wie Ernst Lubitsch. Für einen Regisseur, dessen Karriere vom Berlin der Stummfilmära bis zum Hollywood der Kriegszeit mit Jack Benny und Greta Garbo reichte, war seine größte technische Erfindung der Abschwung. Man zeigte das Paar, wie es das Hotelzimmer betrat. Schnitt in die Lobby. Schnitt auf eine Blume, die in einer Vase verwelkte. Das Publikum verstand; der Zensor, falls er genau genug hinsah, konnte nichts beweisen.

Die Technik – allgemein als „Lubitsch Touch“ bekannt, ein Begriff, den Warner-Bros-Publizist Hal Wallis in den 1920er Jahren prägte – war eigentlich eine Philosophie der Verdichtung. Billy Wilder, der gemeinsam mit ihm Ninotchka schrieb und Lubitsch als den prägenden Einfluss auf seine eigene Karriere bezeichnete, beschrieb sie als „den Superwitz – den Witz, den man nicht erwartet“. Der Filmhistoriker Ephraim Katz definierte sie formaler als die Kunst, „die Bedeutung eines gesamten Films in eine einzelne Einstellung oder kurze Szene zu verdichten, die einen ironischen Schlüssel zu den Figuren lieferte“.

Lubitsch wurde am 29. Januar 1892 in Berlin als Sohn eines jüdischen Schneiders aus Grodno geboren. Mit sechzehn verließ er die Schule, um tagsüber im Kleidungsgeschäft seines Vaters zu arbeiten und abends an Max Reinhardts Deutschem Theater aufzutreten. 1912 war er in Stummfilmen in den Berliner Bioscope-Studios zu sehen; 1914 führte er bereits Regie. Seine frühen deutschen Komödien – Die Austernprinzessin (1919) und Ich möchte kein Mann sein (1918), beide mit der brillant körperlichen Ossi Oswalda – etablierten sein Talent, Satire zu nutzen, um soziale und sexuelle Konventionen zu erkunden, die nicht direkt angesprochen werden konnten. Seine Historienepen, insbesondere Madame Dubarry (1919) mit Pola Negri, waren die ersten deutschen Filme, die nach dem Ersten Weltkrieg den amerikanischen Markt eroberten.

Er kam Ende 1921 nach Hollywood und blieb für immer. Seine ersten Jahre dort brachten eine stille Verschiebung in der romantischen Komödie: The Marriage Circle (1924), Lady Windermere’s Fan (1925), The Student Prince in Old Heidelberg (1927). Als der Tonfilm kam, passte er sich schneller an als fast jeder andere und verwandelte das Musical in eine Form, in der Lieder die Figuren voranbrachten, anstatt nur die Geschichte zu unterbrechen. The Love Parade (1929), sein erster Tonfilm mit Maurice Chevalier und Jeanette MacDonald, brachte ihm seine zweite Oscar-Nominierung als bester Regisseur ein.

Der Höhepunkt seines Schaffens lag in dem kurzen Zeitfenster vor der strengen Durchsetzung des Hays Code. Trouble in Paradise (1932), gemeinsam mit seinem häufigsten Mitarbeiter Samson Raphaelson geschrieben und um zwei Juwelendiebe aufgebaut, die einander und gleichzeitig eine reiche Witwe verführen, funktionierte nach den Worten des Kritikers Dwight Macdonald „nahe an der Perfektion“. Die Eröffnungseinstellung – ein Gondoliere, der sich als Müllausleerer entpuppt – kündigte an, dass es sich um einen Film über elegante Täuschung handelte, und alles, was folgte, hielt dieses Versprechen. Design for Living (1933), nach einem Drehbuch von Ben Hecht, das Noël Cowards Stück adaptierte, zeigte Gary Cooper, Fredric March und Miriam Hopkins in einer Konstellation, die der Code als äußerst anstößig empfunden hätte – genau das war der Punkt.

