Guy Pearce: Der Schauspieler, der Hollywood seine eigenen Regeln aufzwang

Guy Pearce

Photo: usbotschaftberlin / Public domain, via Wikimedia Commons

Geboren	5. Oktober 1967 Ely, Cambridgeshire, England
Beruf	Schauspieler
Bekannt für	Memento, The King’s Speech – Die Rede des Königs, Iron Man 3
Auszeichnungen	Emmy · Oscar (Nominierung) · BAFTA (Nominierung)

Es gibt eine Szene gegen Ende von L.A. Confidential, in der Detective Edmund Exley – methodisch, ehrgeizig, fast vollständig ohne Charme – begreift, dass das System, das er gerade zerstört hat, dasselbe war, das ihn trug. Guy Pearce spielt sie mit der Reglosigkeit eines Menschen, der lange mit diesem Moment gerechnet hat. Diese Reglosigkeit ist der Schlüssel zu Pearces gesamter Karriere: ein Schauspieler, der immer genau wusste, wo der Boden ist, und der dorthin bewusst gegangen ist, nicht aus Versehen.

Das Paradoxon, das seine vier Jahrzehnte im Geschäft definiert, ist einfach zu beschreiben und fast unmöglich zu erklären: Pearce macht Filme, die den Oscar für den besten Film gewinnen – er war sowohl in Tödliches Kommando – The Hurt Locker als auch in The King’s Speech zu sehen, zwei aufeinanderfolgenden Gewinnern der Academy Awards – und bleibt dabei auffällig außerhalb des Gravitationsfelds des Ruhms. Er hat Bösewichte in Blockbustern gespielt (Iron Man 3), Hauptrollen im Prestigefernsehen (Jack Irish, Mildred Pierce), Nebenrollen in Filmen, die das Kino veränderten (Memento, Prometheus – Dunkle Zeichen), und alles dazwischen. Er hat zwei Folk-Alben veröffentlicht und als Teenager in Geelong mit sechzehn den Titel „Junior Mr. Victoria“ im Bodybuilding gewonnen. Keine dieser Tatsachen hebt die anderen auf. Sie alle sind, irgendwie, Guy Pearce.

Er wurde in der englischen Kathedralenstadt Ely, Cambridgeshire, geboren – eine Tatsache, die die meisten überrascht, die ihn für einen Australier halten – im Oktober 1967, und war drei Jahre alt, als seine Familie nach Geelong, Victoria, zog, den Versetzungen seines Vaters Stuart als Testpilot für die Royal New Zealand Air Force und die Royal Air Force folgend. Stuart Pearce war nach allem, was man hört, eine außergewöhnliche Figur: ein dekorierter Flieger, dessen Verhältnis zu Präzision und kontrolliertem Risiko auf eine Weise, die er nicht hätte vorhersehen können, die Herangehensweise seines Sohnes an sein Handwerk prägen sollte. Als Guy acht war, starb sein Vater bei einem Flugzeugunglück. Die Familie kehrte nicht nach England zurück. Sie blieben in Geelong, in einem Land, das ihres war durch Wahl, nicht durch Geburt, und Guy Pearce wuchs mit dieser besonderen Form der Entwurzelung auf.

Was der Verlust hervorgebracht hat, ist schwer zu beziffern, aber seine Spuren sind in Pearces Schauspiel lesbar: eine besondere Qualität der Selbstbeherrschung, ein Widerstand gegen einfache Sentimentalität, eine Neigung, Trauer wie Gelassenheit aussehen zu lassen, nicht wie Performance. Am Geelong College entdeckte er das Theater, und mit elf Jahren trat er mit einer Ernsthaftigkeit in Amateurproduktionen auf, die den Schauspiellehrern der Schule auffiel. Das competitive Bodybuilding folgte – dieser Titel „Junior Mr. Victoria“ mit sechzehn war kein jugendliches Experiment, sondern ein systematisches Projekt, das Disziplin einer Art erforderte, die die meisten Teenager in andere Richtungen lenken. Pearce trainierte mit der methodischen Aufmerksamkeit für inkrementelle Verbesserung, die später seine Herangehensweise an die Vorbereitung auf Rollen prägen sollte, indem er seinen Körper für bestimmte Zwecke aufbaute und wieder aufbaute. Die beiden Praktiken – Schauspiel und körperliche Verwandlung – waren von Anfang an verschiedene Versionen desselben Impulses: die bewusste Neugestaltung des verfügbaren Materials zu etwas präziser Funktionalem.

