Jean-Michel Basquiat, der Maler, der Preisschilder und Copyright-Zeichen malte und selbst zur Ware wurde

Jean-Michel Basquiat

Photo: Unknown authorUnknown author / Public domain, via Wikimedia Commons

Geboren	22. Dezember 1960 Brooklyn, New York City, USA
Gestorben	12. August 1988 (27)
Beruf	Maler und Zeichner

Drei Punkte und ein Balken: Die Krone, die Jean-Michel Basquiat immer wieder zeichnete, ist das einfachste Zeichen in seinem Werk – und erklärt vieles von dem, was sonst darin zu finden ist. Er setzte sie über Boxer, über Jazzsaxofonisten, über seinen eigenen Namen und über einzelne Wörter. Er krönte Schwarze Männer, die in den Museen seiner Kindheit nicht an den Wänden hingen, und tat das in ebenjenen Galerien, die diese Leinwände bald für Summen verkaufen sollten, mit denen kein Museum mithalten konnte. Dieser Widerspruch löste sich nie auf. Ein Maler, dessen Bilder voll waren mit Copyright-Zeichen, Preisschildern, Warenlisten und dem Handel mit Schwarzen Körpern, wurde zeitweise zum teuersten amerikanischen Künstler, der je bei einer Auktion verkauft worden war. Und der Markt, der ihn krönte, erzählt seine Geschichte seither in Dollarbeträgen.

Etwa acht Jahre lang arbeitete er als professioneller Maler. In dieser Zeit schuf er rund sechshundert Gemälde und etwa fünfzehnhundert Zeichnungen; er starb mit siebenundzwanzig. Alles, was sich danach um ihn herum entwickelte – die Filme, die zur Legende gewordene Freundschaft mit Warhol, die Sneaker, Skateboards und Projektoren mit seiner Krone –, baut auf diesem komprimierten Werk auf. Die entscheidende Frage lautet nicht, wie viel es einbringt. Sondern wofür die Gemälde eintraten, während die Preise stiegen.

Brooklyn, ein Autounfall und ein Anatomiebuch

Jean-Michel Basquiat wurde am 22. Dezember 1960 in Brooklyn geboren. Sein Vater, Gérard Basquiat, stammte aus Port-au-Prince auf Haiti; seine Mutter, Matilde Andrades, war in Brooklyn geboren und Tochter puerto-ricanischer Eltern. Er wuchs mit mehreren Sprachen auf und sprach mit elf Jahren Französisch, Spanisch und Englisch. Matilde nahm ihn schon früh und oft mit in Museen; bald war er Junior-Mitglied des Brooklyn Museum. Seine Schwestern bewahren den Mitgliedsausweis noch heute im Familienarchiv auf.

Mit sieben Jahren wurde er beim Spielen auf der Straße von einem Auto angefahren. Er brach sich einen Arm, erlitt innere Verletzungen und musste sich die Milz entfernen lassen. Während seiner Genesung schenkte ihm seine Mutter ein Exemplar von Gray’s Anatomy – ein Buch, das sein Werk nie wirklich wieder verließ: Beschriftete Knochen, freigelegte Organe, wie Diagramme gezeichnete Schädel und Listen von Körperteilen ziehen sich durch seine Gemälde. Ein Jahrzehnt später sollte er seine Band danach benennen. Im selben Jahr trennten sich seine Eltern, und er wuchs bei seinem Vater auf. Als er etwa zehn Jahre alt war, wurde seine Mutter in eine psychiatrische Klinik eingewiesen. Er besuchte mehrere Schulen, darunter die Saint Ann’s in Brooklyn, die Edward R. Murrow High School und die alternative Highschool City-As-School in Manhattan. Noch vor dem Abschluss brach er die Schule ab.

