Salvador Dalí: der Maler, der den Wahnsinn mit der Präzision eines Uhrmachers erschuf

Salvador Dalí

Photo: Van Vechten, Carl, 1880-1964. / Public domain, via Wikimedia Commons

Geboren	11. Mai 1904 Figueres, Catalonia, Spain
Gestorben	23. Januar 1989 (84)
Beruf	Maler
Bekannt für	Ein andalusischer Hund, Jodorowsky's Dune, Imagine: John Lennon
Auszeichnungen	Médaille d'Or des Arts, Sciences et Lettres · Markis de Dalí de Púbol · Goldmedaille der Generalitat de Catalunya

Der Schnurrbart war die Ankündigung. Nicht die Gemälde, nicht die surrealistischen Manifeste, nicht die schmelzenden Uhren, die seit 1934 im MoMA hingen – der Schnurrbart. Salvador Dalí kultivierte diese aufwärts gebogenen Antennen zu einem Markenzeichen, das auf jedem Kontinent erkennbar war, und pflegte sie mit derselben obsessiven Präzision, die er auf seine Leinwände brachte. Was sie ankündigten, war nicht Eitelkeit, sondern Methode: Dieser Mann hatte, Jahrzehnte bevor das Wort „Branding“ in den Wortschatz der Kunstwelt eindrang, verstanden, dass das öffentliche Bild eines Künstlers selbst ein Medium ist.

Der Widerspruch im Zentrum seines Lebens ist real und ungelöst. Dalí war in den handwerklichen Traditionen der alten spanischen Meister ausgebildet – Velázquez, El Greco, Goya – und er malte mit einer technischen Disziplin, die keine noch so traumhafte Bildsprache verbergen konnte. Sein kleines Ölgemälde Die Beständigkeit der Erinnerung, 1931 eigenen Angaben zufolge in etwa zwei Stunden vollendet, hängt im MoMA als eines der am häufigsten reproduzierten Bilder in der Geschichte der westlichen Kunst. Die Leinwand misst 24 mal 33 Zentimeter. Die Beherrschung darin ist erschreckend. Derselbe Maler später signierte leere Lithographie-Bögen gegen Bargeld, und das Gefolge, das ihn in seinen letzten Jahren umgab, wurde von Kritikern und der Stiftung, die heute seinen Nachlass verwaltet, als Ausbeutung eines Mannes beschrieben, dessen Urteilsfähigkeit nachließ.

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech war das zweite Kind dieses Namens in der Familie Dalí in Figueres, Katalonien. Sein älterer Bruder, ebenfalls Salvador, war neun Monate vor der Geburt des Malers im Mai 1904 gestorben. Der Vater behandelte den neuen Sohn der Überlieferung nach als Fortsetzung des Verstorbenen, was den zweiten Salvador in die eigentümliche Lage versetzte, jemanden zu ersetzen, den er nie kennengelernt hatte. Das Thema Identität, Verdoppelung und das konstruierte Selbst erscheint in seinem Werk so regelmäßig, dass Kritiker es seit langem als Autobiographie lesen.

Seine künstlerische Ausbildung war methodisch und ernsthaft. Die Real Academia de Bellas Artes de San Fernando in Madrid nahm ihn mit sechzehn auf, wo er Impressionismus, Kubismus und Futurismus mit der Gründlichkeit eines Menschen aufnahm, der vorhatte, jede Bewegung zu überwinden, anstatt ihr anzugehören. Er wurde 1926 von der Akademie verwiesen, vor seinen Abschlussprüfungen, nachdem er erklärt hatte, kein Professor dort sei qualifiziert, seine Arbeit zu beurteilen. Ob das Arroganz oder eine zutreffende Einschätzung war, wird noch immer diskutiert. Er hatte bereits Pablo Picassos Atelier in Paris besucht und war nach Katalonien zurückgekehrt, wissend, was er werden wollte.

Der Sommer 1929 verwandelte ihn gleich in zwei Richtungen. Paul Éluard – einer der zentralen Dichter des französischen Surrealismus – besuchte Dalís Atelier in Cadaqués mit seiner Frau Elena Diakonova, die allgemein als Gala bekannt war. Der Maler ging eine Bindung ein, die dreiundfünfzig Jahre währte, bis zu ihrem Tod 1982. Sie war elf Jahre älter als er, in Russland geboren und besaß eine organisatorische Fähigkeit, die sein kreatives Schaffen an fast jedem Punkt ergänzte. Er nannte sie seinen im Mutterleib getrennten Zwilling. Sie managte ihn, inspirierte ihn und erschreckte ihn manchmal. Er schenkte ihr schließlich ein Schloss aus dem vierzehnten Jahrhundert in Púbol und benötigte eine schriftliche Erlaubnis, um sie dort besuchen zu dürfen.

