Lee Ufan: Der Künstler, der aus Stein und Stahlplatte eine Philosophie machte

Lee Ufan hat den größten Teil seines künstlerischen Lebens damit verbracht, möglichst wenig zu tun. Ein Felsbrocken, vor einer Platte aus unverarbeitetem Stahl abgelegt. Ein grauer Strich, über eine wandgroße Leinwand gezogen, bis der Pinsel trocken ist. Lee spricht von einer Kunst der Begegnung statt des Machens und hat diese Idee in Essays ebenso vertreten wie in Museumsgärten von Naoshima bis Versailles. Das Problem – falls es eines ist: Das Minimalistische ist unverkennbar geworden. Sammler erkennen einen Lee auf einer voll besuchten Kunstmesse sofort, die Auktionshäuser wissen, was jeder Strich wert ist, und der Künstler, der sich vom Objekt zurückziehen wollte, steht nun, mit neunzig, im Mittelpunkt einer Feier seines eigenen Namens, die sich über fünf Länder erstreckt.

Die Gewohnheit, sehr genau auf sehr wenig zu schauen, entwickelte sich früh. Lee wuchs im Süden der koreanischen Halbinsel auf, als diese noch unter japanischer Herrschaft stand: zunächst im Landkreis Haman, später in Busan. Zu Hause kümmerte sich sein konfuzianischer Großvater um seinen Unterricht in Kalligrafie, Tuschemalerei und chinesischen Klassikern. Lee hat gesagt, dass ihm Bücher schon immer lieber waren als Pinsel. Er schrieb sich an der Seoul National University für Malerei ein, hielt es dort aber nur wenige Monate aus. Dann reiste er aus familiären Gründen nach Japan und brachte einem kranken Onkel Medikamente. Der Onkel sagte ihm, er solle bleiben. Lee tat es – und wandte sich statt der Malerei der Philosophie zu.

1961 hatte Lee, geboren am 24. Juni 1936, an der Nihon University in Tokio sein Philosophiestudium abgeschlossen; seine besondere Leidenschaft galt Martin Heidegger. Eine kurze Rückkehr nach Südkorea brachte ihn in Konflikt mit der Militärregierung. Mitte der 1960er-Jahre war er wieder in Japan und schrieb mindestens ebenso viel, wie er malte. Seine erste Einzelausstellung eröffnete im März 1967 in der Sato Gallery in Tokio. 1969 erhielt sein Essay „From Object to Being“ einen Kritikerpreis. In seinen Texten über den Bildhauer Nobuo Sekine gab Lee dem Werk eine theoretische Grundlage, das Sekine 1968 in einem Park in Kobe geschaffen hatte: Er grub ein tiefes, zylindrisches Loch und stellte die ausgehobene Erde daneben als Säule auf. Dieses Werk, Phase—Mother Earth, wurde zum Gründungsobjekt von Mono-ha, der „Schule der Dinge“.

Lee wurde zum Theoretiker der Bewegung und zu ihrer wortgewandtesten Stimme. Seine 1971 unter dem Titel In Search of Encounter gesammelten Essays plädierten dafür, dass die Kunst keine Bilder mehr herstellen, sondern Dinge, Menschen und Raum miteinander in Beziehung setzen solle. Die Welt sollte, wie Lee es formulierte, so gezeigt werden, wie sie ist. Auf die Texte folgten die Skulpturen. In Phenomena and Perception B ließ er einen Stein auf eine Glasplatte fallen und überließ es den Rissen, ihren eigenen Weg zu nehmen. Seit den frühen 1970er-Jahren gab er fast allen seinen Skulpturen denselben Titel: Relatum. Steine neben Stahlplatten, Glas, Baumwolle oder Gummi – jedes Werk eine Beziehung statt eines Objekts. Vier Jahrzehnte später führte er das Werk mit der Glasplatte im Guggenheim erneut auf: Er beugte sich über die Platte und hielt den Felsbrocken in den Händen.

Die Malerei kehrte in strengerer Form zurück. Die Serien From Point und From Line, 1973 erstmals in der Tokyo Gallery gezeigt, entstanden mit gemahlenen Mineralpigmenten, die mit Hautleim gebunden wurden – Materialien der Nihonga-Tradition, die Lee aufgenommen hatte. Er lud den Pinsel für jeden Strich einmal und wiederholte die Bewegung, bis der Pinsel leer war. So verblassen Punkte und Linien über die Leinwand, als ginge ihnen der Atem aus. 1975 beriet Lee bei der Ausstellung Five Korean Artists, Five Kinds of White in derselben Galerie. Die Schau mit Park Seo-bo und vier weiteren Malern brachte Dansaekhwa, die koreanische monochrome Malerei, als Bewegung auf den Weg. Von 1973 bis 2007 lehrte Lee an der Tama Art University; seit Langem teilt er seine Zeit zwischen Kamakura und Paris auf.