SAMO©, die Band Gray und die Times Square Show

Im Mai 1978 begann er gemeinsam mit seinem Freund Al Diaz, SAMO© an Wände in SoHo und der Lower East Side zu schreiben – eine Abkürzung für „same old shit“. Die Schriftzüge lasen sich wie gefälschte Werbeslogans oder einzeilige Predigten gegen Konsum, Religion und den Hunger der Kunstwelt nach Neuem. Unterzeichnet waren sie mit einem Copyright-Zeichen, als wäre der Witz eine Marke. Im Dezember 1978 gab ein Artikel im Village Voice dem Namen ein Gesicht. 1980 war die Zusammenarbeit zerbrochen, und quer über die Wände in Downtown verkündete der Schriftzug „SAMO IS DEAD“ ihr Ende.

Parallel zur Malerei spielte die Musik eine wichtige Rolle. Im April 1979 gründete er mit Michael Holman die experimentelle Band Gray; Auftritte führten sie ins CBGB, ins Max’s Kansas City und in den Mudd Club. Um über die Runden zu kommen, verkaufte er handbemalte Postkarten und Sweatshirts. 1980 spielte er in dem später als Downtown 81 veröffentlichten Film eine Version seiner selbst. Der Film wurde in jenem Jahr gedreht, kam aber erst 2000 in die Kinos. Im Juni 1980 nahm er an der Times Square Show teil, einer Gruppenausstellung des Künstlerkollektivs Colab in einem verlassenen Massagesalon an der West 41st Street. Neben ihm waren dort Keith Haring, Kiki Smith und Jenny Holzer vertreten; es war seine erste öffentliche Ausstellung. Im Jahr darauf kaufte Debbie Harry von Blondie eines seiner frühen Gemälde für 200 Dollar – sein erster Verkauf als Maler.

Von Modena zur documenta in dreizehn Monaten

Die Beschleunigung, die darauf folgte, ist kaum mit einer anderen zu vergleichen. Seine erste Einzelausstellung wurde im Mai 1981 in der Galleria d’Arte Emilio Mazzoli im italienischen Modena eröffnet. Im Dezember 1981 veröffentlichte der Dichter und Kritiker Rene Ricard in Artforum den Essay „The Radiant Child“. Der Text machte ihn in der Kunstpresse bekannt und behauptete, „ein oder zwei Wörter auf einem Jean-Michel enthielten die gesamte Geschichte des Graffiti“. Die Galeristin Annina Nosei stellte ihm den Keller ihrer SoHo-Galerie als Atelier zur Verfügung. Im März 1982 richtete sie dort seine erste Einzelausstellung in den Vereinigten Staaten aus. Im Juni 1982 war er mit einundzwanzig Jahren der jüngste Künstler, der zur documenta 7 in Kassel eingeladen wurde.

Im selben Sommer wurde der Schweizer Kunsthändler Bruno Bischofberger sein weltweiter Vertreter. Im Dezember 1982 eröffnete Larry Gagosian eine Basquiat-Ausstellung in Los Angeles und stellte ihm dort ein Atelier zur Verfügung. Hier schuf er 1983 einige seiner dichtesten Leinwandarbeiten, darunter Museum Security (Broadway Meltdown). Während dieser Zeit in Los Angeles hatte er kurzzeitig eine Beziehung mit Madonna, damals eine Sängerin aus Downtown, die noch Monate vom Ruhm entfernt war. Im März 1983 war er mit zweiundzwanzig Jahren auf der Whitney Biennial vertreten. Im Mai 1984 eröffnete er seine erste Ausstellung bei Mary Boone in New York.

