Die 15 besten japanischen Regisseure, gemessen an dem, was sie erfanden

Bei keinem nationalen Kino hat sich die Welt öfter bedient als beim japanischen. Der Western steht bei ihm in einer Schuld, die er nie beglichen hat, der moderne Actionfilm hat seine Schnittgrammatik von Kurosawa übernommen, und die Hälfte dessen, was Streamingdienste heute als Prestige-Animation verkaufen, stammt von einem einzigen Studio in Koganei am westlichen Rand von Tokio.

Die folgenden Regisseure sind danach gereiht, was sie erfunden haben und was von ihnen geblieben ist. Deshalb steht ein Filmemacher, der dreißig Jahre lang im Kern dasselbe Familiendrama drehte, weit oben, direkt neben einem, der nie zweimal denselben Film gemacht hat. Und deshalb stehen Animationsregisseure hier zu exakt denselben Bedingungen wie die Meister des Realfilms.

Die Liste reicht von der Stummfilmzeit bis zu Regisseuren, die noch drehen, denn wer die Giganten der Nachkriegszeit als abgeschlossenes Museum behandelt, missversteht sie am schnellsten. Widerspruch ist ausdrücklich erwünscht; genau dafür gibt es eine solche Liste. Die ersten Namen werden kaum jemanden überraschen. Die Überraschungen beginnen weiter unten.

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1. Akira Kurosawa

Akira Kurosawa ist der einflussreichste Regisseur, der je in Japan gearbeitet hat, und ein ernsthafter Kandidat für den Titel des einflussreichsten überhaupt. Die sieben Samurai erfand die Struktur des zusammengestellten Teams, auf der der Actionfilm bis heute läuft, von den Western-Remakes bis zu jedem Heist-Film und jedem Superhelden-Ensemble seither. Rashomon gab gleich mehreren Sprachen ein Wort für umstrittene Wahrheit. Dazu kommen die mit dem Teleobjektiv gefilmten Schlachten, das Wetter als dramatische Kraft und die Wischblenden, die George Lucas eins zu eins übernahm. Niemand kommt auch nur in seine Nähe.

2. Yasujiro Ozu

Yasujiro Ozu verfeinerte ein ganzes Berufsleben lang ein einziges Thema, Eltern und Kinder, die sich auseinanderleben, mit einer tief postierten und fast nie bewegten Kamera. Die Reise nach Tokio ist die reinste Fassung davon: Ein altes Ehepaar besucht seine viel beschäftigten erwachsenen Kinder, und es geschieht nichts außer dem ganzen Leben. Er ist der am leisesten radikale Formalist der Filmgeschichte und der Regisseur, bei dem andere stehlen, wenn Stillstand etwas bedeuten soll.

3. Kenji Mizoguchi

Kenji Mizoguchi machte die Plansequenz zu einer moralischen Haltung. Er hält die Einstellung, bis der Zuschauer an dem, was die Kamera beobachtet, mitschuldig wird, und verweigert den Schnitt genau dann, wenn ein Schnitt ihn entlasten würde. Erzählungen unter dem Regenmond, eine Geistergeschichte über zwei Männer, die Geld und Ruhm nachjagen, während ihre Frauen den Preis bezahlen, ist sein berühmtester Film. Seine Porträts von Frauen, die von der feudalen Ökonomie zermalmt werden, sind in ihrer Wut bis heute unerreicht.

4. Hayao Miyazaki

Hayao Miyazaki gewann zweimal den Oscar für den besten Animationsfilm, mit mehr als zwanzig Jahren Abstand, und machte handgezeichnete Animation weltweit zu einem ernsthaften Medium für Erwachsene. Chihiros Reise ins Zauberland bleibt die höchste Leistung der Form: der Albtraum eines Kindes über Arbeit, Gier und den Verlust des eigenen Namens, gezeichnet mit einer Geduld, die kein Algorithmus vortäuschen kann. Das von ihm mitgegründete Studio ist der Grund, warum über japanische Animation als Kino gesprochen wird und nicht als Genre.