Im selben Jahr trat Dalí der surrealistischen Gruppe in Paris bei und wurde schnell zu ihrem sichtbarsten und destabilisierendsten Mitglied. André Breton, der als ideologischer Schiedsrichter der Bewegung fungierte, hatte den Surrealismus um die Automatik herum aufgebaut – die Prämisse, dass das Unbewusste, befreit von rationaler Kontrolle, authentische Bilder erzeugen könne. Dalí forderte den Rahmen von innen heraus. Seine paranoisch-kritische Methode schlug etwas bewusster Konstruiertes vor: die Simulation von paranoidem Delirium als kontrollierte Technik zur Erzeugung von Doppel- und Mehrfachbildern aus einer einzigen Komposition. Der Unterschied klingt akademisch. In der Praxis war er das nicht. Dalí ergab sich nicht dem Unbewussten. Er führte es Regie.

Die Werke seines surrealistischen Jahrzehnts bleiben diejenigen, die am meisten mit seinem Namen verbunden sind. Die Beständigkeit der Erinnerung wurde im Jahr nach seiner Vollendung vom MoMA erworben. Weiche Konstruktion mit gekochten Bohnen (Vorahnung des Bürgerkriegs), 1936 fertiggestellt, antizipierte die spanische Katastrophe mit anatomischem Grauen, das mit der Geduld eines flämischen Malers komponiert war. Die Metamorphose des Narziss, 1937 vollendet, erschien zusammen mit einem Gedicht, das Dalí selbst schrieb – eines der wenigen Beispiele, wo sich seine geschriebene und gemalte Sprache trafen und gegenseitig stützten. Der große Masturbator von 1929, aufgebaut um ein riesiges, verlängertes Gesicht, das auf den Boden gepresst ist, aus dem andere Figuren und Objekte in beunruhigender Nähe hervortreten, bleibt eines seiner meistdiskutierten Werke. Es spaltete die Meinung 1929. Es tut es noch immer.

Der kritische Bericht über seine surrealistische Periode, der in Retrospektiven selten in den Vordergrund gerückt wird, besagt, dass André Breton Dalí 1939 aus der Bewegung ausschloss – nicht trotz seines Erfolgs, sondern genau deswegen. Bis 1934 hatten sich die Spannungen zu einem formellen „Prozess“ verschärft, bei dem Dalí aufgefordert wurde, Aussagen zu erklären, die die Gruppe politisch und kommerziell inakzeptabel fand. Er erschien mit einem Thermometer im Mund, gab vor, Fieber zu haben, und las einen vorbereiteten Text vor, während er methodisch Kleidungsstücke ablegte. Er überlebte diese Sitzung. Breton schloss ihn fünf Jahre später endgültig aus und prägte das Anagramm „Avida Dollars“ – eine Umstellung der Buchstaben von „Salvador Dalí” – als sein zusammenfassendes Urteil über einen Mann, der, in Bretons Lesart, die Sprache des Unterbewusstseins in Werbetexte verwandelt hatte. Der Spitzname blieb hängen. Ebenso das Werk.

Breton lag mit der kommerziellen Ausrichtung nicht falsch. 1937 hatte Dalí mit der Designerin Elsa Schiaparelli an dem Hummerkleid zusammengearbeitet – einem weißen Abendkleid mit einem roten Krustentier –, das Wallis Simpson trug und von Cecil Beaton für die Vogue fotografiert wurde. Er gestaltete Schaufensterdekorationen für Bonwit Teller in New York. 1945 engagierte ihn Alfred Hitchcock für die Gestaltung der Traumsequenz für Spellbound, womit surrealistische visuelle Logik erstmals im großen Stil in den Mainstream-Hollywoodfilm gelangte. Im selben Jahr begann er eine Zusammenarbeit mit Walt Disney an einem animierten Kurzfilm namens Destino; das Projekt wurde nach achtmonatiger Arbeit auf Eis gelegt und erst 2003 fertiggestellt, vierzehn Jahre nach seinem Tod. Seine postume Premiere bei den Filmfestspielen von Cannes erntete sowohl Beifall als auch einen jahrelang anhaltenden Urheberrechtsstreit.

Die amerikanischen Jahre, ungefähr 1940 bis 1948, waren in etwa gleichem Maße produktiv und umstritten. Er lebte in Monterey und New York und schuf Werke, die sich stetig von der Traumbildsprache wegbewegten hin zu dem, was er 1948 als „Nukleare Mystik“ ankündigte – eine Verschmelzung der Bildsprache des spanischen Goldenen Zeitalters mit Atomphysik und katholischer Spiritualität. Christus des heiligen Johannes vom Kreuz, 1951 vollendet, zeigt die Kreuzigung von oben, über Christi gesenkten Kopf und ausgestreckte Hände hinweg auf einen Fischerhafen weit unten – keine Wunden, kein Blut, keine Dornenkrone. Die Glasgow Corporation erwarb es für £8.200, ein Preis, der beträchtliche kritische Verachtung von Kommentatoren hervorrief, die meinten, eine schottische kommunale Körperschaft habe kein Recht, öffentliche Gelder für ein Andachtsgemälde eines spanischen Surrealisten auszugeben. Diese Leinwand ist heute eines der meistbesuchten Werke in der Kelvingrove Art Gallery, und Glasgow betrachtet es als einen seiner bedeutendsten Besitztümer.

