Claude Monet, der Maler, der dasselbe Motiv immer wieder neu erfand

Claude Monet

Photo: Didier Descouens / Public domain, via Wikimedia Commons

Geboren	14. November 1840 Paris, France
Gestorben	5. Dezember 1926 (86)
Beruf	Maler

Der Graue Star kam langsam, dann auf einmal. Als Claude Monet das Problem schließlich eingestand, hatte er bereits ein Jahrzehnt damit verbracht, seine Palette anzupassen, um auszugleichen, was seine Linsen nicht mehr durchließen – Blau verschwand, Rot und Gelb verschmolzen ineinander, Formen, die einst Präzision von ihm verlangt hatten, begannen sich in etwas aufzulösen, das fast absichtlich wirkte. Er malte weiter. Die Tafeln, die er in diesem Zustand beschleunigten Augenversagens produzierte – der gewaltige Nymphéas-Zyklus, der heute in der Orangerie in Paris hängt – wurden die am meisten reproduzierten, am meisten analysierten, am meisten institutionell gefeierten Gemälde des zwanzigsten Jahrhunderts. Es liegt eine besondere Ironie darin, dass der Mann, der darauf bestand, dass eine Leinwand nur den unmittelbaren Lichteindruck einfangen solle, seine prägenden Werke in dem Moment schuf, als er Licht nicht mehr richtig sehen konnte.

Oscar-Claude Monet wurde 1840 in Paris geboren und wuchs in der Normandie auf, wo die Qualität des Küstenlichts – wandelbar, versilbert, in ständiger Aushandlung mit Wasser und Wolke – zum Thema wurde, das er sein ganzes Leben lang verfolgte. Sein Vater wollte ihn im Familienbetrieb (Lebensmittelgeschäft) sehen. Der Maler, der ihn umlenkte, war Eugène Boudin, ein lokaler Landschaftsmaler, der im Freien arbeitete und dem Teenager Monet sagte, dass der Himmel, das Meer und die Wolken die einzigen lohnenswerten Motive seien.

Er kam 1859 nach Paris mit Ambitionen, die der offizielle Salon immer wieder ablehnte. Die Académie des Beaux-Arts wollte Historienmalerei – Allegorien, Mythologie, Porträts, Szenen, die ihre eigene Bedeutung ankündigten. Monet wollte das Licht auf einem Frauenkleid um die Mittagszeit in einem Garten malen, wie Schnee die Farbe von Schatten veränderte, den Moment, in dem ein Heuhaufen die tiefstehende Sonne eines Winternachmittags einfing. Die Kluft zwischen dem, was Institutionen wollten, und dem, was er schuf, war die konstitutive Reibung des ersten Jahrzehnts seiner Karriere.

Der entscheidende Moment kam bei der unabhängigen Ausstellung von 1874, wo Monet Impression, Soleil levant zeigte, eine kleine Leinwand, die im Hafen von Le Havre entstanden war und das Morgenlicht durch Hafennebel in breiten, ungezögerten Pinselstrichen einfing. Ein Kritiker namens Louis Leroy nutzte den Titel des Gemäldes, um die gesamte Bewegung zu verspotten – er nannte die Teilnehmer „Impressionisten“ als abwertenden Begriff. Monet und seine Zeitgenossen, darunter Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley und Camille Pissarro, übernahmen das Etikett. Was ein Schimpfwort gewesen war, wurde zum Namen der einflussreichsten Bewegung der westlichen Kunst des neunzehnten Jahrhunderts.

Seine Einsicht – fast methodisch in ihrer Anwendung – war, dass ein einzelnes Motiv unter verschiedenen Licht-, Wetter- und Jahreszeitenbedingungen nicht dasselbe Motiv war, das mehrfach gesehen wurde, sondern jedes Mal ein anderes Motiv. Beginnend 1890 mit der Serie Les Meules malte er dieselben Heuhaufen im Sommerlicht, im Oktobernebel, unter Schnee, bei Sonnenuntergang, zwei Dutzend Mal. Die Serie der Kathedrale von Rouen kam als nächstes – dreißig Gemälde derselben Fassade, zu verschiedenen Tageszeiten über zwei Jahre hinweg entstanden. Die Steine waren nebensächlich; das Licht, das sie sichtbar machte, war das eigentliche Motiv.