Durchgestrichene Wörter, Kronen und Copyright-Zeichen: So funktionieren die Gemälde

Er malte mit Acryl, Ölstift und Sprühfarbe und arbeitete Fotokopien als Collagen ein. Als Malgrund dienten ihm Leinwände, Türen und Fensterrahmen, aber auch aus Holzlatten zusammengesetzte Keilrahmen. Seine Bilder sind dicht mit Text gefüllt: Listen, Preise, Chemikaliennamen, lateinische und spanische Wörter, Sportstatistiken und anatomische Beschriftungen. Vieles davon ist durchgestrichen. Die Methode erklärte er selbst: Er strich Wörter durch, damit die Menschen sie umso deutlicher wahrnahmen. Gerade weil sie verborgen waren, wollten die Betrachter sie lesen. Kritiker haben diesen Effekt mit dem Sampling eines Hip-Hop-Produzenten verglichen. Basquiat griff auf alles zurück, was er las – von Comics und Leonardos Notizbüchern bis zu afrikanischen Masken, ägyptischen Hieroglyphen und der Geschichte des Sklavenhandels.

Die Krone, das Copyright-Zeichen und der Totenkopf gehören zu den beständigsten dieser Motive. In Charles the First (1982) krönte er Charlie Parker; Horn Players (1983) zeigt Parker und Dizzy Gillespie vor demselben schwarzen Hintergrund, umgeben von Wortfragmenten. Irony of a Negro Policeman (1981) zeigt einen Schwarzen Polizisten, eingeengt durch seine eigene Uniform und damit zur Durchsetzung eines Systems gezwungen, das gegen ihn geschaffen wurde. Hollywood Africans (1983), heute im Whitney, zeigt Basquiat neben den Graffiti-Künstlern Toxic und Rammellzee. Um sie herum gruppieren sich die stereotypen Rollen und Waren, die die Filmindustrie Schwarzen Darstellern zugewiesen hatte. Der rohe, maskenhafte Schädel in Untitled (Skull) von 1981, heute im The Broad in Los Angeles, wurde zum Bild, das der Markt später am höchsten bewerten sollte.

Defacement

Im September 1983 starb Michael Stewart, ein junger Schwarzer Graffiti-Künstler, nachdem er von der New York City Transit Police wegen einer Zeichnung an der Wand einer U-Bahn-Station festgenommen worden war. Basquiat, der selbst jahrelang dasselbe getan hatte, malte Defacement (The Death of Michael Stewart) direkt auf die Wand in Keith Harings Atelier: zwei pinkfarbene, gesichtslose Polizisten mit erhobenen Schlagstöcken über einer dunklen Silhouette. Über ihnen stand das Wort „defacement“ mit einem Fragezeichen. Haring ließ das Wandstück herausschneiden und hängte es über sein Bett. 2019 widmete das Guggenheim dem Gemälde eine ganze Ausstellung und präsentierte es als eines der deutlichsten Zeugnisse von Polizeigewalt, die ein amerikanischer Künstler in diesem Jahrzehnt geschaffen hatte.

Warhol, die Kritik mit dem „Maskottchen“ und der Preis des Marktphänomens

Am 4. Oktober 1982 lernte er Andy Warhol kennen, als Bischofberger ihn zum Mittagessen in die Factory mitbrachte. Innerhalb weniger Stunden malte er Dos Cabezas, ein Doppelporträt der beiden, und schickte es noch feucht zurück. Im August 1983 zog er in ein Loft mit Atelier in der Great Jones Street 57, das Warhol gehörte. Zwischen 1984 und 1985 malten die beiden Dutzende Leinwände gemeinsam, darunter Olympics, Taxi, 45th/Broadway und Zenith. Als ihre gemeinsame Ausstellung 1985 in der Tony Shafrazi Gallery eröffnet wurde, zerrissen die Kritiker sie. In einer Rezension wurde Basquiat als Warhols „Maskottchen“ bezeichnet. Danach kühlte die Freundschaft ab.

