Jede Verfilmung von East of Eden stand vor der Frage, was mit Cathy Ames zu tun ist. John Steinbeck schuf sie als eine Frau, die er in seiner eigenen Erzählstimme als moralisches Monster zu bezeichnen bereit war – und verbrachte dann sechshundert Seiten damit, dieses Urteil unhaltbar zu machen. Sie ist der Grund, warum der Roman auch siebzig Jahre nach seiner Veröffentlichung noch diskutiert wird, und sie ist ein wesentlicher Grund dafür, dass das Buch bis heute nie vollständig verfilmt wurde.

Die neue East of Eden ist eine siebenteilige Miniserie, geschrieben und kreiert von Zoe Kazan, die Steinbecks Roman von 1952 für Netflix adaptiert. Florence Pugh spielt Cathy und fungiert auch als Executive Producer, und die Serie folgt ihr durch zwei Generationen der Familie Trask – die Struktur, die Steinbeck nutzte, um seine zentrale Frage zu stellen. Es ist ein prestigeträchtiges Historiendrama, und, was noch wichtiger ist, es ist die erste Verfilmung, die das gesamte Buch in Angriff nimmt, statt nur einen einzelnen Abschnitt.

Diese Unterscheidung ist bedeutsamer, als es klingt. Die Version, die die meisten Zuschauer im Kopf haben, ist Elia Kazans Film von 1955 mit James Dean, und dieser Film dramatisierte nur das letzte Drittel des Romans: die Geschichte von Adam Trasks Söhnen Caleb und Aron. Alles davor – die erste Generation von Brüdern und der Vater, der das Muster in Gang setzte – wurde gestrichen. Steinbeck baute sein Buch als Reim. Zwei Brüderpaare, eine Generation auseinander, wiederholen denselben Kampf um die Liebe eines Vaters, und die zweite Wiederholung bedeutet nur dann, was sie bedeuten soll, wenn man die erste gesehen hat. Entfernt man das erste Paar, wirken die Söhne wie ein Zufall statt wie ein Erbe.

Die Wiederherstellung beider Generationen ist die eigentliche Wette der Adaption, und sie prägt die Gestaltung der Serie. Ein Spielfilm muss sich für ein Fragment entscheiden; eine siebenstündige Miniserie hat den Raum, das Muster sich entfalten zu lassen, was genau Steinbecks Entwurf erfordert. Die Regie teilt sich entlang der Generationsnaht – Garth Davis inszeniert die ersten vier Episoden, Laure de Clermont-Tonnerre die letzten drei –, sodass die beiden Hälften der Familiensaga eine leicht unterschiedliche Handschrift tragen.

Das tragende Element des Buches ist keine Szene, sondern ein Argument. Timshel ist das hebräische Wort, das Steinbeck als »du kannst« übersetzt, und er setzt den ganzen Roman darauf: die Behauptung, dass ein Mensch nicht dazu verdammt ist, zu wiederholen, was ihm weitergegeben wurde, sondern dass er sich dagegen entscheiden kann. Im Roman gehört das Argument fast vollständig Lee, dem chinesisch-amerikanischen Koch der Familie Trask und der moralischen Instanz der Geschichte, einer Figur, die Jahre damit verbringt, zu lesen und nachzudenken, bis sie zu diesem einen Wort gelangt. Hier wird er von Hoon Lee gespielt. Ob eine Serie aus einer These ein Gespräch machen kann – ob timshel wie etwas klingt, das eine Person sagt, statt etwas, das ein Buch behauptet –, ist die Prüfung, die sich Kazans Drehbuch selbst auferlegt, und es ist der interessanteste Grund, einer Autorin dabei zuzusehen, wie sie sich dieses Materials in voller Länge annimmt.

Das Argument des Romans, doppelt besetzt

Um Pugh herum verdoppelt die Besetzung die Brüder bewusst. Christopher Abbott spielt Adam Trask, den guten Sohn, der nicht sieht, was vor ihm steht; Mike Faist spielt Charles, den Bruder, der heftig liebt und nie der Auserwählte ist. Eine Generation später spielt Joseph Zada Caleb – den Cal, den James Dean im kulturellen Gedächtnis verewigt hat – und Joe Anders spielt Aron, den goldenen Bruder, dessen Güte eine eigene Art von Blindheit ist. Tracy Letts ist Cyrus Trask, der Vater, der die Wunde öffnet, die der Rest der Geschichte nicht schließen kann. Ciaran Hinds ist Samuel Hamilton, der irische Rancher, der außerhalb der Familie als das Gewissen des Buches fungiert, und Martha Plimpton spielt Faye. Das Call Sheet ist im Grunde Steinbecks Argument, doppelt besetzt – dieselbe Familienform, wiederholt, damit das Publikum einem Muster zusehen kann, das versucht, sich zu brechen.