Die erste ernsthafte Funktion vor der Kamera, die er fand, war Mike Young, die leise intensive Figur, die er von 1986 bis 1989 in Neighbours spielte. Die australische Seifenoper hat bedeutendere Karrieren gestartet als jedes andere Programm in der Fernsehgeschichte des Landes – Kylie Minogue, Jason Donovan, Margot Robbie und Liam Hemsworth sind darunter –, aber Pearces drei Jahre in der Show waren bewusster, als es die Rahmung als Sprungbrett nahelegt. Er lernte die Mechanik des Schauspiels vor der Kamera: das komprimierte emotionale Register, das nötig ist, wenn man nur wenige Sekunden hat, um einen Zustand zu etablieren, die Disziplin der Konsistenz über Hunderte von Episoden hinweg, die spezifischen Anforderungen, die Person am Rande des Bildes zu sein, die etwas Echtes registrieren muss, während die Haupthandlung woanders stattfindet. Mike Young war eine Figur, die ihre Verletzungen leise trug – eine Familiengeschichte, die seine sozialen Schwierigkeiten erklärte, ohne sie zu entschuldigen – und Pearce spielte diese Innerlichkeit mit einer Spezifität, die die Figur in einem Format unvergesslich machte, das darauf ausgelegt war, Figuren austauschbar zu machen. Er kehrte 2022 für eine Episode zur Show zurück und erneut während ihres Revivals 2023–24, und zeigte jedes Mal, dass Mike Young nie nur ein Ausgangspunkt war: Er war eine bestimmte Person mit einem kontinuierlichen Innenleben, das sich in den dreißig Jahren seit dem Ende der Kameras weiterentwickelt hatte.

Der internationale Durchbruch kam 1994, und er kam, wie Durchbrüche bei Pearce oft kommen, von der Seite. Die Abenteuer von Priscilla, Königin der Wüste, Stephan Elliotts Road-Komödie über drei Drag-Performer – Tick, Adam und Bernadette, gespielt von Pearce, Hugo Weaving bzw. Terence Stamp –, die in einem umgebauten Bus das australische Hinterland durchqueren, verlangte von seinem Star, eine Drag-Persona mit sowohl komödiantischer Präzision als auch emotionaler Wahrheit zu bewohnen. Pearce spielte Tick, den am wenigsten flamboyanten der drei, denjenigen, dessen Verletzlichkeit strukturell und nicht aufgeführt ist: ein Mann, der in ein Leben zurückkehrt, vor dem er davongelaufen war, und die Reise nutzt, um zu verstehen, was er ihm schuldet. Der Film reiste mit seiner eigenen Energie international, fand ein Publikum, das kein besonderes Interesse am australischen Kino hatte, und stellte Guy Pearce der Welt als jemanden mit präzisen Instinkten und ohne offensichtliche Barriere zwischen sich und dem, was eine Rolle erforderte, vor. Er gab ihm auch etwas Selteneres: einen Film, der seine Figuren liebte, ohne auf sie herabzusehen, der Drag nicht als Spektakel, sondern als eine Form des Selbstausdrucks mit eigener Würde behandelte. Pearce hat durchweg von Priscilla als einer der prägenden Erfahrungen seiner Karriere gesprochen, dem Film, der ihn lehrte, dem Material zu vertrauen, anstatt es aus der Ferne zu managen.

