Wie Diane Keaton über ihre bekannteste Rolle hinauswuchs

Diane Keaton

Photo: Sbclick / CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Geboren	5. Januar 1946 Los Angeles, California
Gestorben	11. Oktober 2025 (79)
Beruf	Schauspielerin und Filmregisseurin
Bekannt für	Der Pate, Der Pate – Teil II, Findet Dorie
Auszeichnungen	Oscar · BAFTA · Golden Globe · AFI

Das Besondere an Diane Keaton, das kein einziges Foto je wirklich einfangen konnte, war dies: Es gab zwei von ihr, und die Öffentlichkeit hatte sich begeistert für nur eine entschieden. Die, die sie wählten, trug die übergroße Weste und die Fliege, stotterte sich durch Komplimente und lachte über sich selbst, bevor es irgendjemand anderes tun konnte. Es war eine vollständig ausgearbeitete Figur – nervös, gewinnend, unmöglich festzunageln – und als Annie Hall 1977 erschien, veränderte es, wie eine amerikanische Frau im Film klingen durfte.

Sie wurde als Diane Hall am 5. Januar 1946 in Los Angeles geboren, wuchs im nachkriegszeitlichen, beschaulichen Vorortleben Südkaliforniens in Santa Ana auf, als ältestes von vier Kindern. Ihre Mutter Dorothy – eine Hausfrau mit einem leidenschaftlichen Amateurinteresse an Fotografie und einem lokalen Schönheitstitel – war die theatralischste Präsenz im Haus. Von der Santa Ana High School über kurze Aufenthalte am Orange Coast College bis zur Neighborhood Playhouse School of the Theatre in New York kam Keaton am Broadway an, gerade als die 1960er ihr lautestes Jahrzehnt beendeten, als Zweitbesetzung für eine Hauptrolle in Hair und fand ihre Stimme in Woody Allens Play It Again, Sam, wo sie die Rolle der Linda Christie kreierte und erstmals einen Vorgeschmack auf die exquisite Komik gab, die ihr öffentliches Image für Jahre prägen sollte.

Sie änderte ihren Nachnamen in Keaton – den Mädchennamen ihrer Mutter – als sie der Actors‘ Equity beitrat, weil eine andere Schauspielerin bereits die Rechte an Diane Hall besaß. Der neue Name machte schnell die Runde. 1972 besetzte Francis Ford Coppola sie an der Seite von Al Pacino in Der Pate als Kay Adams-Corleone, und das Jahrzehnt der rauesten Neuerfindung des amerikanischen Kinos nahm sie für sich in Anspruch. Sie war auch die Freundin von Woody Allen, beruflich und kurzzeitig privat, und gemeinsam schufen sie etwas Ungewöhnliches: eine Komödie der Angst, die romantische Dysfunktion ernst nahm. Play It Again, Sam, Der Schläfer, Love and Death – jede dieser Arbeiten verfeinerte die Figur. Annie Hall brachte Keaton den Oscar als beste Hauptdarstellerin ein, zusammen mit dem BAFTA und dem Golden Globe, und machte sie zu einem Phänomen, mit dem die Branche sie nie ganz aufhören würde zu assoziieren.

Was dieses Phänomen verdeckte, war, dass Keaton im selben Jahr, in dem Annie Hall anlief, in Richard Brooks‘ Looking for Mr. Goodbar auftrat – ein weitaus verstörenderer Film, in dem sie eine Frau spielte, deren Privatleben unter Druck zerfiel, den sie öffentlich im Griff hatte – und die Darbietung war so roh und kontrolliert wie alles, was sie je tun würde. Der Film wurde von denselben kritischen Institutionen weitgehend übergangen, die Annie Hall feierten, was eine Geschichte darüber erzählte, was das Publikum von dieser besonderen Darstellerin zu empfangen bereit war. Die Branche hatte die Version von Diane Keaton gefunden, die sie wollte, und war an den anderen nicht sonderlich interessiert.