In den späteren Arbeiten wird fast alles weggelassen. With Winds, zwischen 1987 und 1991 gemalt, lässt lockerere, schnellere Striche über die Oberfläche laufen. Correspondence, 1991 begonnen, beschränkt die Leinwand auf ein oder zwei graublaue Striche aus Öl und zerkleinertem Stein. In den Dialogue-Bildern der vergangenen zwei Jahrzehnte steht ein einzelner, in vielen Schichten aufgebauter quadratischer Strich einem weiten weißen Feld gegenüber. Auch die Institutionen folgten: 2011 eine erste Retrospektive in den USA im Guggenheim, 2014 die Gärten von Versailles und 2019 der gesamte Vorplatz des Hirshhorn in Washington. Drei Museen tragen inzwischen seinen Namen: eines auf der Insel Naoshima, 2010 von Tadao Ando entworfen, seit 2015 der Space Lee Ufan in Busan und seit 2022 Lee Ufan Arles in einem von Ando umgebauten Herrenhaus.

Hier wird die Sache unangenehm. Eine Kunst des Nicht-Machens erwies sich als ausgesprochen leicht zu erkennen – und ein einzelner grauer Strich ist leicht wiederzuerkennen und, wie der Markt herausfand, leicht zu fälschen. Eine Leinwand aus der Serie From Line von 1976 wurde 2014 bei Sotheby’s für 2.165.000 Dollar verkauft. Zwischen 2000 und 2011 erzielten bei koreanischen Auktionen mehr Werke von Lee einen der hundert höchsten Preise als die Werke jedes anderen Künstlers. 2016 erklärten die Polizei von Seoul und der Nationale Forensische Dienst dreizehn ihm zugeschriebene Gemälde zu Fälschungen. Lee untersuchte die Leinwände selbst, erklärte, sie stammten von ihm, und beklagte, die Ermittler hätten ihn gedrängt, einige davon als Fälschungen anzuerkennen. Die Gerichte gaben der Polizei recht: 2017 schickten Richter in Seoul die Händler und einen Maler, der hinter den Fälschungen steckte, für bis zu sieben Jahre ins Gefängnis. Zurück blieb eine heikle Frage bei einem Künstler, der davon spricht, das eigene Ich aus dem Werk herauszunehmen: Wenn die Hand so wenig zählt, wer entscheidet dann, welche Hand es war? Die Kunsthistorikerin Joan Kee nannte ihn einmal den Mann, der überall und nirgends sei – eine Formulierung, die in beide Richtungen wirkt.

Nichts davon hat Lee gebremst. Am 24. Juni wurde er neunzig, und das Jahr ist ganz auf ihn ausgerichtet. Dia eröffnete im Mai eine langfristige Präsentation im Dia Beacon, die auf acht Gemälden beruht, die Lee der Stiftung 2025 geschenkt hatte. Hinzu kommt eine Werkschau im San Marco Art Centre in Venedig, eine Begleitveranstaltung zur Biennale, die bis zum 22. November läuft. Im Juli eröffnete der Palais des Papes in Avignon vier Installationen, die Lee für die Kapellen, die Küche und den Kreuzgang des Papstpalasts neu eingerichtet hat. Sie sind Teil der Feierlichkeiten zum 140. Jahrestag der diplomatischen Beziehungen zwischen Frankreich und Korea und bleiben bis zum 15. November zu sehen. Am 16. Oktober eröffnet die Serralves Foundation in Porto Fragments of Infinity, Lees erste große Ausstellung in Portugal, mit einem eigens für die Villa geschaffenen Gemälde.

Dann ist Köln an der Reihe. Das Museum Ludwig verleiht Lee am 6. November den Wolfgang-Hahn-Preis und eröffnet am folgenden Tag eine Einzelausstellung, die bis zum 4. April 2027 läuft. Für den Ankauf eines seiner Werke für die Sammlung stehen bis zu 100.000 Euro bereit. Lee hat stets gesagt, dass der Stein ebenso wichtig sei wie die Hand, die ihn platziert. In Köln wird die Hand – wie in diesem Herbst in Porto und Avignon – weiterhin seine sein.

Schlagwörter: artists, Lee Ufan, From Line, From Point, koreanische Kunst, Mono-ha

Ausgewählte Nachrichten — Lee Ufan

Kunst

Giorgio Morandi wirkt noch heute modern: Paris stellt ihn neben Fontana und Albers

Kunst

Physischer Widerstand gegen die digitale Leere: Die materielle Dialektik der Art Basel Hong Kong

Alle ansehen →

Verwandte Personen

Lee Chang-dong

Yayoi Kusama

Jasper Johns

Edgar Degas

Giorgio Morandi

Remedios Varo