Er zog 1883 nach Giverny, mietete ein Haus und das umliegende Land, bevor er das Anwesen 1890 kaufte. Der Garten, den er dort anlegte – und insbesondere der Seerosenteich, den er durch die Umleitung eines kleinen Nebenflusses der Epte schuf – wurde sowohl sein Motiv als auch sein Atelier. Er baute die japanische Brücke. Er arrangierte die Bepflanzung in bewussten Farbbögen. Und dann malte er, was er geschaffen hatte, tausendfach, aus verschiedenen Winkeln und zu verschiedenen Tageszeiten, und schuf damit die längste anhaltende Meditation über ein einzelnes Motiv in der Geschichte der westlichen Malerei.

Das Bild Monets als einsamer Dichter der Natur – Watstiefel an den Füßen, das Malmesser im Freien im Einsatz – war nicht unzutreffend, sondern vielmehr sorgfältig gepflegt. Er gehörte zu den frühesten modernen Künstlern, die Marktdynamiken verstanden. Er korrespondierte systematisch mit Händlern, steuerte die Veröffentlichung abgeschlossener Serien, um das Interesse zu maximieren, und pflegte Beziehungen zu Sammlern in ganz Frankreich mit der Aufmerksamkeit eines professionellen Verkäufers. Als die Serie Les Meules 1891 in der Galerie Durand-Ruel zum Verkauf kam, waren fünfzehn Gemälde in drei Tagen verkauft. Der Widerspruch zwischen dem romantischen Plein-air-Image und der kalkulierenden kommerziellen Intelligenz dahinter ist kein Skandal – es ist einfach das, was ihn dreißig Jahre lang ohne institutionelle Unterstützung am Arbeiten hielt.

Der Graue Star wurde um 1912 offiziell diagnostiziert. Bis 1922 konnte Monet fast kein Blau mehr unterscheiden: Die Linsen waren so stark vergilbt, dass sie sein gesamtes Sichtfeld in Richtung Rot und Orange filterten. Er unterzog sich 1923 einer Operation, aber die Eingewöhnungszeit war verwirrend – das korrigierte Auge zeigte Farben als zu kalt, alles hart und fremd. Er zerstörte Berichten zufolge einige der Gemälde, die er in dieser Übergangszeit malte. Er starb im Dezember 1926, immer noch arbeitend. Die großen Nymphéas-Tafeln – einige über vier Meter lang – die er als Geschenk für den französischen Staat vorgesehen hatte und die 1927 in der Orangerie installiert wurden, entstanden in dieser Zeit des eingeschränkten Sehvermögens. Sie beeinflussten später die Color-Field-Maler, die Abstrakten Expressionisten und jede nachfolgende Bewegung, die Farbe als Erfahrung und nicht als Beschreibung behandelte.

Seine erste Frau, Camille Doncieux, starb 1879, ein Verlust, von dem er sagte, er habe nicht aufhören können, ihn als Maler zu beobachten – er bemerkte die sich verändernden Farben auf ihrem Gesicht mit einer Distanziertheit, die ihn später beunruhigte. Er heiratete später Alice Hoschedé, deren Kinder Teil der erweiterten Familie in Giverny wurden. Sein Sohn Michel vermachte das Anwesen 1966 der Académie des Beaux-Arts; die Fondation Claude Monet öffnete im selben Jahr für die Öffentlichkeit und empfängt seitdem Besucher.

Der hundertste Todestag Monets fällt auf Dezember 2026. Die Gedenkprogramme sind umfangreich: eine große Retrospektive im Artizon Museum in Tokio, die auf einer beispiellosen Leihgabe aus dem Musée d’Orsay basiert; eine Ausstellung in Giverny, die seine frühesten Jahre vor den Seerosen, die ihn definierten, nachzeichnet; eine zeitgenössische Kunstaktion, die den ganzen Sommer über in der Normandie stattfindet. Im April wurden zwei Monet-Leinwände, die über ein Jahrhundert in Privatbesitz waren, bei Sotheby’s in Paris für 6,5 Millionen Euro verkauft. Der Markt, die Museen und die Tourismusindustrie verarbeiten weiterhin die Bedeutung dessen, was er geschaffen hat. Die Gemälde haben bereits seit hundert Jahren Aufmerksamkeit erregt. Der hundertste Jahrestag fügt nichts hinzu, was sie nötig hätten.

Schlagwörter: artists, Maler, Impressionismus, Pierre-Auguste Renoir, Claude Monet, französische Malerei

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