Im selben Jahr setzte ihn das New York Times Magazine auf sein Titelblatt: barfuß, in einem mit Farbflecken übersäten Anzug, über einem Artikel mit der Überschrift „New Art, New Money: The Marketing of an American Artist“. In fünf Worten steckt das zentrale Problem seiner Karriere. Seine Unterstützer sahen einen jungen Schwarzen Maler, der sich aus eigener Kraft und nach seinen eigenen Regeln Zugang zu einem abgeschotteten, weißen Markt verschaffte. Seine Kritiker sahen Händler, die die Leinwände eines Vierundzwanzigjährigen schneller auf den Markt brachten, als das Werk aufgenommen werden konnte. Einige Rezensenten griffen zu Begriffen wie „primitiv“ und „wildes Kind“, die Basquiat in Interviews zurückwies. Beide Lesarten haben ihre Berechtigung. Sein Talent ist inzwischen kanonisiert; ungeklärt bleibt jedoch, was das Geld mit der Betrachtung von Gemälden macht, in denen es selbst eine Rolle spielt.

Die Zahlen machen diese Spannung greifbar. Im Mai 2017 zahlte der japanische Sammler Yusaku Maezawa 110,5 Millionen Dollar für Untitled (1982), einen schwarzen Schädel vor blauem Hintergrund. Damit erzielte ein amerikanischer Künstler erstmals einen solchen Auktionsrekord. Dustheads (1982) war 2013 für 48,8 Millionen Dollar verkauft worden; In This Case (1983) brachte 2021 93,1 Millionen ein. Der Hedgefonds-Gründer Ken Griffin kaufte Boy and Dog in a Johnnypump (1982) 2020 privat für mehr als 100 Millionen Dollar. Preise in dieser Größenordnung haben ihre eigenen Nebenwirkungen. Im Juni 2022 beschlagnahmte das FBI im Orlando Museum of Art 25 Basquiat zugeschriebene Gemälde, die dort ausgestellt waren – Zweifel an ihrer Echtheit hatten den Ausschlag gegeben. Das Museum entließ wenige Tage später seinen Direktor Aaron De Groft. Ein Auktionator aus Los Angeles bekannte sich später schuldig, das FBI über seine eigene Rolle bei der Herstellung der Fälschungen belogen zu haben.

Great Jones Street

Warhol starb im Februar 1987. Menschen aus Basquiats Umfeld beschreiben den Verlust als einen Schlag, von dem er sich nicht erholte. Seit Jahren nahm er Heroin. Ende 1986 hatte seine Freundin Jennifer Goode ihn in ein Methadonprogramm gebracht, das er nach drei Wochen abbrach. Seine späten Gemälde werden lichter und karger. Riding with Death (1988), eine dunkle Figur auf einem Skelett vor einem kahlen ockerfarbenen Hintergrund, wird rückblickend häufig als Selbstporträt gelesen. Am 12. August 1988 starb er in seinem Atelier in der Great Jones Street an einer versehentlichen Überdosis Heroin. Er war siebenundzwanzig Jahre alt und wurde auf dem Green-Wood Cemetery in Brooklyn beigesetzt. In seinem Nachruf für Vogue schrieb Keith Haring, Basquiat habe „in zehn Jahren wahrhaftig ein Lebenswerk geschaffen“.

Nachleben: Retrospektiven, Filme und die Sicht der Schwestern

Das Whitney Museum eröffnete im Oktober 1992 seine erste Museumsretrospektive. Das Brooklyn Museum, in dem Basquiat als Junge eine Junior-Mitgliedschaft gehabt hatte, zeigte 2005 eine große Werkschau. 2017 folgte das Barbican in London mit Basquiat: Boom for Real. Julian Schnabel, ein Maler, der Basquiat gekannt hatte, führte Regie bei dem Spielfilm Basquiat (1996), in dem Jeffrey Wright die Titelrolle und David Bowie Warhol spielte. Tamra Davis‘ Dokumentarfilm Jean-Michel Basquiat: The Radiant Child (2010) entstand aus einem Interview, das sie Mitte der 1980er-Jahre mit Basquiat in Los Angeles gedreht und dann zwei Jahrzehnte lang aufbewahrt hatte. 2022 eröffnete seine Familie in Chelsea King Pleasure, eine Ausstellung mit mehr als 200 Werken aus dem Nachlass. Sie rückte Basquiat als Sohn und Bruder in den Mittelpunkt, nicht als Marktphänomen. 2023 war sie auch in Los Angeles zu sehen. Den Nachlass verwalten seine Schwestern Lisane Basquiat und Jeanine Heriveaux.