L.A. Confidential (1997) – als Edmund ‚Ed‘ Exley

Curtis Hansons L.A. Confidential veränderte die Größenordnung von allem. Die Adaption von James Ellroys labyrinthischer Korruptions-Epik aus dem Jahr 1997 – ein Roman, der strukturell so dicht ist, dass Hansons und Brian Helgelands Drehbuch Jahre der Destillation benötigte – besetzte Pearce neben Russell Crowe und Kim Basinger in einem Film, der drei unterschiedliche schauspielerische Register erforderte, um überzeugend zu koexistieren. Crowe war vulkanisch, voller Oberflächenaggression und vergrabener Sensibilität; Basinger war zärtlich, sarkastisch und tödlich kompromittiert; Pearce musste etwas sein, das schwerer zu erreichen war: ein Mann, der in allem richtig liegt und falsch in Bezug auf sich selbst. Detective Edmund Exley durchschaut jede institutionelle Lüge, während er eine eigene konstruiert – die Lüge, dass sein Ehrgeiz Prinzip und nicht Berechnung sei. Die Darbietung verdiente sich ihr zentrales Paradoxon nicht durch Deklaration, sondern durch eine Reihe sich anhäufender Entscheidungen: die Haltung, die besondere Art, wie Exley seine Brille zurechtrückt, bevor er eine unangenehme Wahrheit ausspricht, die Mikrosekunde der Befriedigung, die er sich erlaubt, bevor er sie unterdrückt. L.A. Confidential wurde zu einem der prägenden Filme des Jahrzehnts, für neun Academy Awards nominiert und gewann zwei. Die Industrie hatte zwei klar markierte Hauptdarsteller aus dem Film; es war nicht offensichtlich, welcher Pearce war.

Die Wahl nach L.A. Confidential war aufschlussreich: Ravenous – Friss oder stirb (1999), Antonia Birds bewusst seltsamer Horrorfilm, der in einem Militärstützpunkt des 19. Jahrhunderts spielt, über Kannibalismus, Grenzmythologie und den Verzehr des Mutes anderer Menschen. Es war genau nicht der Film, den ein karrierefestigender Schauspieler machen sollte. Die Produktion war problematisch – Bird ersetzte mitten im Dreh einen vorherigen Regisseur – und der Ton des Films, der echten Schrecken mit einem schwarzen komödiantischen Register verband, das die Marketingabteilung unmöglich zu vermitteln fand, verwirrte das Publikum und floppte an der Kinokasse. Er ist seitdem vollständig rehabilitiert und wird routinemäßig als einer der wirklich originellen amerikanischen Genrefilme seines Jahrzehnts zitiert. Aber 1999, von außen betrachtet, las es sich wie ein Umweg. Pearce würde einen Großteil der folgenden zwanzig Jahre damit verbringen, diese Art von Wahl zu treffen: der Film, der ihn interessierte, und nicht der, der der Strategie diente.

Dann kam Memento. Christopher Nolans Film aus dem Jahr 2000, der in umgekehrter Reihenfolge strukturiert ist, so dass der Zuschauer dieselbe narrative Desorientierung erlebt wie sein amnesischer Protagonist Leonard Shelby, verlangte von Pearce, in jeder Szene präsent zu sein, während er systematisch den Kontext verlor, der diese Szenen kohärent machen würde. Was Pearce schuf, war weniger eine Darbietung als ein anhaltendes Argument über das Bewusstsein: Wie viel von einem Menschen überlebt, wenn der Mechanismus, der Kontinuität schafft, zusammenbricht? Leonard Shelby ohne sein Gedächtnis ist immer noch erkennbar ein Mann mit einer Mission, immer noch fähig zu Zielstrebigkeit und Loyalität und Wut und Liebe – all das vermittelte Pearce ohne das Gerüst der narrativen Entwicklung, auf das die meisten Darbietungen angewiesen sind. Der Film funktionierte als Puzzle und als Thriller und als etwas, das schwerer zu klassifizieren ist: eine Untersuchung darüber, wie Identität zerbrechlicher und hartnäckiger ist, als entweder ihre Besitzer oder ihre Feinde zu glauben neigen. Memento positionierte Pearce als die Art von Schauspieler, um den Hollywood seine neue Generation herum benennt. Hollywood benannte seine neue Generation nicht um Guy Pearce herum.