Es hat lange gedauert, bis jemand das Ganze versuchte, und der Grund ist teilweise der Umfang. Der Roman erstreckt sich über Jahrzehnte, zwei Familien, einen Umzug von Connecticut ins Salinas Valley, und eine moralische Struktur, die sich nur auszahlt, wenn man ihr Raum für den Reim gibt. Das Fernsehen ist der Ort, an dem solche Längen heute leben, und die Miniserie ist zur natürlichen Heimat für Literaturverfilmungen geworden, die ein zweistündiger Film ausweiden muss. Dieser East of Eden gehört in diese neuere Linie – die prestigeträchtige Miniserie, in der eine schwierige Frau einen historischen Quellenroman verankert – und er erbt sowohl den Ehrgeiz als auch das Risiko, das damit einhergeht.

Die Veröffentlichungsstrategie verrät etwas darüber, wie das Buch positioniert wird. Statt die sieben Episoden wöchentlich auszuspielen, veröffentlicht Netflix die gesamte Serie auf einmal – das Muster, das es für Titel reserviert, die als ein einziges literarisches Objekt konsumiert werden sollen, statt zwischen den Folgen diskutiert zu werden. Produziert von Anonymous Content und Fifth Season, kommt sie als Prestige-Anker für das lange Ende einer Award-Debatte mehr als für eine Woche Water-Cooler-Spannung. Das ist eine kohärente Wette für Steinbeck: East of Eden war nie eine Cliffhanger-Maschine, und seine Kraft hängt davon ab, dass man dieselbe Familienform wiederkehren sieht, bis die Wiederkehr selbst unerträglich wird.

Der Grund, warum East of Eden immer wieder neu aufgelegt und gelesen wird, ist, dass sein Thema nicht gealtert ist. Es ist ein Buch über die Frage, ob Grausamkeit wie ein Erbe weitergegeben wird – ob die Kinder kalter, liebloser Eltern dazu verdammt sind, so zu werden wie sie. Das ist genau die Frage, die ein heutiges Publikum mit dem Begriff Generationentrauma verbindet, und Steinbecks Antwort, durch Lee übermittelt, ist eine hartnäckige Verweigerung des Fatalismus: Das Muster ist real, und es kann dennoch verweigert werden. Das Buch tut nicht so, als sei die Verweigerung einfach. Es besteht nur darauf, dass sie möglich ist.

Cathy Ames ist die Figur, die diese Theorie bis zum Bruch testet. Sie steht so weit außerhalb des moralischen Vokabulars aller um sie herum, dass Leser seit siebzig Jahren uneins sind, was sie überhaupt ist – eine Schurkin, eine Fallstudie oder eine Person, die der Roman nie zu erklären gedachte. Pugh zu besetzen, eine Schauspielerin, die eine Karriere aus Frauen gemacht hat, die es ablehnen, auf Wunsch sympathisch zu sein, ist das klarste Signal dafür, wie ernst die Serie dieses Argument nimmt. Die Gefahr ist das Gegenteil von Fehlbesetzung: dass eine Darbietung, die lebendig genug ist, um genossen zu werden, Cathy zu einer Figur macht, die das Publikum als große Filmschurkin ablegen kann, während Steinbecks Punkt ist, dass sie sich überhaupt nicht ablegen lässt.

Florence Pugh in period costume in East of Eden — Photo: Netflix

Das ist die Frage, die die Serie erbt und nicht lösen kann, was das richtige Ergebnis ist. Wenn timshel wahr ist – wenn jeder sich gegen das entscheiden kann, was ihm gegeben wurde – dann ist Cathys Weigerung, sich anders zu entscheiden, verdammend. Wenn es nur der Trost ist, nach dem Steinbeck griff, um ein Buch über Menschen zu beenden, die nicht aufhören können, ihre Väter zu wiederholen, dann ist sie die einzige Figur, die ehrlich genug ist, aufzuhören, so zu tun. Der Trailer verkauft eine Schurkin, weil ein Trailer neunzig Sekunden hat und eine Schurkin sich verkauft. Der Roman ließ seine Leser nie so leicht davonkommen, und der wahre Maßstab dieser Adaption wird sein, ob sie über sieben Stunden hinweg denselben Nerv hält wie das Buch.

East of Eden startet am 1. Oktober 2026 auf Netflix, alle sieben Episoden gleichzeitig. Kreiert und geschrieben von Zoe Kazan nach John Steinbecks Roman, Regie führten Garth Davis und Laure de Clermont-Tonnerre, produziert von Anonymous Content und Fifth Season, mit Florence Pugh unter den Executive Producers.