5. Hirokazu Kore-eda

Hirokazu Kore-eda übernahm Ozus Thema und holte es in die Gegenwart: Was zählt als Familie, wenn der Staat sagt, dass sie keine ist? Shoplifters – Familienbande, in Cannes mit der Goldenen Palme ausgezeichnet, begleitet einen Haushalt kleiner Diebe, den etwas Stärkeres als Blut zusammenhält, und bricht einem das Herz, ohne je laut zu werden. Er führt Kinder besser als jeder andere lebende Regisseur, vor allem deshalb, weil er ihnen nie ein Drehbuch gibt.

6. Masaki Kobayashi

Masaki Kobayashi drehte in den drei Teilen von Barfuß durch die Hölle neuneinhalb Stunden Antikriegskino, und er drehte sie als Mann, der in der Kaiserlichen Armee die Beförderung verweigert hatte. Die Trilogie folgt einem Pazifisten durch Arbeitslager, Front und sowjetische Gefangenschaft, ohne ein einziges Mal wegzusehen. Sein Samuraidrama Harakiri ist die vernichtendste Abrechnung mit institutioneller Ehre, die je gedreht wurde, und hat nichts von seiner Schärfe verloren.

7. Shohei Imamura

Shohei Imamura gewann zweimal die Goldene Palme und wurde zum großen Chronisten jenes Japans, das die Nachkriegsmeister ausgespart hatten: des ländlichen, des kriminellen, des körperlichen, des begehrenden. Er begann als Assistent von Ozu und drehte den Rest seiner Karriere offen das genaue Gegenteil von dessen Kino. Die Ballade von Narayama, über ein Dorf, in dem die Alten zum Sterben auf einen Berg getragen werden, ist so unsentimental, wie Kino nur sein kann.

8. Nagisa Oshima

Nagisa Oshima war der schärfste politische Kopf der japanischen Neuen Welle, ein Regisseur, der seine Kämpfe mit der Zensur in Argumente über den Staat selbst verwandelte. Im Reich der Sinne brachte ihm in der Heimat einen Obszönitätsprozess ein, der mit einem Freispruch endete. Furyo – Merry Christmas, Mr. Lawrence, mit David Bowie und Ryuichi Sakamoto als Feinden in einem Gefangenenlager, bleibt sein menschlichstes Werk.

9. Kiyoshi Kurosawa

Kiyoshi Kurosawa, nicht verwandt mit dem Mann an der Spitze dieser Liste, baute eine Grammatik des Horrors aus leerem Raum und schlechtem Wetter statt aus Schockmomenten. Cure, in dem ein Kommissar einen Herumtreiber jagt, der Fremde zum Mord bringt, ist der beängstigendste Film dieser Liste, und fast nichts ist darin zu sehen. Seither hat er dasselbe Unbehagen in Geistergeschichten, Familiendramen und Spionagefilme getragen.

10. Takeshi Kitano

Takeshi Kitano war Fernsehkomiker, bevor er zum unverwechselbarsten Yakuza-Stilisten der Welt wurde: statische Einstellungen, plötzliche Gewalt, lange Stille und im Zentrum ein unbewegtes Gesicht, meist sein eigenes. Hana-Bi – Feuerblume, in dem er einen Polizisten spielt, der seine sterbende Frau pflegt und nebenbei seine Schulden auf die harte Tour begleicht, gewann in Venedig den Goldenen Löwen. Niemand hat je so abrupt und so gekonnt von Zärtlichkeit zu Brutalität geschnitten.

11. Satoshi Kon

Satoshi Kon drehte vier Spielfilme und eine Fernsehserie, bevor er mit sechsundvierzig Jahren starb, und jede dieser Arbeiten veränderte, wie Animation mit Subjektivität umgeht. Perfect Blue, über ein Pop-Idol, dessen Identität zerfällt, als es ins Schauspielfach wechselt, springt ohne Vorwarnung zwischen Traum, Rolle und Wirklichkeit. Darren Aronofsky hat seine Bilder auf der Leinwand zitiert, und Kons späterer Traum-Heist-Film Paprika schwebt seither über jeder Debatte um Inception.