Was stattdessen geschah, war eine Zerstreuung: Die Zeitmaschine (2002), eine teure und erfolglose H.G. Wells-Adaption; Der Graf von Monte Christo (2002), ein solider Mantel-und-Degen-Film, der respektabel abschnitt und begrenzte kritische Begeisterung hervorrief; eine Reihe von Produktionen mit mittlerem Budget und unabhängigen Produktionen, die sich gemeinsam einer einfachen Kategorisierung entzogen. The Proposition – Tödliches Angebot (2005), Nick Caves und John Hillcoats brutaler australischer Western, zeigte, was Pearce mit dem richtigen Material tun konnte – ein Mann, gefangen zwischen Überleben und Loyalität in einer Landschaft, die beide Optionen bedeutungslos machte – und demonstrierte erneut, dass seine interessanteste Arbeit an der Schnittstelle von Genre und Moralphilosophie stattfand. Kurze Auftritte in Tödliches Kommando – The Hurt Locker (2009) und The King’s Speech (2010) – beide gewannen den Oscar für den besten Film – bestätigten etwas, das die Industrie demonstriert hatte, ohne es ganz zuzugeben: Pearce war genau der Schauspieler, den man rief, wenn man eine bestimmte Rolle mit vollständiger Autorität in einer begrenzten Menge an Bildschirmzeit besetzen musste. Aufeinanderfolgende Gewinner des besten Films. Nebendarsteller in beiden.

The King's Speech (2010) — The King’s Speech (2010) – als König Edward VIII.

Die echte kritische Frage zu Pearces Karriere ist nicht, ob er gut genug war – er war es offensichtlich, und jeder, der Memento oder L.A. Confidential gesehen hat, ohne zu verstehen, warum dem Hauptdarsteller eines der beiden Filme nicht sofort ein Franchise anvertraut wurde, hat entweder nicht aufgepasst oder auf etwas anderes geachtet. Die ehrliche Antwort betrifft die Maschinerie des Star-Systems und etwas Besonderes an Pearce selbst. Ihm fehlt völlig die selbstvermarktende Energie, auf die die Industrie angewiesen ist. Wo Schauspieler wie Russell Crowe, sein Zeitgenosse aus L.A. Confidential, ihren Hunger nach Vorrang sichtbar und lesbar und bankfähig machten, trat Pearce zurück. Er gab Interviews, in denen er mehr an den Ideen des Films interessiert schien als an seiner eigenen Zentralität darin. Er nahm Projekte in Australien an, wenn Angebote aus Los Angeles kamen, dann nahm er Angebote aus Los Angeles an, wenn australische auf dem Tisch lagen, und bewegte sich seitwärts zwischen den Industrien, was verhinderte, dass eine von ihnen einen ordentlichen kommerziellen Anspruch auf ihn aufbauen konnte. Das Ergebnis war, dass er der Schauspieler wurde, dem die Regisseure vollkommen vertrauten und den die Publicisten nicht ganz erklären konnten. Das ist eine echte Karriere und eine echte Leistung. Es ist nicht die Karriere, die Memento anzukündigen schien.

Die persönlichen Kosten einiger seiner Entscheidungen in dieser Zeit wurden erst Jahre später sichtbar. Im Februar 2025 beschrieb Pearce öffentlich einen Vorfall während der Dreharbeiten zu L.A. Confidential, bei dem sein Co-Star Kevin Spacey ihn am Set sexuell belästigte. Der Vorwurf – den Spacey bestritt, indem er über soziale Medien antwortete, Pearce solle erwachsen werden, und bestritt, dass er ein Opfer sei – warf einen retrospektiven Kontext auf eine Phase von Pearces Karriere, in der mehrere kommerziell unerklärliche Schritte nun eine mögliche Teilerklärung hatten. Die Ravenous-Kehrtwende. Die Rückkehr nach Australien. Die bewusste Vermeidung bestimmter Franchise-Trajektorien, die eine Nähe zu bestimmten Teilen der Industrie erfordert hätten. Keines davon kann allein dem Spacey-Vorfall zugeschrieben werden – Pearce hat Entscheidungen immer auf der Grundlage des Materials getroffen, nicht der Strategie –, aber der Vorwurf fügte einen Kontext hinzu, der der öffentlichen Aufzeichnung gefehlt hatte. Pearce gab die Aussage ohne Drama oder die Rahmung des Opferseins und folgte ihr nicht mit einer Pressekampagne. Es ist die Art von Enthüllung, die, charakteristischerweise, etwas Wichtiges sagte und dann aufhörte.

