Cecily Brown: Die Malerin des Begehrens malt jetzt Parks, Märchen und Touristenmassen

Cecily Brown

Geboren	1969 London, England
Beruf	Malerin
Bekannt für	Destricted

Betrachtet man ein Gemälde von Cecily Brown lange genug, beginnen sich aus dem Sturm der Pinselstriche nach und nach Körper herauszuschälen: ein Knie, ein offener Mund, zwei Gestalten, die ineinander verschlungen sind – auf etwas, das sich als Flussufer entpuppt. Diese allmähliche Enthüllung hat einen Markt entstehen lassen, auf dem ihre Bilder für Millionen den Besitzer wechseln. Genau diese Wirkung scheint die britische Malerin nun gezielt zu unterlaufen. Bei ihrer Rückkehr nach London füllten gefällte Baumstämme, Waldwege und Tuschezeichnungen nach Motiven aus Kinderbüchern eine Galerie in den Kensington Gardens. Eine Kritikerin gestand nach dem Besuch, sie sei wegen der verborgenen Orgien gekommen – und habe stattdessen Humpty Dumpty vorgefunden.

Ist das ein Rückzug oder der folgerichtige Endpunkt einer Auseinandersetzung, die Brown von Anfang an mit der Malerei führt? Ihre Bilder sollten den Betrachter stets in Ungewissheit lassen. „Meine Arbeit hatte immer etwas Unbeständiges, weil nichts feststeht“, sagte sie dem WSJ Magazine. „Man glaubt zu wissen, was man sieht. Dann schaut man noch einmal hin, und alles verschiebt sich.“ In den neuen Arbeiten richtet sie diese Unbeständigkeit gegen ihren eigenen Ruf – und gegen Sammler und Kritiker, die glaubten, genau zu wissen, was ein Cecily-Brown-Bild ausmacht.

Brown, Tochter der Schriftstellerin Shena Mackay, wuchs nach ihrer Geburt 1969 in London in Surrey auf. Sie studierte an der Epsom School of Art und am Morley College und schloss 1993 ihr Studium an der Slade School of Fine Art ab. Der Familienfreund, der sie mit Jasper Johns und Richard Serra bekannt machte und mit ihr Francis Bacon besuchte, war der Kritiker David Sylvester. Dessen Interviews mit Bacon hatten damals alle Kunststudenten gelesen. Mit 21 Jahren erfuhr Brown, noch während ihrer Zeit an der Slade, dass Sylvester ihr Vater war. Jahre später brachte sie die Folgen auf den Punkt: „In London bin ich ein Nepo-Baby, und hier wissen die Leute nicht so genau, dass mein Vater ein großes Tier war.“ Mit „hier“ meinte sie New York.

1994 zog sie dorthin – auch, weil man in London, wo Damien Hirst und Sarah Lucas den Ton angaben, den Drang zu malen als leicht rückständig betrachtete. Jeffrey Deitch richtete ihr 1997 und 1998 zwei Einzelausstellungen in den Deitch Projects in SoHo aus, beide voller kopulierender Häschen. Bis 2000 war Brown bei Gagosian unter Vertrag, die Hasen waren zu menschlichen Körpern geworden, die halb in dicker, rasch aufgetragener Farbe versanken, und ihre Preise hatten sechsstellige Höhen erreicht.

Der Ruhm kam lange vor der Anerkennung durch die Kritiker: Brown posierte für Vanity Fair und wurde gemeinsam mit John Currin und Lisa Yuskavage zu den figurativen Malern der Stunde gezählt. Roberta Smith von der New York Times verriss ihre erste Gagosian-Ausstellung. Später erinnerte sie sich, die Bilder „sinnlos chaotisch, grundlos provokant“ und „auf Verkauf ausgelegt“ gefunden zu haben – was sich bewahrheitete. Ein Jahrzehnt lang begleitete Brown der Verdacht, sie habe sich die selbstbewusste Geste Willem de Koonings und der Abstrakten Expressionisten angeeignet, ohne deren Einsatz zu teilen, und die Fotografien leisteten einen Teil der Arbeit.

Was dieser Verdacht übersah, war die Fülle an Bezügen unter der Oberfläche. Brown greift auf Rubens, Bruegel, Bosch und Goya zurück und entlehnt ihre Titel dem alten Hollywood, etwa für Suddenly Last Summer. Ihre Zeichnungen führen noch weiter zurück – bis zum Cover von Jimi Hendrix’ Electric Ladyland. Der Kurator Ian Alteveer hat das Wort „maid“, das in Browns Titeln immer wieder auftaucht, bis in ihre Londoner Studienzeit zurückverfolgt, als sie ihren Lebensunterhalt mit dem Putzen von Häusern verdiente. 2014 verließ sie Gagosian still und leise, begann mit der früheren Galeriedirektorin Andrea Crane zu arbeiten und verteilte ihre Arbeit auf Paula Cooper in New York und Thomas Dane in London. „Vielleicht wäre es besser, stärker eingebunden zu sein und nicht ganz so viel Macht abgegeben zu haben“, sagte sie über diesen Schritt.