Das letzte Jahrzehnt seines Lebens, von Galas Tod 1982 bis zu seinem eigenen Tod im Januar 1989, hat weniger Beachtung gefunden, als es verdient. Er zog in das Schloss von Púbol, das er ihr geschenkt hatte, und lebte dort in einer Trauer, die Freunde als Orientierungslosigkeit beschrieben. Ein Brand auf dem Schloss im Jahr 1984 – offiziell als Unfall eingestuft – hinterließ Verbrennungen bei ihm und beendete diesen Wohnsitz. Er wurde in die Torre Galatea verlegt, angrenzend an das von ihm entworfene Dalí-Theater-Museum in Figueres, wo er am 23. Januar 1989 im Alter von vierundachtzig Jahren an Herzstillstand starb. Er ist in der Krypta unter der zentralen Halle des Theater-Museums beigesetzt. Er hatte den Wunsch geäußert, im Schloss von Púbol bestattet zu werden; die lokalen Behörden in Figueres setzten sich über diesen Wunsch hinweg mit der Begründung, die Stadt habe das stärkere Anrecht. Selbst im Tod provozierte er einen Streit darüber, wem er gehörte.

Die Vorwürfe gegen diejenigen, die ihn in dieser letzten Phase umgaben, bleiben in der historischen Literatur lebendig. Die Gala-Salvador-Dalí-Stiftung, die seinen Nachlass verwaltet, hat Jahre damit verbracht, Werke, die seine Unterschrift tragen und auf dem Markt zirkulieren, zu katalogisieren und zu versuchen, sie zu authentifizieren oder zu widerlegen. Die Schätzung der leeren Lithographie-Bögen, die er signierte – Bögen, die später mit Bildern bedruckt und als autorisierte Werke verkauft wurden – geht in die Tausende. Ob Dalí verstand oder zustimmte, was diese Signaturen schließlich autorisieren würden, ist eine Frage, deren Klärung der Kunstmarkt aus starken finanziellen Gründen ausweicht.

Im Jahr 2026 markieren die Institutionen, die sein Werk beherbergen, die Reife seines Vermächtnisses mit umfangreichen Ausstellungsprogrammen. Das Dalí Museum in St. Petersburg, Florida – das die weltweit größte Sammlung seines Werkes außerhalb Europas beherbergt – eröffnete im Mai Dalí in America, das seine Beziehung zu den Vereinigten Staaten anhand von mehr als siebzig Gemälden, Objekten und Archivmaterialien nachzeichnet. Die Schau läuft bis Oktober. Die Di Donna Galleries in New York präsentierten Dalí: The Great Years, 1929–1939, das sich auf das Jahrzehnt konzentriert, in dem sowohl seine reife Bildsprache als auch seine öffentliche Persona in ihrer endgültigen Form erstarrten. Eine weitere Ausstellung, die seine Beziehung zur kunsthistorischen Tradition untersucht – zu Leonardo, zum niederländischen Goldenen Zeitalter, zu den spanischen Meistern, die als erste seine Hand formten –, wurde in diesem Herbst eröffnet.

Der halluzinogene Torero, vollendet zwischen 1968 und 1970 und heute im Dalí Museum in St. Petersburg, ist wahrscheinlich das technisch ehrgeizigste Gemälde seiner späten Karriere. Es ist fast vier Meter hoch und ist aus mehreren Wiederholungen der Venus von Milo aufgebaut, innerhalb derer ein Stierkämpfergesicht und -kostüm durch Wahrnehmungstäuschung hervortreten. Dalí arbeitete zwei Jahre daran; er war Mitte sechzig, als er es fertigstellte. Die Beherrschung ist unvermindert. Was auch immer er in der Öffentlichkeit für ein Schauspiel bot – im Atelier arbeitete er noch mit der Präzision des Jungen, der sich im Alter von neun Jahren die Öltechnik selbst beigebracht hatte.

Wofür das Werk nun spricht, da die Persona endlich verstummt ist: dass Dalís technischer Ehrgeiz echt und über sieben Jahrzehnte hinweg anhaltend war; dass die paranoisch-kritische Methode Bilder hervorbrachte, die das zwanzigste Jahrhundert nicht wiederholte; und dass die Inszenierung, die er ab den 1930er Jahren aufrechterhielt – der Schnurrbart, die Erklärungen, die bewussten Provokationen – selbst als ein erweitertes Kunstwerk lesbar sein könnte, dessen Thema die Beziehung zwischen einem Künstler und der Kultur, die ihn konsumiert, ist. Die schmelzenden Uhren in Die Beständigkeit der Erinnerung handeln nicht von der ablaufenden Zeit. Sie handeln davon, dass Zeit weich, formbar wird und dem Druck von Quellen ausgesetzt ist, die die Vernunft allein nicht lokalisieren oder benennen kann.

Schlagwörter: artists, Maler, Bildende Künstler, Surrealismus, Gala Dalí, Luis Buñuel