Der Emmy Award kam 2011, für Mildred Pierce – Todd Haynes‘ fünfteilige HBO-Adaption von James M. Cains Depressionsroman, mit Kate Winslet als unermüdlicher Unternehmerin und Pearce als ihrem charmanten, finanziell ruinösen zweiten Ehemann Monty Beragon. Haynes gab der Miniserie ein visuelles Register, das der Douglas-Sirk-Schule der emotionalen Unterdrückung entlehnt war – Oberflächen, die dir sagen, was die Figuren nicht können – und besetzte Pearce in der Rolle, die von ihm verlangte, einen Bösewicht lesbar zu machen, ohne ihn sympathisch zu machen. Monty Beragon ist ein Mann, der sein ganzes Leben lang Weichheit über Anstrengung gewählt hat und der die Anstrengung anderer als Vorwurf seiner eigenen Passivität interpretiert. Pearce spielte es mit einer Qualität von liebevoller Verachtung – er mag Mildred, wirklich, aber er kann nicht anders, als sie als strukturellen Verweis zu betrachten –, die die Figur sowohl irritierend als auch völlig real machte. Der Emmy für den herausragenden Nebendarsteller in einer Miniserie oder einem Film erkannte etwas an, das Kritiker seit Jahren bemerkt hatten: dass Pearces beste Arbeit in dem Register stattfindet, in dem die Geschichte nicht über ihn handelt, wo seine Funktion darin besteht, die Leistung eines anderen zu ermöglichen, indem er der Druck ist, gegen den sie sich stemmen.

Jack Irish (2012–2021), das australische Krimidrama, in dem Pearce einen beschädigten Anwalt aus Melbourne spielte, der sich durch die kriminelle Landschaft der Stadt navigiert, zeigte denselben Instinkt, der über neun Jahre episodischen Fernsehens angewendet wurde. Jack Irish ist die Art von Figur, deren Kompetenz und beschädigte Innerlichkeit nebeneinander existieren, ohne dass sich eines aufhebt – ein Mann, der Morde lösen und seine Ehe nicht reparieren kann, der Kriminelle besser versteht als sich selbst. Pearce baute die Figur inkrementell auf, widerstand dem Druck, den Langzeitfernsehen in Richtung heroischer Vereinfachung ausübt, und schuf etwas, das als eine der nachhaltigsten Charakterstudien in der australischen Fernsehgeschichte fungierte. Die Serie lief über vier abendfüllende Specials und zwei vollständige Serien, jede vertiefte das Porträt, ohne es zu wiederholen.

Die Blockbuster-Periode brachte Arbeit hervor, die sich je nach Blickwinkel des Betrachters unterschiedlich las. Als Peter Weyland in Prometheus – Dunkle Zeichen (2012) und Alien: Covenant (2017) spielte Pearce den Gründer eines Konzerns, dessen Ehrgeiz sein Verständnis seiner eigenen Kosten übersteigt – eine Figur in der Ridley-Scott-Tradition von Visionären, die ihren eigenen Appetit auf Wissen mit der Verpflichtung des Universums verwechseln, es zu liefern. Die Darbietung erstreckte sich über zwei Filme und mehrere Jahrzehnte fiktiver Zeit, und Pearce handhabte die künstliche Alterung, die in Prometheus erforderlich war, mit derselben forensischen körperlichen Aufmerksamkeit, die er als Teenager ins Bodybuilding eingebracht hatte. Als Aldrich Killian in Iron Man 3 (2013) spielte er den Antagonisten mit einem Beharren auf intellektueller Rechtfertigung – Killian glaubt, dass seine Beschwerden eine Philosophie darstellen –, die Shane Blacks Film eine Überzeugungsspur unter dem Spektakel gab. Keine der beiden Darbietungen machte Pearce in der Franchise-Ökonomie zu einem bekannten Namen. Beide machten die Filme besser.