12. Ryusuke Hamaguchi

Ryusuke Hamaguchi gewann den Oscar für den besten internationalen Film mit einer dreistündigen Adaption einer Kurzgeschichte von Haruki Murakami, die größtenteils von den Proben zu einem Theaterstück handelt. Drive My Car macht aus einem trauernden Theaterregisseur und seiner jungen Chauffeurin eines der großen Leinwandgespräche des Jahrhunderts. Er ist der beste Dialogregisseur der Gegenwart und der Name auf dieser Liste, der am ehesten noch nach oben klettern wird.

13. Isao Takahata

Isao Takahata gründete das Studio Ghibli mit, zeichnete nie selbst und wiederholte sich nie. Die letzten Glühwürmchen, über zwei verwaiste Kinder, die versuchen, die Brandbomben auf Kobe zu überleben, ist der am schwersten zu ertragende Animationsfilm, der je gedreht wurde. Jahrzehnte später verabschiedete er sich mit Die Legende der Prinzessin Kaguya, einer Fabel in Kohle und Aquarell, die vielleicht das Schönste ist, was das Studio je herausgebracht hat.

14. Mikio Naruse

Mikio Naruse ist der am wenigsten gefeierte der vier großen Nachkriegsregisseure und der unerbittlichste. Wenn eine Frau die Treppe hinaufsteigt folgt einer Barhostess aus Ginza, die jeden Yen zählt, während sie Ehe gegen Unabhängigkeit abwägt, und gönnt ihr keinen bequemen Ausweg. Seine Filme über arbeitende Frauen und Geld galten einst als bescheiden. Inzwischen sind sie zum modernsten Werk der Gruppe gereift.

15. Shinya Tsukamoto

Shinya Tsukamoto schuf fast im Alleingang auf 16 mm einen Meilenstein des Cyberpunk-Bodyhorrors und dreht seit Jahrzehnten wütende Low-Budget-Filme über Gewalt und Krieg. Tetsuo – The Iron Man, in dem sich ein Büroangestellter langsam in Schrott verwandelt, sieht bis heute aus wie nichts anderes. Er schreibt, dreht, schneidet und spielt weiterhin in seinen eigenen Filmen, was ihn zum reinsten Independent-Regisseur dieser Liste macht.

Ehrenvolle Erwähnungen, denn fünfzehn Plätze konnten nie reichen: Kon Ichikawa, dessen Die Harfe von Burma und Feuer im Grasland unverzichtbare Kriegsfilme bleiben; Seijun Suzuki, der Studiorebell, den Branded to Kill den Job kostete und zur Legende machte; Hiroshi Teshigahara für Die Frau in den Dünen; Kaneto Shindo für Onibaba; Kinji Fukasaku, der den Yakuza-Film neu erfand und der Welt dann Battle Royale schenkte; Juzo Itami für Tampopo; Katsuhiro Otomo für Akira; Mamoru Oshii für Ghost in the Shell; und Takashi Miike, dessen Audition bis heute als Mutprobe weitergereicht wird.

Wer die Liste von oben nach unten liest, erkennt sofort ein Muster. Die großen japanischen Regisseure interessierte selten, wozu Kino angeblich da sein sollte; sie interessierte, was die Kamera fassen kann. Deshalb reicht ihr Einfluss von Kurosawa bis Hollywood, von Ozu bis in den halben Festivalbetrieb und von Koganei bis zu jedem Animator, der je ernst genommen werden wollte. Fangen Sie irgendwo an. Am Ende werden Sie sie alle sehen.

Schlagwörter: Hirokazu Kore-eda, cinema, Akira Kurosawa, directors, Hayao Miyazaki, Masaki Kobayashi

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