Reds, Warren Beattys Epos von 1981 über die radikale Journalistin Louise Bryant und ihre Beziehung zu John Reed, gab Keaton eine andere Art von Rolle: eine Frau, geprägt von Politik, Überzeugung und dem schwierigen Preis, in einer Welt ernst genommen zu werden, die sie lieber dekorativ sah. Sie erhielt ihre zweite Oscar-Nominierung für eine Darbietung, die präzise war, wo Annie Hall intuitiv gewesen war, formell, wo jener Film ungeschützt gewesen war. Reds verlor das Rennen um den besten Film gegen Die Stunde des Siegers, und Keatons Arbeit wurde in den ehrgeizigen Beinahe-Erfolg des Films absorbiert. Dennoch erweiterte sie die Bandbreite dessen, was ihr Name bedeuten konnte.

Sie wandte sich auch der Regie zu – Unstrung Heroes 1995 und Hanging Up 2000 – keiner der Filme erhielt die Aufmerksamkeit, die er verdient hätte, aber beide belegten, dass ihre kreativen Interessen über die Schauspielerei hinausgingen. Ansonsten ließ sie die kommerzielle Arbeit ihr Gewicht tragen: Vater der Braut 1991, Der Club der Teufelinnen 1996, beide enorme Mainstream-Erfolge, in denen sie innerhalb des erwarteten Registers agierte, während sie dennoch Entscheidungen traf, die sie von der Rolle unterschieden. Mit Was das Herz begehrt 2003 gab Nancy Meyers ihr eine Dramatikerin, deren Liebesleben verhärtet war – und die entdeckte, dass es das nicht war – und Keaton erhielt eine vierte Oscar-Nominierung für eine Komödie, die zufällig von innen heraus wusste, wie sich Melancholie anfühlt.

Sie heiratete nie. In einer Kultur, die das Leben von Frauen teilweise an ihren häuslichen Arrangements maß, navigierte sie jahrzehntelange hochkarätige Beziehungen – mit Allen, mit Pacino, mit Beatty, jede endete – und adoptierte dann in ihren Fünfzigern zwei Kinder. Dexter und Duke Hall wurden von einer Frau großgezogen, die ihr Berufsleben damit verbracht hatte, Frauen zu spielen, die die Bedingungen ihrer eigenen Freiheit aushandelten, was nicht völlig zufällig war. Sie war auch, durchgehend, eine Sammlerin: von Kunst, von Fotografien, von historischen Häusern, die sie entlang der kalifornischen Küste kaufte und restaurierte – eine architektonische Praxis, die dieselbe Aufmerksamkeit für Form und Proportion ausdrückte, die sich in ihren Entscheidungen auf der Leinwand zeigte.

Die späteren Arbeiten – Book Club 2018, Mack & Rita 2022, Summer Camp 2024, ihr letzter abgeschlossener Film an der Seite von Eugene Levy und Kathy Bates – wurden mit unterschiedlichem Enthusiasmus aufgenommen, keiner davon im Verhältnis zu dem, was sie einbrachte. Sie tauchte weiterhin auf: für die Arbeit, für die Branche, für eine Kultur, die sie zu einem Bezugspunkt gemacht hatte und die ständig überrascht schien, wenn sie sich weigerte, sich wie ein solcher zu verhalten. Zum Zeitpunkt ihres Todes am 11. Oktober 2025 an bakterieller Lungenentzündung hatte sie drei unvollendete Filmprojekte, darunter einen Survival-Thriller namens Constance. Sie wurde neunundsiebzig Jahre alt.

Die Frage, die sie hinterließ, ist dieselbe, die sie seit 1977 gestellt hatte: ob das nervöse Lachen und der Hut und die übergroße Jacke das vollständige Bild waren oder lediglich der Teil, den die Branche zu empfangen wusste. Betrachtet man das gesamte Werk – die Komödie und die Verzweiflung, die romantischen Hauptrollen und die Frauen am Rande ihrer eigenen Architektur – war die Antwort nie wirklich naheliegend.