Tom Clancy's Without Remorse (2021) — Tom Clancy’s Without Remorse (2021) – als Thomas Clay

Mare of Easttown (2021), die HBO-Limited-Serie, in der Kate Winslet eine ermittelnde Polizistin in Pennsylvania spielte, vereinte Pearce mit seiner Mildred Pierce-Co-Star in einer Rolle, die von ihm verlangte, gleichzeitig Love Interest und emotionalen Gegenpol zu spielen. Sein Richard Ryan – ein Romancier und gelegentlicher Dozent, emotional verfügbarer, als seine Situation vermuten lässt – wurde zu einer der meistdiskutierten Nebenrollen des Prestigefernsehzyklus, gerade weil Pearce sie mit einer Leichtigkeit und einer Qualität von selbstironischem Humor spielte, die in seiner Filmarbeit selten sichtbar ist. Die beiden Schauspieler hatten offenbar in ihrer vorherigen Zusammenarbeit etwas aufgebaut, das sich in eine Bildschirmchemie übersetzte, die so natürlich war, dass es aussah, als wären sie einfach aus verschiedenen Richtungen in denselben Rahmen gewandert und hätten beschlossen zu bleiben. Memory (2022), Martin Campbells Krimi-Thriller an der Seite von Liam Neeson, zeigte Pearce am anderen Extrem: eine klinische Präzision als Berufsverbrecher, dessen eigenes Gedächtnis ihn zu verlassen begann. Kritiker bemerkten das Echo von Mementos Leonard Shelby, aber wo Leonards Amnesie ein strukturelles Mittel war, erlebte die Figur in Memory ihren kognitiven Verfall von innen heraus – ein anderes und, argumentierbar, dunkleres Problem.

Brady Corbetts The Brutalist (2024) – ein dreieinhalbstündiges Epos über einen ungarisch-jüdischen Architekten, der das Amerika der Nachkriegszeit, seine Ambitionen und seine Demütigungen, navigiert – kam bei den Filmfestspielen von Venedig als der große Kunstfilm seines Jahres an und verließ sie mit dem Goldenen Löwen und einem Preis für den besten Schauspieler für Adrien Brody. Pearce, als Harrison Lee Van Buren Sr., der wohlhabende Industrielle aus Pennsylvania, der zum Mäzen und schließlichen Widersacher des Architekten wird, lieferte das ab, was Kritiker als eine der beunruhigendsten Nebenrollen des Jahres beschrieben. David Rooney vom Hollywood Reporter nannte ihn den wahren Herausragenden der Nebenbesetzung und in gebieterisch kühler Form. Van Buren ist ein Mann, dessen echte Wertschätzung für Kunst als eine Form der Herrschaft fungiert – er liebt, was er nicht machen kann, und er behandelt diese Liebe, indem er es erwirbt – und Pearce zeichnete die langsame Enthüllung der Figur mit einer Geduld nach, die den letzten Akt des Films nicht nur dramatisch, sondern wirklich verstörend machte. Die Oscar-Nominierung für den besten Nebendarsteller, die folgte, wurde von einem beträchtlichen Teil der Kritikergemeinschaft als verspätete Korrektur eines langjährigen Versäumnisses aufgenommen. Der Film lief mehr als drei Stunden in den Kinos; Pearces Szenen nehmen einen Bruchteil dieser Laufzeit ein; sein Schatten fällt auf den Rest.

Jenseits der Leinwand hat Pearce Musik mit derselben Unabhängigkeit verfolgt, die seine Filmauswahl auszeichnet. Sein Debütalbum Broken Bones (2014) und sein Nachfolger The Nomad (2018) schöpften aus Folk-, Blues- und Country-Traditionen und wurden mit der besonderen Art von kritischer Großzügigkeit aufgenommen, die Künstler-Musikern vorbehalten ist, die in eine andere Kunstform dieselbe Aufmerksamkeit einbringen, die sie ihrer primären widmen. Er war bereits in Musikvideos für Silverchair und Radiohead aufgetreten, wobei letzteres seine körperliche Präzision auf eine Weise nutzte, die nahelegte, dass die beiden Kunstformen für ihn verschiedene Ausdrücke derselben Beschäftigung mit kontrollierter Verwandlung waren. Seine Unterstützung für Organisationen zum Schutz von Tieren und seine öffentliche Solidarität mit Palästinensern während des Gaza-Konflikts haben weniger Berichterstattung erhalten als seine Filme, spiegeln aber dasselbe Muster wider: Positionen, die mit Überzeugung vertreten und mit Sorgfalt erklärt werden, ohne besonderen Appetit auf die Aufmerksamkeit, die diese Positionen erzeugen könnten.