1935 entzog die Produktionscode-Verwaltung Trouble in Paradise dem US-Verleih. Der Film sollte in den Vereinigten Staaten dreiunddreißig Jahre lang nicht mehr zu sehen sein. Diese Tatsache, die in Diskussionen über den Lubitsch-Kanon weitgehend vergessen wird, ist enorm wichtig: Die Generation, die den vorherrschenden kritischen Konsens über sein Werk bildete, kannte hauptsächlich die Filme nach dem Code. Das Kühnere war aus der Gleichung entfernt worden, bevor es richtig gemessen werden konnte.

Der Lubitsch nach dem Code wird manchmal als eine kleinere Figur unter Zwang dargestellt. Die Belege stützen diese Lesart nicht eindeutig. Ninotchka (1939) – von MGM als der Film beworben, in dem „Garbo lacht!“ – ließ ihn den Kontrast zwischen sowjetischer Askese und Pariser Leichtigkeit als Mechanismus für eine der präzisesten romantischen Komödien des Kinos nutzen. The Shop Around the Corner (1940), den Lubitsch selbst als seinen persönlichen Lieblingsfilm aller seiner Filme bezeichnete, verdichtete die gesamte emotionale Bandbreite romantischer Sehnsucht in einem Trockenwarenladen, der von zwei Budapester Brieffreunden betrieben wurde, die sich persönlich verabscheuten. James Stewart und Margaret Sullavan spielten ihn mit einer Zurückhaltung, die unter den meisten Regisseuren wie Abwesenheit gewirkt hätte. Unter Lubitsch fühlte sie sich wie alles an.

To Be or Not to Be (1942) bleibt der am meisten diskutierte Film in seinem Katalog. Acht Wochen nach dem Tod seines Stars Carole Lombard bei einem Flugzeugabsturz veröffentlicht und vor dem Hintergrund der Nazi-Besetzung Polens spielend, deren Theaterkompanie er zeigt, rief der Film geteilte zeitgenössische Reaktionen hervor. Bosley Crowther von der New York Times nannte ihn „gefühllos“. Lubitsch antwortete schriftlich: Er habe keine Komödie über den Krieg gemacht; er habe einen Film über die Falschheit der Selbstdarstellung gemacht, ob dieses Selbst die Eitelkeit eines Schauspielers oder eine totalitäre Ideologie sei. Der Film hat eine Bewertung von 96 % auf Rotten Tomatoes und wurde 1996 von der Library of Congress erhalten. Die Kontroverse hat den Konsens gegen ihn um mehrere Jahrzehnte überdauert.

Seine Gesundheit verschlechterte sich nach einem schweren Herzinfarkt im Jahr 1943 drastisch. Am 13. März 1947 erhielt er einen Ehrenoscar, wobei der Überbringer Mervyn LeRoy ihn „einen Meister der Anspielung mit einem erwachsenen Verstand und einem Hass darauf, Dinge auf die offensichtliche Weise zu sagen“ nannte. Am 30. November 1947, während der Produktionsvorbereitungen zu That Lady in Ermine, versagte sein Herz zum sechsten Mal. Er war fünfundfünfzig Jahre alt. Otto Preminger, der bereits eine unvollendete Lubitsch-Produktion abgeschlossen hatte, beendete auch diesen Film.

Billy Wilder sagte bei der Beerdigung: „Schlimmer noch – keine Lubitsch-Filme mehr.“ Dreiunddreißig Jahre später, als Trouble in Paradise endlich in die Kinos zurückkehrte, stellte das Publikum fest, dass der Film nichts von seiner Andeutungskraft verloren hatte. Die geschlossene Tür enthielt noch immer alles. Eine Film-Forum-Retrospektive in New York zeigte sein Werk bis zum Sommer 2026; eine neue Criterion-Blu-ray erschien im April. Die Debatte darüber, was genau der Lubitsch Touch war, dauert an – genau der Zustand, den er vorgezogen hätte.

Bekannte Filme

Ein himmlischer Sünder (1943) — Cluny Brown auf Freiersfüßen (1946)

Schlagwörter: Billy Wilder, Ärger im Paradies, Ernst Lubitsch, Greta Garbo, Ninotschka, Rendezvous nach Ladenschluß

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