Die Neubewertung kam im Metropolitan Museum of Art. Cecily Brown: Death and the Maid, von Alteveer kuratiert und von April bis Dezember 2023 zu sehen, war Browns erste umfassende Museumsschau in New York. Im Mittelpunkt standen Totenschädel und Schönheiten, die sich im Spiegel betrachten. Vor der Eröffnung gestand Brown, unter einem „kompletten Hochstapler-Syndrom“ zu leiden. Smith besuchte die Ausstellung dreimal und veröffentlichte anschließend eine Kolumne mit der Überschrift „I Was Wrong About Cecily Brown“. Darin räumte sie ein, Browns gezielte Komplexität für bloße Geschäftigkeit gehalten zu haben, weil sie sich nie die Zeit genommen hatte, die Bilder wirklich in Ruhe anzusehen.

Der Kunstmarkt hatte schon lange aufgehört, auf die Kritiker zu warten. Suddenly Last Summer erzielte 2018 bei Sotheby’s rund 6,8 Millionen Dollar. Im November 2025 brachte High Society, ein Bild aus Browns Hasen-Jahren, bei Sotheby’s in New York 9,81 Millionen Dollar ein und übertraf damit ihren bisherigen Rekord um 44 Prozent. Brown hat diese Anziehungskraft auch für andere eingesetzt: 2021 spendete sie There’ll be bluebirds, das bei Christie’s 3,5 Millionen Pfund für ClientEarth einbrachte, eine Wohltätigkeitsorganisation für Umweltrecht.

Deshalb ist die Reaktion auf Cecily Brown: Picture Making, die von März bis September 2026 in der Serpentine South zu sehen war, von Bedeutung. Ihre erste große Gemäldeausstellung in einem britischen Museum seit der Schau im Modern Art Oxford 2005 gab dem alten Vorwurf eine neue Gestalt. The Arts Desk bezeichnete das beste Bild der Ausstellung als ein Werk, das mehr als zwanzig Jahre zuvor entstanden war, fand neuere Leinwände „schwerfällig und leblos“ und tat die Serie mit Spaziergängen durch die Natur als „malerisches Klischee“ ab. Cultbytes überschrieb seine Rezension mit der Feststellung, Brown drehe die erotische Spannung herunter. Der Vorwurf lautet nun, sie male nicht mehr so, wie es die Käufer von ihr erwarteten. Das ist ein seltsamerer Vorwurf als Smiths Kritik aus dem Jahr 2000 – und er sagt ebenso viel über die Marke wie über die Malerei aus.

Brown hat ihr Tempo nicht gedrosselt, um darauf zu antworten. A sunset, a ruin, a crowd, and a battle, ihre vierte Ausstellung mit Thomas Dane und die zweite in dessen Räumen in Neapel, wurde am 29. September eröffnet und läuft bis zum 19. Dezember 2026. Die dreißig neuen Gemälde und Zeichnungen führen vom Park ihrer Londoner Ausstellung zu den Stränden eines europäischen Sommers. Das zentrale Werk, Sorrento Sunset, ist fast vier Meter breit: eine dicht gedrängte Touristenstadt, in der Besucher im Gegenlicht um ein Selfie kämpfen. Im Sommer hing das Cranbrook Art Museum in Michigan eines ihrer großformatigen Gemälde neben Werken von Joan Mitchell und Sam Gilliam – genau jener Gesellschaft, an der Brown seit Langem gemessen wird.

Brown lebt mit ihrem Mann, dem Architekturkritiker Nicolai Ouroussoff, in New York. Die beiden heirateten 2008, ihre Tochter kam im Jahr darauf zur Welt. Brown arbeitet in einem Atelier nahe dem Union Square und sagt, sie könne an einem einzigen Tag von einer großen Leinwand zu einem Aquarell und dann zu einem Druck wechseln.

Vielleicht wird Neapel zur Antwort auf London. Die Körper sind zurück, in großer Zahl – nur sind sie jetzt sonnenverbrannt, halten ihre Handys in die Höhe und stehen für Cocktails Schlange. Ob die Sammler, die sich nach den Liebenden im Unterholz sehnten, nun auch Menschenmengen am Strand sehen wollen, ist die offene Frage ihres nächsten Jahrzehnts. Brown hat sie mit Farbe bereits beantwortet.

Schlagwörter: artists, Maler, zeitgenössische Kunst, Cecily Brown, Thomas Dane Gallery, David Sylvester