Sein Privatleben ist, nach den Maßstäben eines Schauspielers seiner Sichtbarkeit, weitgehend sein eigenes geblieben. Seine Ehe mit der Psychologin Kate Mestitz, die von ihrer Hochzeit im März 1997 bis Oktober 2015 dauerte, produzierte über achtzehn Jahre hinweg kein öffentliches Drama. Seine spätere Beziehung mit der niederländischen Schauspielerin Carice van Houten – international am bekanntesten für ihre Rolle als Melisandre in Game of Thrones – brachte einen Sohn hervor, der im August 2016 geboren wurde. Im Januar 2025 gab van Houten ihre Trennung bekannt und präzisierte, dass sie seit Jahren kein Paar mehr seien. Pearce äußerte sich nicht öffentlich. Die Ankündigung wurde zur Kenntnis genommen; die Privatsphäre wurde respektiert.

Am 2. September 2026 hatte Ink seine Weltpremiere als Eröffnungsfilm der 83. Internationalen Filmfestspiele von Venedig und erhielt eine fast fünfminütige Ovation. Danny Boyles Adaption von James Grahams Bühnenstück aus dem Jahr 2017 – das am Almeida Theatre lief und ins West End wechselte, bevor Boyle es auf die Leinwand brachte – erkundet Rupert Murdochs Übernahme der angeschlagenen britischen Boulevardzeitung The Sun im Jahr 1969 und seine Anwerbung des Yorkshire-Redakteurs Larry Lamb, um sie als populistisches Boulevardblatt neu zu erfinden, das in der Lage ist, den Daily Mirror zu überholen. Pearce spielt Murdoch gegenüber Jack O’Connells Lamb, mit Claire Foy in einer Nebenrolle. Die Besetzung hatte, im Nachhinein, eine strukturelle Präzision, die Pearces beste Besetzungsentscheidungen immer haben: Er ist kein physisches Ebenbild Murdochs, und diese Irrelevanz ist genau der Punkt. Was Murdoch von Pearce verlangt, ist keine Ähnlichkeit, sondern eine besondere Qualität zielgerichteter Unlesbarkeit – die Darbietung eines Mannes, der entschieden hat, was er will, und mit unendlicher Geduld darauf wartet, dass andere Leute aufholen. Erste Kritiken beschrieben seine Arbeit als überzeugend machiavellistisch und magnetisch in ihrer Reglosigkeit. Netflix erwarb den Film für das US-Streaming mit einem Kinofenster ab dem 11. Dezember 2026, und Variety berichtete, dass die Plattform ernsthaft in eine Oscar-Kampagne sowohl für Boyle als auch für Pearce investiert. In Venedig erwähnte Pearce, dass Elisabeth Murdoch ihm gesagt habe, ihr Vater sei mit der Besetzung sehr zufrieden. Rupert Murdoch war fünfundneunzig bei der Premiere. Der Mann, der ihn spielen durfte, war achtundfünfzig und hatte seit einem Bus namens Priscilla, der 1994 die australische Wüste durchquerte, auf einen solchen Moment hingearbeitet.

Über Ink hinaus hat Pearce The Price of Peace in der Pipeline – Anthony McCartens politisches Drama über die Potsdamer Konferenz von 1945, in dem er Präsident Harry S. Truman spielt, mit Dreharbeiten, die für Sommer 2026 in London und Potsdam geplant sind und eine Auslieferung für 2027 erwartet wird. The Marshal, ein Action-Thriller unter der Regie von Andrew Baird in ihrer dritten Zusammenarbeit nach Zone 414 und Sunrise, bewegt sich durch den internationalen Vertrieb. Im August 2026 gab Pearce Deadline ein Update, das bestätigte, dass die Arbeit an einer Fortsetzung von Die Abenteuer von Priscilla, Königin der Wüste voranschreitet. Der Kreis, der 1994 mit einem umgebauten Bus in der australischen Wüste begann, hat sich nicht geschlossen. Er hat sich stattdessen erweitert, um das Londoner Büro eines Medienmoguls im Jahr 1969, eine Nachkriegs-Baustelle in Pennsylvania, einen Potsdamer Garten im Sommer 1945 zu umfassen. Die Form einer Karriere, die zwei Jahrzehnte lang wie ein Fehler aussah, entpuppt sich als ein Plan, der mehr Zeit benötigte als die meisten Pläne – und mehr Geduld, als die meisten Schauspieler aufbringen.