Der Veranstaltungskalender für 2026 zeigt, wie weit die Wirkung des Werks noch immer reicht. Von Januar bis Mai präsentierte das Louisiana Museum of Modern Art in Dänemark Basquiat–Headstrong, die erste institutionelle Werkschau, die ausschließlich seinen Darstellungen des menschlichen Kopfes gewidmet war. Im Zentrum standen Arbeiten auf Papier aus den Jahren 1981 bis 1983. Am 14. Mai wurde Museum Security (Broadway Meltdown), die 1983 im Atelier in Los Angeles entstandene Leinwand, bei Sotheby’s in New York einschließlich Gebühren für 52,7 Millionen Dollar versteigert. Das war mehr als das Dreieinhalbfache der 9,3 Millionen Pfund – umgerechnet rund 14,6 Millionen Dollar –, die das Werk 2013 bei Christie’s in London erzielt hatte. Im Juni eröffnete das Pérez Art Museum Miami Basquiat: Figures, Signs, Symbols mit knapp einem Dutzend Werken aus Ken Griffins Sammlung, darunter In Italian und Pez Dispenser, die dort erstmals gemeinsam gezeigt wurden. Im September brachte der Schauspieler Roger Guenveur Smith, der Basquiat aus der Clubszene von Los Angeles kannte, In Honor of Jean-Michel Basquiat im New York Theatre Workshop auf die Bühne – nur wenige Blocks von der Great Jones Street entfernt. In der bis zum 10. Oktober laufenden Solo-Performance sprach er ins Mikrofon, begleitet vom Live-Sound des Musikers Marc Anthony Thompson.

Das nächste Kapitel gehört der Familie. Am 11. Dezember veröffentlicht Netflix den Dokumentarfilm Jean-Michel Basquiat unter der Regie von Quinn Whitney Wilson und Viridiana Lieberman. Seine Premiere hatte er im Juni beim Tribeca Festival. Es ist der erste vom Nachlass autorisierte Dokumentarfilm. Lisane Basquiat und Jeanine Heriveaux sind als ausführende Produzentinnen beteiligt. Zu sehen sind private Filmaufnahmen der drei Geschwister in einem New Yorker Park in den 1960er-Jahren, bislang unbekannte Werke und der Mitgliedsausweis des Brooklyn Museum. Die Regisseurinnen haben erklärt, sie wollten zeigen, dass Mythos und Mensch nicht dasselbe sind. Im Februar 2027 eröffnet das High Museum of Art in Atlanta Basquiat, the Blue Ribbon Paintings, and the Art of Reproduction. Im Mittelpunkt stehen elf Gemälde aus dem Jahr 1984, auf denen sich das Bierlogo von Pabst Blue Ribbon zwischen anatomischen Diagrammen, Film-Logos und gekrönten Figuren wiederfindet. Die Ausstellung läuft bis zum 16. Mai 2027.

Dieses letzte Detail passt zu Basquiats gesamter Karriere. Ein billiges Bieretikett, eine Krone und ein Copyright-Zeichen auf derselben Leinwand: die Markennamen einer Stadt, die alles verkaufte – gemalt von jemandem, der wusste, dass auch er verkauft wurde. Die Preise werden mit dem Markt weiter steigen oder fallen. Die Gemälde stellen weiterhin die Frage, die schon im ersten SAMO©-Schriftzug an einer Wand in SoHo steckte: Wem gehört ein Zeichen, und wer entscheidet, was es wert ist?

Schlagwörter: artists, Andy Warhol, Bildende Künstler, Jean-Michel Basquiat, Defacement (The Death of Michael Stewart), Hollywood Africans